Calo na Orelha

E assim segue...

2008-10-28T17:59:00.003-02:00

Durante mais de um ano, o Calo na Orelha teve como casa este blogspot aqui.

Hoje isso mudou, o blog cresceu de um espaço para exercício da resenha cultural e agora somos, eu, Pedro Jansen, e Jader Pires, co-editores do site Calo na Orelha.

Com muito orgulho, sempre.

Você que nos lia aqui está convidado a conhecer a nova casa. Esperamos que goste.

Abraços!

2008-10-13T21:30:00.010-03:00

Parece que faz tanto tempo...
Por Jader Pires.

Quando lançou seu primeiro trabalho solo (Yours To Keep) em 2007, Albert Hammond jr disse que “se você não estiver procurando por um quarto disco do Strokes, esse vai ser um álbum para se apaixonar”. Seguindo a mesma linha de raciocínio, o guitarrista californiano que ganhou o mundo em Nova York continua doce e dúbio em ¿Cómo Te Llama?, mas com um gás renovado.

O rapaz é supostamente uma máquina criativa. Carreira solo bem comentada justamente pelas composições que fogem um pouco da banda que o projetou e agora, além de um novo álbum, começa a atuar também no mercado da moda, criando modelos de ternos com a designer Ilaria Urbinati. Territórios desconhecidos provaram ser bem férteis para este moço que sempre teve uma cara confiante. Não uma confiança de quem sabe fazer, mas de quem simplesmente faz.

Em ¿Cómo Te Llama?, temos a voz que ainda encanta por sua mistura ditosa e levemente melancólica que deixa todas as composições carregadas de uma dualidade entre alegria e tristeza (fator primordial para o estilo power pop que Albert resolveu adentrar com seu projeto solo). GfC é o exemplo mais interessante de uma letra muito triste (“inside me there's a sad machine, wants to stop movin'”) com um arranjo mais alegre e uma voz que caminha nas duas direções para ser interpretada conforme a disponibilidade do dia para se estar feliz ou triste.

O trio que o acompanha é o mesmo e isso dá um tom mais ímtimo e, embora não inovando assim como em Yours..., estão claramente mais descontraídos. Essa tal intimidade tanto da banda, como a de Albert em compor sozinho, fez com que, além de lançar dois discos pra um mesmo projeto paralelo num período de um ano, as alternâncias de estilo também se fizeram aparecer na obra. Toda a sonoridade é mais solta, ampla e segura que no trabalho anterior fazendo até com que uma canção como In My Room (uma das melhores) pudesse ser gravada com uma pegada deliciosamente parecida com Strokes, mas sem soar realmente como a banda e mostrando que o garoto dos ternos também sabe falar de relacionamentos conturbados tão bem ou, dependendo da liberdade dos olhos e ouvidos de quem ouve, melhor que Julian Casablancas.

As canções Lisa e Rocket são bem densas e industriais enquanto You Won’t Be Fooled By This é uma (em)balada gostosa e sincera que antecede a bela Spooky Couch, uma viagem de teclados e cordas que contou com a participação de Sean Lennon (que já havia participado do álbum anterior). É uma canção instrumental cercada de surrealismos sonoros, simples e encantadores.

Logo após, uma seqüência ótima em que Albert leva todas as características de seu som para a concepção de dub poderoso (Borrowed Time), um emaranhado de alegrias (G Up) e um reggae com direito a inserções de percussão (Miss Myrtle), todos aos moldes de ¿Cómo Te Llama?, que é finalizado com a inspirada Feed me Jack or How I Learned To Stop Worrying And Love Peter Sellers. Aliás, a julgar pelos dois trabalhos que Albert já lançou em sua trajetória solo, posso concluir que o garoto sabe muito bem como terminar um cd.

Albert começa já na saudade (parece que faz tanto tempo...) e termina sem demonstrar um mínimo de cansaço ou falta de motivação (não é tarde demais pra ficar um pouco mais...). Se depender de mim, será sempre bem vindo. Se depender de um som sempre com essa cara boa, será sempre bem esperado.

Mate a saudade de Albert Hammond Jr. Aqui!

2008-10-06T23:56:00.000-03:00

A satisfação de uma curiosidade antiga

Elvis Costello nunca foi exatamente o tipo de artista que sempre figurou na minha discografia básica. Havia uma curiosidade distante desde a inserção do artista no clássico [ao menos para mim] Austin Powers: The Spy Who Shagged Me, mas nada além de uma curiosidade.

Eis que o tempo cuida de provocar certos incidentes maravilhosos e numa noite qualquer de junho o amigo Rodrigo Mesquita deixa a dica: "o novo do Elvis Costello tá muito bom". Deixei aquilo na cabeça, mas tão assoberbado de trabalho estava que ficou só na cabeça mesmo e nunca passou para o SLSK ou coisa que o valha. Até que um dia, esperando o início de um show de amigos meus, fui dar uma banda pela FNAC e no meio da seção de CDs se destacou a capinha roxa com o nome de Costello em laranja. Momofuku, disco cujo nome homenageia o inventor do macarrão instantâneo Ando Momofuku e o espírito em que o disco foi gravado, esperava pela minha audição, quieto e passivo.

Selecionei o tal disco no seletor da loja de departamentos e No Hiding Place invadiu o péssimo fone de ouvido. E mesmo com a qualidade duvidosa daquele som que chegava aos meus ouvidos, sabia que estava diante de uma obra singular do cantor e compositor inglês. Mesmo com a presença constante de baladas de qualidade, o forte de Momofuku são bons rocks, com riffs espertos e arranjos criativos e dançantes. Sim, por que não se dança só músicas incrivelmente animadas. O meio termo também é convidativo e o The Imposters, banda que acompanha Elvis Costello, soube executar isso com maestria.

O trio que abre o disco tem uma beleza singular. Me interesso muito pelas músicas que abrem discos, geralmente são elas que trazem uma mensagem escancarada, são elas que traduzem a cabeça do artista dentro daquela produção. E No Hiding Place já abre o jogo, dizendo que pagou seus pecados imortais, que conhece o inimigo que um interlocutor traz consigo e que não há esconderijos. Não, realmente não há esconderijos para nada, seja você fiel a um deus ou ateu. É algo que se precisa aprender a lidar: um problema não some só por que você fechou os olhos.

A segunda canção, American Gangster Time, com um arranjo de piano simples e gracioso capaz de deixar qualquer 5º beatle com inveja fala do mundo da máfia americana, seus excessos e extravagâncias. Tudo com um toque de bom humor e ironia. Turpentine, no entanto, é ácida, longa e "sombria", com aspas para determinar a dificuldade em precisar os limites deste sombrio. Trata sobre passado, acidentes com química e outras experiências ruins. Uma tríade poderosa para abrir um disco.

Então temos a primeira balada, Harry Worth, apresentando um atestado de "memento mori" para um casal que aparentemente não está se dando bem. Destaque para os arranjos das faixas seguintes. Flutter and Wow, Stella Hurt [com seu piano nervoso marcando o baixo e falando da minha mulher preferida, toda e qualquer Stella...], Mr. Feathers conta uma história com voz, piano e bateria.

My Three Sons é o momento corujice do disco, em que Costello declara sua completa paixão pelos três filhos, dois deles com a pianista e cantora Diana Krall, com quem é casado desde 2003. Song with Rose e Pardon Me Madam, My Name Is Eve são músicas um tanto menores dentro do disco, mas que mantém o esmero de Elvis nos arranjos de sua obra. Por sua vez, para fechar o disco, nada mais apropriado que o ótimo e suave rock de Go Away.

Momofuku é uma obra justa, sem grandes supresas, mas que mantém acessa a chama dos álbuns como amostra de um artista. Se lançado apenas como diversos singles, online e sem a formatação de obra fechada, talvez o álbum fosse um estrondoso sucesso, indo além do modesto 59º lugar da Billboard. Ainda assim, Momofuku vale o download, a audição carinhosa e o suspiro de satisfação.

Você pode baixar este disco aqui.

2008-09-29T23:32:00.012-03:00

O lado negro da força
Por Jader Pires

O Justice é um Frankenstein de duas cabeças. Uma é boa, artística, centrada nas batidas certas pra fazer a coisa ferver. A outra é vil, violenta, desprovida de dignidade e qualquer tipo de sentimentalismo. É uma mistura de graciosidade e agressividade gratuita. Uma cabeça tentando dominar a outra num jogo psicológico sem tréguas, sem vencedores aparentes. Esse monstro tocou em São Paulo esse final de semana.

O ímpeto do duo francês encontrava-se atrás de uma enorme cortina negra que estava postada frente ao palco do Skol Beats 2008. Após a apresentação interessante do Mixhell (formado por Iggor Cavalera e sua esposa, Laima Leyton), as tais cortinas se abriram e liberaram a visão de dezenas de amplificadores Marshall simetricamente dispostos em cada um dos lados, que davam poderio ao altar eletrônico enfeitado por uma cruz bem no centro que emanava uma claridade branca que até o momento não sei dizer se era alegria ou um pedido de ajuda. Por trás de todo esse aparato estavam as duas mentes que, juntas, metralharam inúmeros elementos sintetizados que eram, ao mesmo tempo, atraentes e perturbadores.

Assim como no álbum † (ou Cross - 2008), Genesis foi a canção escolhida para o prenúncio do apocalipse sonoro. Pancadas graves golpeavam meu estômago e reverberavam em minha garganta, juntamente com as inserções de Phanton (ainda antes de o primeiro som terminar). Era uma seqüência interminável de impactos e alívios que ainda não entendi como pudemos todos suportar uma tortura com tanto prazer.

Gaspard Augé (de cabelos enrolados) parecia mais concentrado, um ar mais hardworker (sem deixar de curtir e aproveitar os momentos de maior rockstar da atual cena eletrônica). Do outro lado, Xavier Rosney (de cabelos desgrenhados) já se mostrava mais despojado, com olhares fulminantes para a platéia (ao melhor estilo Liam Galagher), enquanto degustava todos os cigarros possíveis e imagináveis naquela uma hora de show. D.A.N.C.E. e The Party viraram baladinhas, mas isso não quer dizer que ficaram menos nervosas (até nos momentos mais carinhosos, a besta dentro da dupla se manifesta de modo rude, incômodo). Já nos momentos críticos, as provocações são das mais perigosas. O Remix de We Are Friends (original dos remixadores ingleses do Simian Mobile Disco) foi iniciada só com a voz (because we are your friends/you’ll never be alone again) histericamente acompanhada na platéia, com repetições de “oh, come on! oh, come on!”, enquanto Stress virou um épico de cólera. Colagens de violinos dramatizavam ainda mais a tensão e a pancadaria psicológica não dava fôlego (enquanto a pancadaria física rolava no chão do Anhembi, com pés já completamente tomados pela adrenalina).

O inferno só parou (infelizmente) quando a música cessou e Garpard apareceu no telão com os braços formando uma cruz e Xavier já desaparecia no breu do canto do palco. Soturno, pesado, frenético e competente. O Justice é uma extravagância poderosa e detentora de um charme bem irascível. Difícil é sair ileso.

(Fotos gentilmente cedidas por Marcelo Elídio)

2008-09-17T01:46:00.005-03:00

Uma noite linda de morrer (Mombojó)

Ouvi exaustivamente o primeiro disco do Mombojó, o interessantíssimo nadadenovo, de 2004. Antes de ouví-lo, no entanto, fui a um show da banda na minha cidade-natal, Teresina, em 2005. Um show que me rendeu histórias das mais diversas magnitudes, um show que me fez pensar na vida [sério] de diversas maneiras. Até hoje, quando escuto Mombojó, penso naquela noite de sexta-feira, num julho perdido e de clima ameno.

Ou pelo menos pensava. Hoje o Mombojó é muito diferente do que era naquele 2004. A morte de O Rafa, responsável pelas flautas, e a saída de Marcelo Campello, dono dos violões, cavaquinhos e escaletas dos dois primeiros discos da banda, mudou muito [ou seria "demais"?] a cara do grupo que me fascinou naquela noite hoje já tão passado. O que é natural e até esperado. Afinal, já se vão três anos desde o primeiro encontro e cinco do nascimento da banda. Mudar, além de inevitável, era essencial com tantos processos rodeando o Mombojó.

Em junho deste ano fui a um show da banda no Studio SP e pude ver como estava aquele adorado grupo com dois integrantes a menos e com todas as particularidades que isso traz. Mais seco, mais rock, menos samba, com menos detalhes. Foi um show difícil, e ainda assim divertidíssimo.

Mas bem menos divertido que a apresentação que vi no último sábado, 13/09, no mesmo Studio SP. Antecedido pelo fantástico show de China, a invasão pernambucana foi completada quando Felipe S (voz), Samuel (baixo), Vicente Machado (bateria), Marcelo Machado (guitarra) e Chiquinho (teclado e sampler) puseram os pés no palco. Mombojó e China, Cancêr e Você Não Serve Pra Mim, sai China, fica Mombojó.

Misturando músicas do primeiro [e melhor disco, na minha opinião] com músicas do segundo disco e canções inéditas, que devem figurar no álbum a ser lançado em novembro deste ano, não houve razão para não abrir facilmente o sorriso que me foi tão caro no show de junho. Banda afiada, sorriso nos rostos, público acompanhando as canções nota a nota...

É tragicômico pensar que, quando Felipe S abre a boca para professar um "deixe-se acreditar/nada vai te acontecer/tudo pode ser/nada vai acontecer, não tema/esse é o reino da alegria" [de Deixe-se Acreditar], todas as pessoas dentro do Studio SP [me permitam aqui uma generalização descarada] berram com ele a plenos pulmões. Aqui têm-se a faca de dois gumes do homem-artista: "se fossem opções rigorosamente excludentes entre si e você pudesse escolher uma delas, desejaria ser um grande artista ou um cara anonimamente feliz?", como bem escreveu Alexandre Inagaki.

É trágico pensar nisso por que, como homens, estes rapazes vivem sua arte e sofrem por terem nela seu trabalho, mezzo recheado de alegrias, mezzo entremeado de pequenos baques e dramas; e que, como artistas, estes homens apresentam suas vidas/experiências/humores para um público sedento por uma confidência, uma relação próxima. E cômico por que estas elucubrações não fazem o menor sentido quando se vê o Mombojó no palco: todos os pequenos dramas, da vida ou das letras, são substituídos por uma "tremenda anarquia, que vai pintando as ruas de alegria"...

(Fotos gentilmente cedidas por Gian Lucca)

2008-09-17T00:08:00.005-03:00

Uma noite linda de morrer (China)

Por Jader Pires

Depois de uma tarde de sábado reconfortado na companhia de amigos da melhor estirpe, vi a noite caindo pesada com um vento forte que sugeria um fim mais próximo, mas que na verdade estava a sussurrar o começo de algo especial.

O Studio SP é reduto de quem gosta de música brasileira e corre atrás de novas sonoridades que na verdade não tem nada de novo, só não é moldado nos padrões propostos (ou impostos) pela atual indústria fonográfica nacional. Para outros artistas, o Studio SP também é um refúgio para conseguir shows bons sem ter que cair nas garras das gravadoras, mas acabam por focar suas apresentações mais em Sampa (a terra prometida), deixando muitos outros lugares do país a ver navios. Opções da vida (não se pode ganhar sempre).

Assim como já foi dito aqui no Calo na Orelha, Pernambuco deve ter algo de errado na água ou a tensão de pensar tubarões nas praias pra ferver tanta musicalidade boa por lá. Zilhares de bilhares de bandas, grupos, cantores, interpretes, compositores e todo tipo de mau elemento que faz um ótimo show saíram dos mangues, das regiões da mata ou do eixo Recife-Olinda pra fazer a vida com suas músicas. No sábado, depois de uma tarde reconfortado na companhia de amigos da melhor estirpe, eu fui ao Studio SP pra ver o show de um bando de pernambucanos mau elementos que saíram da lama, da mata e do eixo pra viver de música. E ó só, como vivem.

Enquanto estávamos sendo aquecidos passivamente e positivamente pela discotecagem precisa do, às vezes DJ, quase sempre vocalista da banda Jumbo Elektro, Tatá Aeroplano (que fazia o som da casa na noite), a H Stern Band adentrou ao palco, ainda no escuro, portando seus instrumentos e, ao centro, China estava impecavelmente posicionado com sua camiseta listrada, seu chapéu quadriculado e microfone em mãos.

O groove poderoso de Colocando Sal nas Feridas adentrou em todos os ouvidos quase ao mesmo tempo em que a luz de um amarelo forte atacou todo o palco com um “Mick Jagger brasileiro” (“Não... é o Mick Jagger Chinês!”, disse uma amiga da melhor estirpe) já inerte em seus movimentos epiléticos, fazendo bicos e soltando as palavras faladas da canção. Sua voz era completamente encoberta por uma maré de berros da galera na pista, praticamente toda tomada por fãs (característica do local). A banda toda é detentora de um equilíbrio sonoro tremendo, colocando a potência certa, o swing certo, a paulada certa, a malemolência certa. O Cantor e compositor China (ex-Sheik Tosado) parece estar abduzido o tempo todo, imerso completamente em sua função. Dança freneticamente, canta com sinceridade e contagia todo o ambiente.

Praticamente tudo de seu último álbum (Sumilacro, 2007) é tocado com uma ótima pegada dançante com pitadas bem pesadas. Jardim de Inverno, Sem Paz tiveram suas letras acompanhadas de ponta a ponta, com explosões nos refrões, nas vozes, nos pulos e nos dedos apontando o ar, o teto, o amigo ao lado, o China, a banda. Asas Nos Pés foi provavelmente a mais agitada: público faiscando e China com seus espasmos bailados, enquanto Um Dia Lindo de Morrer e Canção Que Não Morre no Ar foram as mais comemoradas.

Tudo escuro de novo. China os chama, assim como previsto. Mesmo assim, a sensação é de surpresa quando o Mombojó todinho sobe ao palco, cada qual com seu instrumento e fazem a seqüência final que contou com Câncer e uma releitura bem densa de Você Não Serve Pra Mim do Roberto Carlos que foi engolida por um final alucinante da banda descendo o cacete do hardcore.

Já tinha garantido a minha noite linda de morrer. O China já tinha garantido a sua noite linda de morrer. Estávamos ambos reconfortados por amigos da melhor estirpe, no Studio SP, envolto de maus elementos que respiram música. Melhor, impossível.

(Fotos gentilmente cedidas por Gian Lucca)

2008-09-15T21:24:00.005-03:00

A ciência do Metal(lica).
Por Jader Pires

Enquanto os olhos da ciência estão voltados para a experiência do grande acelerador de partículas (LHC) que “recria” em menor escala (obviamente) o fenômeno do Big Bang, tivemos no dia 12 último um fenômeno interessante de lapso no espaço-tempo.

O Metallica lançou seu nono disco de estúdio (sem contar o duplo Garage Inc., que contém apenas covers) chamado Death Magnetic (será que tem algo a ver com os tais testes na França e Suíça!?). O lapso aconteceu porque, em resumo, a obra toda parece ter sido concebida entre o clássico ...And Justice For All (1988) e o primeiro chute no saco dos fãs, Black Album (1991). Toda a sonoridade de Death Magnetic parece ser uma mistura desses dois álbuns ou então influências diretas da primeira fase da banda (aquele metal agressivo e muito bem trabalhado) e a segunda (o metal mais denso, potente e comercial). O mais curioso é que o produtor Bob Rock foi um dos principais responsáveis pelas várias facetas que o Metallica teve durante toda a carreira e, nesse novo trabalho, a produção ficou com o excelente Rick Rubin, que já trabalhou com Slayer, System of a Down e Rage Against The Machine. Com essa alteração, a banda acabou optando por criar o que sabe fazer de melhor, após o enorme fiasco de St. Anger (provavelmente quase tão grande que o Big Bang e definitivamente maior que o teste que chegou a ser ridiculamente acusado de criar um buraco negro e acabar com todo o universo).

É muito Metallica. A complexidade certa nas linhas de guitarra, as paradas, as alternâncias na melodia, os solos. That Was Just Your Life (com exorbitantes 7:08 min) já inicia a pancadaria com o vigor da fase inicial da banda, com direito a berros agudos de James Hetfield, mas bem mais contido do que o garoto que liderava a banda no início dos anos 80. Outro ponto que vale ressaltar é que as composições permanecem com todas as características metallianas, com frases como “the slave becomes the master” (The End of the Line), “we die hard” e “show your scar” (Broken, Beat Scarred). O single The Day That Never Comes é a que mais tem a cara do Black. Um começo lento e a voz bem encaixada de Hetfield no tempo todo da canção pesada, mas comedida.

The Unforgiven III soa como tiro no pé (ou súplica de mais grana nos bolsos), mas surpreende pela idéia que a letra passa e a inspiração máxima (ou nostalgia maior) está na derradeira My Apocalypse, uma peça pesada até os ossos digna de destaque nas apresentações ao vivo.

Com o tempo eu aprendi a enxergar coisas boas em (quase) todos os trabalhos do Metallica. Os Load e ReLoad têm ótimas canções de hard rock, a fase caipira do Garage é muito divertida, o S&M (com a orquestra) é um show fantástico e a banda sempre mandou bem ao vivo. Mesmo assim, esse momento de voltar às raízes sem soar anacrônico é muito saudável e louvável para uma banda que experimentou muita coisa nessa vida (os médicos que cuidaram da reabilitação de James Hetfield que o digam). Sem querer ter o mesmo discurso dos xiitas do metal, a melhor coisa que a banda poderia fazer depois do desastre sintético do último disco e das galhofas contra a distribuição de música pela Internet era justamente voltar ao casulo e recomeçar só os quatro com seus instrumentos, reunidos entre passado e presente para acelerar riffs e reproduzir os antigos sons explosivos que deram origem ao que eles atualmente são.

Confira se o Metallica ainda está em forma aqui!

2008-09-10T07:52:00.000-03:00

Pelo caminho tortuoso sem vacilar

Há sempre um momento em que você se vê diante de um impasse. A vida do homem adulto é cheia desse tipo de coisa: tomar decisões, tecer comentários, escolher caminhos...

Quando uma banda lança um disco novo e este chega às minhas mãos, uma pergunta que eu sempre me faço, como forma de exercitar o raciocínio, é o que aquele material quer expressar. É um momento da banda?, é cara-de-pau deslavada?, é um disco para fazer dinheiro fácil?... E por aí vai. São diversas as possibilidades. E nenhuma serve como opinião definitiva a respeito. É preciso enxergar além.

Ao conhecer o The Walkmen, em meados de 2004, tive a nítida impressão de que poderia gostar daquela banda para sempre. Era como se eu tivesse conhecido um novo The Strokes [só que mais criativo] ou um novo Led Zeppelin. Cada música escutada era uma surpresa e um arrepio diferente, uma sensação de estar diante de algo que eu poderia admirar indefinidamente, tamanha era a pungência das canções de Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone [2002] e Bows + Arrows [2004].

Então veio 2006 e o lançamento de dois disco do Walkmen que me fizeram pensar muito bem a respeito do que representavam para mim: A Hundred Miles Off e Pussy Cats. O primeiro, com inéditas do grupo; o segundo, uma regravação do clássico de Harry Nilsson, gravado em 1974 e produzido por John Lennon.

Nos dois primeiros discos da banda, existem “intros”. They're Winning , do Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone e What's in It for Me, do Bows + Arrows começam devagar, num clima de “vamos começar a brincadeira com calma”. Já o A Hundred Miles Off quebra essa idéia e inicia já com uma canção ainda com os timbres do The Walkmen, mas mostrando que Paul Maroon (guitarra, piano), Walter Martin (orgão/baixo), Matt Barrick (bateria), Peter Bauer (baixo/orgão) e Hamilton Leithauser (vocais/guitarra) já pensavam em fazer algo diferente. No Pussy Cats, como um disco de covers e maldito dentro da banda (como deram entender numa FAQ que ficava disponível em seu site oficial), não há essa idéia e é um álbum que pode ser facilmente ignorado dentro da discografia dos rapazes. O primeiro era criativo, mas diferente. O segundo era dispensável. Acabava ali a minha admiração pelo The Walkmen?

Então chegamos a You & Me. Quando ouvi o disco pela primeira vez, não soube o que dizer a respeito. Bom? Ruim? Inspirado? Mais do mesmo? Simplesmente não sabia. E me preocupei. Foi preciso escutar bem, várias e várias vezes, para entender que aquele ainda é um material que dá pistas dos novos caminhos da banda, sem revelá-los completamente. Em A Hundred Miles Off há músicas bem rápidas, mas diferentes dos moldes que a banda apostava. Aqui em You & Me, as faixas rápidas praticamente desapareceram. In The New Year (as festas de fim de ano são um tema recorrente na obra dos rapazes) é a única que ainda mantém um pouco da banda que o Walkmen foi.

E não há nada de errado nisso. Absolutamente nada. As 14 canções lá contidas são (agora posso dizer) inspiradas e tocantes, sem cair na pieguice. É fato que o Walkmen não é uma banda dada a falar de amor nas suas canções. Até são, mas de uma maneira peculiar, sem abusar das imagens usuais. Falam de relacionamentos sem nunca abusar do açúcar no processo. São justos até nisso.

A banda continua afiada, com seus teclados em camadas e bateria fantástica e emocionante (fazendo a cama para os riffs e melodias das guitarras). A voz de Leithauser, caso a parte, é impossível de ser ignorada, mesmo que por vezes ele emule um pouco de Bob Dylan e de Bono Vox. Ainda assim, mais e mais, o vocalista consegue firmar sua identidade: gritos e agudos precisos e urgentes.

Se os outros lançamentos atendiam bem ao propósito de emocionar pela violência das músicas, You & Me demonstra ser um trabalho ideal para se ouvir no fim de uma tarde de domingo, conversando na varanda com um amigo ou com alguém que se gosta, ou talvez lendo um livro, ou ainda antes de ir dormir. Este Walkmen não é mais um grupo que atenda às batidas secas de uma pisca de dança. Esses dias, mesmo que não necessariamente de forma perpétua, estão para trás. E olhar adiante, para o futuro do The Walkmen, a mim, como fã, é bastante animador. Mostra um grupo criativo, ousado e, na sua essência, disposto a experimentar.

Este disco está disponível aqui.

2008-09-04T21:49:00.008-03:00

(des) Repetindo
Por Jader Pires

A capa do novo álbum do Weezer parece a de um velho álbum do Weezer. O prazer de não dar nomes aos seus trabalhos se repete neste carinhosamente apelidado “Red Album”. O sexto disco da banda é chamado de Weezer e também tem os quatro integrantes em poses que evitam pose para a foto, assim como os outros “Weezers” (Blue Album e Green Album, 1994 e 2001 respectivamente), mas com um fundo vermelho exagerado. Parece coisa de criança, mas a direção é outra.

A banda parece ainda manter uma adolescência de melodias despretensiosas, mas ganhou consistência não soando mais tão bobinha. Assim como os coloridos anteriores marcaram quebra de paradigmas, esse outro álbum sem nome e ilustrado de um rubro berrante volta a entortar os caminhos do quarteto californiano, desta vez com um som mais encorpado e composições menos neuróticas de Rivers Cuomo, que cria um paradoxo de se importar menos pra se importar mais.

Troublemaker, Pork And Beans e Dreamin’ são as únicas canções que lembram mais aquele velho Weezer quase infantil e sem permissão pra dirigir, com suas distorções marcantes e letras que reclamam as cobranças dos mais velhos e responsáveis (Pork And Beans, aliás, foi concebida após uma cobrança da gravadora da banda por um novo hit depois dos “fracassos” dos dois álbuns anteriores). Mas são canções mais coesas que os antigos materiais dessa banda jovem que acaba de ficar mais velha, naquela fase em que não se é mais criança, mas tampouco se tornou adulto.

The Greatest Man That Ever Lived é uma ode irônica e desvairada em atos muito bem alternados entre a calmaria, a loucura, a certeza e o desespero, tanto nas melodias quanto na letra. O que vem depois é a maturidade de não se preocupar tanto em agradar e aproveitar o ensejo para experimentar.

Rivers Cuomo, ex-rebelde mimado que largou a carreira por um tempo para, vejam só, terminar a faculdade em Harvard (muita rebeldia prum nerd só), aprendeu a dividir as composições com os outros integrantes da banda. Cedeu espaço para o baterista Pat Wilson assinar e cantar Automatic, enquanto o guitarrista Brian Bell escreve e canta Thought I Knew, uma cançãozinha sobre desculpas e pensamentos equivocados e Scott Shriner canta e assina parceria com Cuomo em Cold Dark Horse, uma das mais diferentes do estilo da banda, assim como o potente rap-rock Everybody Get Dangerous e as poéticas Heart Songs e The Angel And The One, que são muito mais contidas nas distorções do que as outras baladas da banda.

A experiência da maturidade (no caso de Cuomos, um matrimonio e a paternidade) sempre agrega tranqüilidade, mesmo pra fazer um rock’n roll mais bem pensado e variado, o que me lembra um ditado dos mais velhos: “Não é força, meu filho, é jeito”.

Confirme se é a força ou o jeito que permeia o novo do Weezer Aqui!

2008-08-28T01:35:00.001-03:00

O não travestido de sim e a mentira

A negação sincera, desprovida de pecado ou de más intenções, é libertadora. Há quem afirme que a sinceridade tem seus méritos, todos os méritos, mas a negação, aquela que abraça os fracos, os covardes, os reais, eu e você, é mais palpável do que a verdade extremada, do que a sinceridade crua.

Ida Maria, cantora e guitarrista norueguesa de 24 anos, finaliza seu primeiro disco, o interessante Fortress Round My Heart, negando. Em “See Me Through”, título sugestivo para quem teve criação católica, a jovem nega a existência de Deus, o mesmo personagem que ela clama logo na primeira faixa, a pesada “Oh My God”.

Nas dez faixas do álbum lançado em 2007, Maria parece, contraditoriamente, imergir para um poço de sinceridade, de verdade, de transparência. “You think I’m in control?” é o que ela diz na primeira faixa, quando clama pela atenção de Deus. Mas que dualidade é esta que toma conta da expressão artística de uma menina de 24 anos?

Ora, é simples: esta é a dualidade presente em qualquer jovem ou artista, com mais ou menos 24 anos. É a dualidade de quem pensa muito, não somente por que tem muitas dúvidas e perguntas, mas principalmente por que os pensamentos fluem em torrente. E essa cachoeira que jorra incessantemente da boca de Ida Maria traduz as angústias comuns [mas nunca triviais] de quem pensa muito. E perceba: muito não é demais.

As temáticas das canções da norueguesa, cujo timbre de voz lembra uma Feist menos meiga e mais urgente, passeiam entre as inseguranças em relação ao mundo, como na já citada “Oh My God” e em “Keep Me Warm”. Esta última também resvala num outro tema caro à artista, o amor. São várias as referências a este sentimento tão vil e avassalador. Parece piegas falando assim, mas negue se tiver coragem. “Drive Away My Heart”mescla o amor com a entrega total e voluntária, “Louie” trata o sentimento na ponta da unha, com ironia e cara de pau, “Stella” pergunta se você está mesmo disposto a amar e “Queen of the World”, escancarando as mazelas da insegurança [sim, ela novamente].

“I Like You So Much Better When You're Naked”, minha canção preferida no disco, trata da insegurança [recorrente, não?] e tem título auto-explicativo. A melhor solução para dar fim ao frio no estômago, ao escapulir das palavras, ao vício provocado é a libertação do que se veste. Ida sabe e propaga isso, mesmo que sem entender com um cara apenas "kind of sexy" consegue deixá-la tão nervosa.

O que mais me desperta emoção no álbum de Ida Maria não é a pegada que algumas músicas têm, ou a confidência nas letras. É a dualidade. Confessar não é o suficiente quando se tem 24 anos ou se é artista ou se ama ou se mente. É preciso ser duo, dois, vários, uma contradição atrás da outra. Não, isso não é uma regra. Mas dentro do jeito natural com que Ida Maria diz certas coisas, fica até com cara de que seja.

Este disco está disponível aqui

2008-08-19T23:01:00.015-03:00

Não quero mais ouvir o "Beep Beep"
Por Jader Pires

Parece até desenho animado. E o pior é que todo mundo cai na armadilha. Público e crítica ficam presos a cordas estrategicamente amarradas em árvores ou em grandes mandíbulas de ferro que se fecham ao pisar. Só faltavam algumas minas ACME na frente de um pedaço suculento de carne pintado na parede.

O Coldplay nunca foi a maior banda do planeta e nunca tentou ser. Então, como isso acabou virando uma verdade absoluta quando se fala da banda? – blábláblá de gravadora.

Estamos nos tempos em que artistas como Madonna, Radiohead, Smashing Pumpkins e muitos outros não renovam mais contratos para seguir uma carreira mais livre (e lucrativa, por que não!?), e é mesmo de se enaltecer o privilégio de ter uma banda desse calibre que faz questão de admitir publicamente que não quer se desvincular do formato clássico de contrato, produtor, publicidade, compromisso de três álbuns em cinco anos e clipes para cada single. Por isso o termo “a maior banda do planeta” é martelado em nossas cabeças e acabamos por tornar erroneamente a alcunha como verdadeira.

Mas não continuem se enganando. O argumento acima não serve de proteção para o grupo britânico que lançou há pouco o álbum Viva la Vida or Death and All His Friends, sucessor do espancado X&Y (2005). Todo mundo sabe que Chris Martin é um picareta que queria ser chato como Noel Gallagher e feio como Thom Yorke, mas não consegue ser genial como nenhum dos dois. Segue com afinco as premissas de um rockstar do século XXI: Vegetariano, não bebe e não fuma, adotou uma causa social para lutar (o movimento social Fair Trade) e só bate em paparazzi (afinal, quem não bateria em um?!). Picareta sim, mas com talento.

O problema todo é que com esse papo de melhor banda do planeta, o Coldplay não só passou pelo desafio do segundo álbum, como apanhou feio no lançamento do terceiro, e terá que segurar as pontas no lançamento do quarto e do quinto e do décimo nono. Enquanto o apelido criado pela gravadora não desaparecer, a banda vai sempre queimar na fogueira da inquisição musical.

Viva la Vida... é um álbum bom. A produção de Brian Eno (aquele mesmo que jogou o U2 lá no alto nos anos 80) não livra a cara como todos esperavam, mas tem ótimos momentos.

Life in Technicolor e Lovers In Japan são contentes e se distanciam um pouco do que a banda usualmente compõe. A dobradinha Cemeteries of London e Lost! Tem arranjos menos distintos e melodias típicas de mr. Chris Martin, enquanto as músicas que dão nome ao álbum, Viva La Vida e a excelente Death and All His Friends fazem valer pelo menos uma primeira audição. O Álbum vai ganhando e perdendo qualidade com a alternância entre canções que estão mais soltas daquela velha fórmula de compor do quarteto e canções que soam como um Coldplay requentado, mantendo uma tradição que pode se dar como enfadonha, como em 42 (em alguns momentos) e o primeiro single, Violet Hill.

Talvez o Coldplay esteja num caminho de redenção e pode voltar a ser uma ótima banda, com composições cada vez mais livres e com a mesma intensidade dos dois primeiros álbuns. Na revista Rolling Stone de Julho último (nº 22, pág. 84), Chirs Martin diz em uma entrevista que o verso “i don’t want a cycle of recycled revenge” (“não anseio por um ciclo de vingança reciclada”) foi criada e inserida na canção Death and All His Friends por Brian Eno, numa brecha que a letra tinha na época de gravação.

Talvez, antes de conceber por definitivo essa frase, Brian Eno pode ter dado a maior dica que a banda pode ter recebido: “I like you guys, but i don’t want a cycle of recycled Coldplay songs” (“Eu gosto de vocês, mas eu não anseio por um ciclo de músicas recicladas do Coldplay”).

Talvez as inúmeras marteladas na cabeça desde 2005 tenham esbugalhado os olhos do grupo. Talvez o Coiote esteja montando uma nova armadilha na caça do Papa-léguas, ao invés de sempre correr e correr até cair no mesmo erro, quero dizer, precipício. Fiuuuuuuuuu...........(puf)!

Ouça a diferença (ou não) do novo álbum do Coldplay aqui!

2008-07-16T18:18:00.002-03:00

Não me leve a mal, me leve a sério

O tempo nos rói a carne aos poucos. Mas não pára. O roque-roque-roque está lá, constante e inerente à nossa condição de ser vivo. A lição dos tempos de escola não cessa de ecoar: nascer, crescer, desenvolver-se, amadurecer, reproduzir-se (ou não), envelhecer e morrer.

Artistas, essa gente que varia em outra freqüência, estão debaixo do mesmo guarda-chuva, mas, no entanto, têm sua obra para ser admirada depois que o processo se encerra. Quanto mais prolífico é o sujeito, mais há para ser visto, lido, ouvido, absorvido. Em outro artigo nesse mesmo Calo na Orelha já foi desenvolvida uma teoria a respeito do caráter humilhante da extensa obra de Chico Buarque. Aqui, no entanto, estaremos focados na última obra recheada de inéditas do músico.

Carioca é um disco de 2006 que traz um Chico encarando o ciclo natural e a evolução do homem e do artista que é. Famoso, dentre outras coisas, por sua capacidade de expressar o “eu” feminino com a exatidão e profundidade que poucos alcançaram dentro da música popular brasileira, encontramos nesse Carioca um artista certo da sua idade e disposto a mostrá-la na sua essência, sem entremear suas letras com saudosismos ou dramas baratos, nem esconder de seus arranjos que os tempos são outros. Tal como foi escrito, arranjado e gravado, vemos no disco de Chico uma sinceridade pura (assumindo que cada um enxerga as coisas e as interpreta a seu modo).

Chico tem 64 anos e canta e escreve nesse disco como alguém que tem, vive, assume e, não há dúvidas, gosta de ter 64 anos. Versos e mais versos deixam isso claro durante toda a execução do álbum quando se assume essa linha de raciocínio, mas a idéia se firma em Bolero Blues, quando o sambista canta “quando eu ainda estava moço, algum pressentimento me trazia volta e meia por aqui/Talvez à espera da garota que naquele tempo andava longe, muito longe de existir”.

Essa impressão é reforçada e transmite a atualização de Chico perante os assuntos do mundo já na abertura do álbum, em “O Subúrbio”, em que Chico lista bairros do subúrbio carioca e assume que não apenas o samba, embora este não esteja esquecido, mas que outros ritmos e expressões já traduzem – concomitantemente – os anseios e prazeres daqueles que lá vivem. “Vai, faz ouvir os acordes do choro-canção/Traz as cabrochas e a roda de samba/Dança teu funk, o rock, forró, pagode, reggae/Teu hip-hop/Fala na língua do rap” é, antes de falar apenas do subúrbio, como limita a letra, uma declaração de que o “mesmo com todo o rock” não precisa mais ser tão xiita, se é que um dia foi…

Para além disso, do frescor das temáticas das letras (que falam em maconha, peitinho, bundinhas, parking, shopping center…), e de alguns arranjos trazendo pequenos e curiosos riffs de guitarra, temos um Chico mantendo a tradição do bom uso da língua e do seu vocabulário e utilizando ainda o violão amigo, o pandeiro, o cavaco e orquestrações (às vezes exageradas).

Carioca é um disco que faz pensar na seguinte situação: um homem, que viveu sob holofotes durante a vida inteira, que se dedicou à poesia, seja por fardo do destino, seja por exercício do ser humilhador, que dissecou os sentimentos e carnes da mulher com a aprovação dela, chega à maturidade com elegância e assumindo outra perspectiva, dando vazão à veia artística com muito mais sinceridade do que se firmasse seus pés num tradicionalismo desnecessário. É como ele mesmo fala em Leve: “Me leve a sério/Passou este verão/Outros passarão/Eu passo”.

Na mesma canção, dedilhada ao violão e com uma marimba ao fundo, ele pede “não se esqueça depressa de mim, sim?”, o que reforça o amor como bicho traiçoeiro, em que época e idade que seja.

Chico se renova em discurso e agrega temas às suas expressões mais clássicas, metendo um sample de sua voz, as já citadas guitarras, as palavras pouco usuais no seu discurso de rapaz inteligente e maroto, sem nunca deixar de falar do que ele bem sabe, que são os amores, as pessoas, as gentes, as relações. Chico encontra um jeito de costurar admiração, saudade, tesão e ironia num disco que não é de seus melhores (a produção lapidada não consegue esconder momentos em que sua voz fraqueja – não pela idade, mas sim pelas suas limitações como cantor), mas que não faz feio, e passa longe disso, a nada que ele já tenha feito.

Talvez o maior préstimo (provavelmente inconsciente e arbitrário) desse álbum é mostrar que envelhecer quase nunca é ruim, se se soube aproveitar todo o processo que o antecede. Chico demonstra que o fez e não deixa dúvidas sobre o quanto ainda quer aproveitar.

Você pode encontrar esse disco aqui.

Este artigo foi publicado originalmente no Amálgama.

2008-07-12T14:54:00.000-03:00

A mentira é contada e repetida, repetidas vezes

"'Tenho 30 anos', falei. 'Estou velho demais para mentir para mim mesmo e chamar isso de honra'." Assim sacramentou F. Scott Fitzgerald, no seu O Grande Gatsby. O americano não passou nem perto de errar. Com o tempo vai ficando mais e mais difícil para quem não é mononucleado ignorar essa verdade.

Aos 33 anos, Renato Russo provavelmente já estava bem consciente disso. Ele não era bobo. Devia saber que era um letrista mediano, mas dono de um estranho carisma e de uma capacidade de traduzir sentimentos de forma apropriadamente rasa. Devia saber disso, mas, como é comum nas pessoas comuns, também devia se enganar, acreditar mais em si do que a verdade apropriadamente apontava.

A Legião Urbana foi o “grande” baluarte da música pop no Brasil durante bons anos da década de 90, principalmente pela figura mítica que os fãs da banda delegavam a Renato. No início espelhado no punk rock do Sex Pistols, Ramones e The Clash, mas com inspiração também nas obras de artistas como Joni Mitchell, Neil Young e The Smiths, o grupo apresentou uma seqüência de discos que justificam bem esse O Descobrimento do Brasil. Legião Urbana [1984] é propositalmente amargo e transpira ironia, ainda que inocente; Dois [1986] é romântico, tanto ao falar de amor quanto para passar as mensagens de protesto ainda tão fortes no discurso de Renato; Que País é Este (1978/1987) [1987] resgata canções da época do Aborto Elétrico, em que o punk rock era ainda mais forte, e traz duas inéditas apenas. As Quatro Estações [1989] já apresentava a virada no lirismo de Renato, com seus amores e dissabores estampados nas harmonias de Dado Villa-Lobos, virada essa interrompida com o taciturno e introspectivo V [1991].

Então chegamos ao O Descobrimento do Brasil [1993]. O disco resgata as guitarras, as letras fortes, mas rasas, dentro da já tradicional escrita de Renato. "Vinte e Nove" referência ciclos de vida com astronomia, abre o disco e fala estritamente de como Renato levou tempo para superar os vícios que tanto atrapalhavam suas relações. "A Fonte" e "Do Espírito" sempre foram músicas complementares para mim, já que enquanto uma fala “O que há de errado comigo/Não consigo encontrar abrigo”, a outra entrega um “Sai de mim/Que eu não quero mais saber de você”. "Perfeição" é a letra contundente menos brega do disco [já que a receita presente em “Os Anjos” é o ponto baixo do álbum], ganhou clipe e é o ponto alto da obra, ao lado de “Giz”, a preferida de Renato e uma das suas melhores letras.

Temos a passável O Passeio da Boa Vista" e a “biográfica” "O Descobrimento do Brasil", em que Renato conta a pretensa história de uma fã que o escrevia muito e falava da sua vida para ele. "Os Barcos" é centrada na certeza de que um dos lados sempre se dá muito mal nos términos de relacionamento [e Renato tinha uma tendência a ser/expressar esse lado], "Vamos Fazer um Filme" encanta pelas imagens nostálgicas, assim como há um encanto estranho em "Um Dia Perfeito", acentuado quando se percebe as vozes de crianças ao fundo. "Love in the Afternoon" é um tipo de carta de despedida a um amigo do vocalista que faleceu e "La Nuova Gioventú" assusta com a distorção, chamando atenção para a letra e para o verso, mais uma vez raso, mas nunca fraco: “Com você por perto eu gostava mais de mim”. “Só por Hoje", no entanto, fecha o álbum falando mais uma vez de ciclos. Dessa vez, mais reflexivos, embora mais diretos. E como todos eles, estes têm seu começo-meio-fim-começo-meio...

Este disco está disponível aqui.

2008-05-06T21:59:00.007-03:00

Eu tô feliz que só a porra!
Por Jader Pires

Se Manuel Bandeira tivesse vivido o suficiente pra ouvir este último disco que estou prestes a resenhar, ele escreveria:

"A primeira vez que vi Siba
Achei que ele não tinha talento pra comandar a banda
Achei também que ele não se parecia em nada com o resto da banda.

Quando vi Siba de novo
Achei muita covardia fugir pro mato pra comandar uma banda daquelas
(Era como se tivesse perdido nas metrópoles e buscado colo no meio do nada)

Quando ouvi Siba não vi mais nada
Sua voz se misturou com o som da Fuloresta
E o espírito de sua poesia voltou a se mover sobre a face das boas recordações".

A frase do título foi dita pelo próprio Siba, na apresentação que aconteceu na última Virada Cultural em São Paulo. Fechando a bateria de shows do Palco Independente no Pátio go Colégio, o mestre cirandeiro pernambucano encantou e espantou cansaço e frustrações. Um show competente e recheado de canções deste tal último álbum: Toda Vez Que Eu Dou Um Passo, O Mundo Sai Do Lugar.

Voltando um pouco no tempo, Siba Veloso foi um dos fundadores do grupo Mestre Ambrósio, um dos expoentes incrustados no movimento Manguebeat que saiu de Pernambuco pro mundo na imagem de Chico Science e sua Nação Zumbi . Saiu tocando pela vida, morou em cidade grande (Recife e São Paulo), avistou no caminho um novo caminho e decidiu tomar novo rumo nas velhas tradições.

Nessa contramão, foi parar em Nazaré da Mata (interior de Pernambuco), topando com os músicos Biu Roque, Manï¿½ï¿½ Roque, Cosme Antônio, Roberto Manoel, Dyogenes Santos, Galego e Zeca e formaram a banda Fuloresta do Samba. Daí pra frente, foi só se desvincular das grandes idéias e recomeçar de baixo, montando e remontando as boas canções de rua da região da mata pernambucana. Lançou álbum de estréia em 2002 (intitulado Fuloresta do Samba) e em dezembro do ano passado colocou pra rodar o mais recente trabalho (já citado e com arte dos grafiteiros paulistanos Os Gêmeos).

A volta é completa. Nesse álbum não há misturas com elementos eletrônicos, não há letras que remetem vida urbana, não há tensões desnecessárias ou mensagens de uma visão macro. O retorno ao básico é cumprido à risca em sambas, cirandas, frevos, marchinhas e maracatus permeados de versos sinceros, moles, delicados. Os arranjos simples, compostos basicamente de sopros e percussão, dao um tom ainda mais poético e festivo.

O lirismo popular está presente em toda a poesia, narrando o cotidiano pequeno, mas não menos digno, do interior nordestino. Histórias são contadas e cantadas com metáforas e alfinetadas irônicas, inocentes e dançantes.

Na canção de abertura (Pisando em Praça de Guerra), o alerta é claro: "Esse nasceu tarimbado pra ser mestre cirandeiro". Em Cantar Ciranda, Siba explica o trabalho e a delícia de cumprir com propriedade seu destino de cirandeiro e conta com a participação da cantora Céu, que empresta toda a sua delicadeza pra contar a facilidade e a mesma delícia que é ouvir uma boa ciranda.

A música que cede nome ao trabalho divaga sobre o tamanho e a mobilidade do mundo, em confissões quase infantis e contexto intrigante. A canção Será protesta contra o fatídico dia em que pagaremos até pra respirar e exibe toda a simplicidade de um pensamento brilhante.

As outras participaïções são dos guitarristas Lucio Maia (Nação Zumbi) em Alados, que descreve a transformação da lagarta na bela borboleta "encantada e feminina" e Fernando Catatau (Cidadão Instigado) em Meu Time, que conta o infortúnio rebaixamento de um clube pra terceira divisão e toda a praga que pode ser rogada contra um juiz de futebol.

Pra lá de regionalista, João do Alto tem uma harmonia quase sacra e prepara o espírito pro final dúbio, a morte do tal João e a confissão da própria morte. Em A Velha da Capa Preta, temos um início fúnebre que logo é cortado por uma festança sem fim. Na última canção, Siba mistura fascínio e medo escrachado ao personificar a morte em suas andanças.

É graças a essa empreitada que a música tradicional nordestina vai dando seus passos e saindo do lugar, deixando seu casulo em Nazaré da Mata e se renovando em si mesma. É Graças a essa brincadeira que conseguimos perceber toda a beleza na simplicidade, toda a riqueza escondida e toda a perspicácia de se renovar naquilo que sempre esteve ali, exposto e aparentemente intocado. Só aparentemente...

Dê passos, saia do lugar e renove-se com o álbum do Siba e a Fuloresta aqui!.

2008-04-07T22:51:00.009-03:00

Onde os fracos não têm vez
Por Jader Pires

É fato que a mulher exerce uma supremacia sobre os homens. Dizem por aí que as mulheres não são donas vitalícias do planeta por questão de um único ponto fraco: A insegurança.

Se todas elas tivessem a noção do poder que possuem nas mãos delicadas e enfeitadas com unhas grandes e vermelhas, nesse momento estaríamos todos presos a bolas de ferro, executando trabalhos forçados para sustentar seus prazeres e mazelas.

Na verdade tudo isso já ocorre de maneira intangível e sutil, trocando as bolas duras e pesadas por pensamentos levianos que nos aprisionam com mais eficácia. Devaneios sobre pezinhos, alcinhas, decotezinhos, pinduricalhozinhos diversos e tudo que se pode dizer no diminutivo. Cada qual com sua peculiaridade, acabamos sempre de quatro por alguma delas: Lolitas, fogosas, tímidas, feministas, femininas, sonhadoras, recatadas, devassas, presumidas, mulheres de negócios, mulheres do povo, mulheres de deus. O projeto 3 Na Massa tem tudo isso e mais um pouco.

Imagine três homens morando num mesmo local. Realize agora a quantidade de momentos em que as mulheres davam a tônica da conversa entre esses três homens. Trace agora o plano de que são músicos, sendo esses músicos Dengue, Pulillo (ocupam respectivamente o baixo e bateria da Nação Zumbi) e Rica Amabis (Instituto).

Pode parar de imaginar.

No tempo em quem residiram no mesmo local, a tríade em questão criou alguns sons no tempo livre e resolveram formar algo com as bases acumuladas. Surgia aí a idéia que não chega a ser inovadora, mas é sempre apetitosa. Chamaram um bando de amigos pra escrever letras com o eu lírico feminino, como Jorge Du Peixe (Vocal da Nação Zumbi), Lirinha (Cordel do Fogo Encantado), China (que lançou um álbum muito bom ano passado), Rodrigo Amarante (Los Hermanos e Orquestra Imperial), Catatau (Cidadão Instigado) e outros.

Mas só isso não seria suficiente, não é mesmo? O que seria de um projeto sobre mulheres sem mulheres pra dar aquele tempero tão tentador? - Eles pensaram a mesma coisa.

Pra completar o "voyeurismo auditivo", assim como todo relacionamento que começa ou toda paquera que começa a esquentar, todo um cuidado foi tomado pelos três para convidar e gravar com as mulheres mais interessantes, amigas e com as vozes mais apropriadas pra cada canção. No final de três anos as músicas estavam prontas e o álbum terminado, intitulado Na Confraria das Sedutoras.

O culto ao ideal (ou não) de feminilidade começa com a canção Certeza, interpretada pela atriz de cabelos cacheados Leandra Leal (além de cantoras, o trio convidou atrizes que pudessem interpretar as letras e aguçar ainda mais a libido). Com arranjos que dão a ambientação de música de elevador, a mocinha de olhos grandes vai declamando frases em francês e abrindo qualquer guarda que se possa fazer para resistir à investida da obra. "Sei que vai ser muito bom...pois eu tenho uma imaginação fértil e gosto de agradar". É com essa frase em português, o jogo de sedução já começa a ser ganho...por elas, claro.

Thalma de Freitas (Orquestra Imperial) toma a frente num swing de matar. O talento da cantora é inquestionável e sua interpretação em O Seu Lugar é tranqüila e mostra o controle da situação.

Em Doce Guia, a cantora Céu adentra no ambiente da sedução aguda, em meio a arranjos eletrônicos e metais lascivos. A pequena paulistana de narizinho desenhado leva consigo uma voz atraente de quem está sussurrando brincadeiras no ouvido pra hipnotizar e ter nas mãos mais uma pobre feliz alma.

Um tecladozinho totalmente doce abre a canção Tatuí em que Karine Carvalho, esposa de Rodrigo Amarante, canta versos com ternura. A letra é do próprio Amarante e a música é quase infantil, alegre que daria gosto gosto se não fosse a letra que vai por outra direção (bem como o ex-Los Hermanos gosta).

Com qualquer homem aos pés, a música Estrondo (interpretada pela cantora Geanine) domina com a verdadeira sensação de entrega ao ato e aos fatos. A letra é quase falada, afagada com delírios e pedidos deliciosos que são um dos pontos altos do álbum.

Outro destaque da pegação é a parceria entre Lirinha e Pitty. A cantora baiana dos olhos firmes e rosto simetricamente redondo canta a letra do poeta pernambucano e tudo casa tão bem como um romance impossível que dá certo. A interpretação de Lágrimas Pretas lembra as loucuras do vocalista do Cordel, mas é genuinamente Pitty, que foge um pouco do estereotipo rockeira e canta com mais graça que força (sem falar que a guitarra de Lúcio Maia, guitarrista pra lá de competente da Nação Zumbi é de dar água na boca).

A música Pecadora é a mais tensa do álbum todo. A atriz Simone Spoladore, que atuou no belíssimo (talvez o mais belo) filme nacional Lavoura Arcaica. A canção tem uma instrumentação densa e efeitos pesados como chuvas e trovões envoltos a notas repetidas incessantemente. A falta de um bom afago é o motivo de tamanho desespero que culmina em uma masturbação pra lá de aproveitada pela personagem solitária que recebe vida na voz de Simone.

Nina Becker resgata a tranqüilidade em O Objeto. Sua voz é acalentadora demais e os teclados de Chiquinho (Mombojó) dão um toque especial na identificação das vontades da mocinha.

O Cantor e compositor China (ex-Sheik Tosado, atual artista solo e que brinca com um projeto paralelo chamado Del Rey, que faz releituras mais atuais de Roberto Carlos) assina Quente Como Asfalto. Quem nos deleita com sua voz é a mais conhecida como jurada do programa Ídolos, Cyz. A pernambucana de voz delicada, movimentos delicados e sotaque delicado sussurra, ri deliciosamente, brinca com a voz antes de começar a cantar o pedido de mais e mais. Delicadamente insaciável.

A ex-vocalista da bem conceituada banda Smoke City, Nina Miranda (que fazia um som meio bossa pra gringo, mas de boa qualidade) faz uma participação em Morada Boa. Em meio a um sambinha com sopros danadinhos, a menina radicada em Londres dá conta do recado e impõe a voz de quem não quer deixar ir (até porque o álbum ainda guarda deliciosos momentos).

Karina Falcão, apesar de ter projetos musicais em Pernambuco, é uma atriz em seu estado principal. Atuou no badalado Cidade de Deus e aqui no Confraria, ela assina uma carta com devaneios pós-separação e pré-volta certa. Interpreta frases desesperadas e é incisiva nas declarações que apelam por sossego.

Lurdes da Luz envia rimas secas e diretas em Sem Fôlego. Embalada por uma cozinha bem estruturada de linha de baixo e bateria dançante, a MC paulistana de lábios grandes e apetitosos mostra a independência da mulher nos dias atuais e toda a parte boa dessa situação (para ambos).

Em Tarde Demais, Alice Braga (mais conhecida como a atual brasileira a alcançar os bons contratos de Hollywood, atuando com Will Smith em Eu Sou A Lenda) nos diz em pouco mais de um minuto o óbvio do ápice da situação. O orgasmo puro e derradeiro leva a bela morena de sorriso contagiante a nos confessar sua (ou nossa!?) incapacidade de resistir a tamanho prazer. A cena de uma cama ainda quente e duas pessoas (ou mais) completamente exaustas depois de tantas peripécias é mais do que obrigatório. Um convite inusitado e impossível de se recusar é o desfecho irremediável dessa obra impregnada de cheiro de cabarés, de suor a dois, de beijos fortes e respirações aceleradas.

Depois de tudo isso? - Nada mais resta a fazer do que vê-las cair no sono enquanto brincamos com seus cabelos ou sentimos a temperatura de seus corpos caírem quando se acaricia a coxa descoberta, enquanto pegamos o controle remoto do aparelho de som para recolocar esse álbum que é sinônimo de pecado.

Se estiver tentado, sinta os toques no ouvido de A Confraria Das Sedutoras Aqui!

2008-04-02T21:23:00.009-03:00

Tô atrasado...tô atrasado!
Por Jader Pires

Estou acelerado, minha agitação tem motivo e esse motivo tem nome: Jack White.

Não há modos de acompanhar a carreira do meninão de Detroit sem levar consigo uma boa dose de empolgação e disposição, uma vez que ele me faz o seguinte: Lança o álbum Get Behind Me Satan do White Stripes em 2005, surpreende com um projeto novo em 2006 e põe pra rodar o primeiro álbum intitulado Broken Boy Soldiers e em 2007 lança outro álbum da dupla vermelho-preto-e-branco Icky Thump que é considerado um dos melhores álbuns do ano passado aqui no Calo na Orelha.

Como se não bastasse para o fôlego dele, ainda no primeiro trimestre desse ano, sem mais nem menos, o Raconteurs anuncia o lançamento do segundo álbum que recebeu o nome de Consoler Of The Lonely. O intrigante anúncio foi feito à imprensa apenas uma semana antes, sem um dia a mais ou a menos.

Apesar de ainda ser chamada de "banda paralela do cara do White Stripes", o Raconteurs possui um núcleo criativo que se divide em duas metades: Uma delas fica realmente com Jack White, que tem uma bagagem vasta e muito interessante de Blues e Rock'n Roll, além de ser detentor de um afinadíssimo bom gosto ao medir o velho e no novo em riffs que não agridem e não enchem os bagos com o tempo. A outra metade fica a cabo de Brendan Benson que possui uma carreira bem estruturada com ambientações roqueiras e de folk.

O novo álbum que chegou no último dia 25 tem 14 faixas e uma capa em preto e branco bem ao estilo vintage da banda. A sonoridade também é marcada pelo estilo do álbum anterior, quando o rock setentista foi resgatado em alto grau.

A diferença que encontramos em Consoler Of The Lonely é que o resgate foi feito, mas acrescido de um certo frescor nos arranjos que contam com metais e harmonias que fogem um pouco daquele classic rock.

A música de abertura é homônima ao álbum e tem uma pegada muito boa de riffs e bateria. A guitarra inicial lembra um pouco o White Stripes, mas Jack White canta uma melodia diferente da sua outra banda, e é acompanhado por uma segunda voz bem sutil. O ponto mais legal dessa canção é a alternância muito boa de levada dançante e tensa, tensa e dançante e os agudos quase desafinados no refrão.

Salute Your Solution é talvez a música que mais de aproxima do álbum anterior, cheia de energia e cantada de um jeito frenético. O clipe disponível no youtube é vertiginoso, mostrando bem a pegada da banda em fotos seqüenciais em PB.

As próximas faixas You Don't Understand Me, Old Enough e The Swhich and the Spur fazem cair um pouco a adrenalina, mas sem perder a qualidade (a última citada tem metais bem interessantes).

Hold Up já volta a dar mais pressão com batera acelerada, guitarras destorcidas e berros de ambos os vocalistas. Many Shades Of Black é a música mais intrigante. Uma balada pra abalar qualquer baile. Metais lastimando uma briga inevitável e Brendan Benson cantando uma harmonia que até então parecia impossível de se conceber para a banda e encaixada na letra longa que sugere um desabafo de quem não agüenta mais tamanha tensão num relacionamento. Uma canção chorosa, linda, digna e muito curiosa.

Five on the Five reaquece o motor do álbum que sobe e desce sem chegar a encher o saco. Rock febril, folk animado, baladas interessantes com pitadas de blues como a rapidinha Pull The Blanket no piano.

É um álbum bom de cabo a rabo, mas que não chega a suprir as boas sensações de seu antecessor. Um álbum que foi mantido em segredo e lançado com a mesma pressa que Jack White tem pela música, pela boa música. Um álbum de uma banda que não tem muita pressa pelo futuro, mas que parece não estar mais tão apegada ao passado.

Corra, pule e dance com o Raconteus Aqui!

2008-03-20T14:43:00.001-03:00

As duras verdades da vida

Difícil não começar esse texto pelo caminho mais fácil. Há nela um sobrenome [e se pensar com carinho, dois...] e/ou uma história cabulosa. Motes perfeitos para justificar uma resenha "filho de peixe, peixinho é" ou "vamos todos rir da desgraça alheia!". Mas não.

Vamos pensar um pouco...

É acho que dá pra abrir uma terceira via. Ok, vamos lá.

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Este é um disco que fala de amor. Este é um belo disco que fala de amor. Este é um belo disco que fala do amor como alimento da alma, mas também como veneno do corpo. Este é um disco que fala de alma, corpo, veneno, alimento, amores carnais e fraternais.

Este é um disco cheio de coisas. De letras, de sons, mas, fundamentalmente, um disco cheio de símbolos e significados.

Participante freqüente dos discos de sua mãe, Sean Lennon [filho dele e dela, sim] fez sua primeira aparição no mundo da música em 1981, mas só lançou um disco seu em 1998, o esquisito-bossa-eletrônico-super-cool Into the Sun, gravado junto com a sua namorada à época, Yuka Honda [Cibo Matto]. O cara foi elogiado, recebeu boas críticas, lançou um disco de remixes e alguns novidades no ano seguinte [o médio Half Horse, Half Musician], e caiu em um silêncio voluntário que durou sete anos.

Entretanto, sua opus magnum ainda não havia surgido. A verdadeira obra-prima de Sean Lennon veio em 2006, com o lançamento do disco Friendly Fire. Teríamos discos mais interessantes na praça se mais bandas valorizassem o silêncio como Sean. Neste segundo álbum, 90% dos tiros são certeiros. E para alguém que tem bala na agulha mas não faz tanta questão assim de apertar o gatilho, é um resultado fantástico.

Agora que a cortina foi aberta e já conhecemos os personagens desta resenha, vamos à história cabulosa que envolve o disco. Sean era um rapaz apaixonado. Muito apaixonado. Amava uma moça chamada Bijou Phillips. E Sean tinha um amigo, um grande amigo, um amigo chamado Max LeRoy. E Bijou e Max resolveram estreitar ainda mais os laços partindo para um affair de proporções beligerantes.

Fim do romance com Bijou, corte de relações com Max, dor de cotovelo eterna somada à morte repentina do amigo num acidente de moto, esse é o sumo de Friendly Fire. Sim, é verdade mesmo. Se esse disco fosse uma laranja, o suco proveniente dele teria amor, traição, dor e desprendimento, com um sabor acentuado de fel.

E isso Sean expõe muito bem ao longo de todo o álbum [e dos clipes elaborados em forma de história para algumas das faixas do disco]. Não é preciso muito esforço para entender que todas as chagas do relacionamento desfeito e da morte do amigo ainda estão presentes ali. Os arranjos são soturnos e em escalas menores [usando inclusive o famoso acorde apaixonado - o F#m], a voz é sussurrada, e as letras são um destaque impossível de ser ignorado. São as letras são doloridas, confidenciais, deliciosamente bregas e pungentes, muito pungentes.

E são muitas as sacadas durante o disco inteiro...

Em Dead Meat, Sean dispara: "Don't you know you're dead meat/You just messed with the wrong team"

Em Friendly Fire, Sean acusa: "You launched the assault with the first cannon ball/My soldiers were sleeping"

Em Parachutes, Sean indaga: "If life is just a dream then which of us is dreaming/And who will wake up screaming?"

Em Spectacle, Sean lamenta: "You said you would/But you never will change/You only do it if I do the same"

Em Tomorrow, Sean mente: "I promise to stop thinking of you constantly/and wishing i could wake up every morning next to you"

E é assim que Sean acredita que se pode expiar uma dor.

"Dead Meat" e entrevista em que Sean fala sobre a motivação do disco

A traição e perda na visão de Sean Lennon aqui.

2008-03-13T01:07:00.007-02:00

O que é que o paulista tem (Parte III)
Por Jader Pires

"E os novos baianos passeiam
Na tua garoa
E novos baianos te podem
Curtir numa boa..."

Tem aquela velha história que dizem que no Brasil, se plantando, tudo dá. A terra é boa, minha gente...a terra é boa.

Na música ocorre o mesmo.

O Brasil é o único (ou parte de um grupo muito seleto de países) que consegue absorver qualquer tipo de sonoridade que venha de qualquer parte do planeta e tornar genuinamente seu. O movimento antropofágico da década de 20 do século passado já prenunciava e a tropicália reafirmou a sentença de que aqui, quando o assunto é artes, se plantando, tudo dá.

Índios, negros árabes, judeus. Americanos querendo acabar com a ameaça de uma América comunista, CIA botando o dedo em assuntos de todos os países latino-americanos. Diversos fatores para entrada e saída de vivências tão diferentes nesse país que já se consagra detentor de uma diversidade incrível devido ao território imenso. São 26 estados e um distrito federal, cada qual com seus trejeitos cultivados através dos séculos, apimentados por colonizações diferentes, climas diferentes, momentos diferentes e importâncias diferentes contribuindo mais e mais para a climatização dessas culturas tão distintas.

O gaúcho colono, com seu poncho e seu amor pela região do Rio das Pratas. O carioca malandro, com seu terno branco e sua inseparável cerveja no bairro da Lapa. O mineiro "come-quieto", o nordestino sofrido do sertão. O frevo, a ciranda, o tecnobrega do Pará, o reagge do Maranhão (considerada a segunda Jamaica), o tango argentino, o jazz dos yankees, a cítara e o alaúde do oriente. Coisas de dentro, coisas de fora, coisas que se fundiram e viraram coisas e que não deixam de ser coisas intimamente brasileiras.

São Paulo hoje é a capital brasileira dos negócios e, na terra que um dia foi do café, hoje é da cultura. A cidade importa e exporta cultura que hoje é um dos comércios mais rentáveis que se pode haver. Dentro dessa máquina de fazer dinheiro que é o show business paulistano, há certos artistas que podemos chamar de "vírus". São pessoas que conseguem adentrar e usar a engrenagem cultural para fazer coisas sinceras e não tão rentáveis quanto superproduções cultivadas e desenvolvidas na metrópole.

O Projeto Cru usa a formação de um power trio de jazz. Nesse nipe jazzístico, um pianista, um baixista e um baterista formam a tríplice configuração para mandar notas tornas e improvisadas tão provocantes desse estilo musical. Simone Soul (bateria e percussão), Marcelo Monteiro (sopros diversos) e Alfredo Bello (baixo e tecnologia) se apropriam dessa formação para criar um estilo de som muito brasileiro, muito versátil e muito tribal. A absorção de diversos estilos e experimentações é total e plenamente aceitável pelos ouvidos. A brincadeira nos shows é constante e consistente, aplicando bases das canções gravadas no álbum homônimo (lançado em 2003) com improvisos que hora são agressivos, hora metódicos.

O que impera nas músicas do Projeto Cru é a brasilidade intensa, transcendendo divisas estaduais, quebrando a "paulistaniedade" e tornando-se "cidadãos do Brasil".

A canção Evolução (que abre o cd do grupo) é uma ambientação para se adentrar nessa mata fechada. Batidas incessantes e uma percussão que aguça a curiosidade, como se fosse um perfume de plantas exóticas que atraem a atenção para um sopro tranqüilo e bem traçado. Mundo Embolado já traz uma respiração de quem está à procura de um descampado pra abrir mais a mente. Quem ouve essa música recebe na letra dicas sobre o mundo, sobre a vida que não é tão simples quanto se parece, mas é mais deliciosa quando se tem uma outra percepção dela. Formigas, roseiras e asfalto se misturam com a batucada e a melodia nordestina que faz pessoas saírem saltitando na vegetação rasteira com os pés descalços. Quando retomamos o rumo com a canção Caminho, um baixo tocado com o arco chama novamente os sopros e começa a ser tocado com os dedos, bem grave, alternando as melodias ao longo da performance soando como a trilha de uma procura mais aguçada quando se embrenha novamente na mata densa de notas tortas e retorcidas. Daí pra frente conseguimos andar pelas florestas do norte do país, passando pelo sertão empoeirado e pelo cerrado castigado pelo calor. Atravessamos pastos de intensa movimentação da boiada e descansamos um pouco pelo litoral e as maravilhosas sonoridades da praia e do mar. Descemos com a intensidade do som até os pampas e retomamos o trajeto até firmar os pés no chão cinza de pedra e piche. É textura de todos os locais culminando na estética deliciosa e rica do trio que mostra que São Paulo não é o Brasil e o Brasil Não é São Paulo e que, na verdade, nada disso importa, pois a musica brasileira é rica em qualquer ponto sob qualquer circunstância.

É Brasil que não acaba mais e brasilidade até a alma!

Desvende os sons do Projero Cru aqui!

2008-03-09T21:19:00.009-02:00

O que é que o paulista tem (Parte II)
Por Jader Pires

"E quem vem de outro sonho feliz de cidade
aprende depressa a chamar-te de realidade
porque és o avesso do avesso do avesso do avesso"

E é assim mesmo que começa o primeiro álbum da banda Pedra Branca. Um vento suave e curto (na canção chamada Feixe de Luz) conduzindo a atenção para uma batida viva, um coração pulsando música, pulsando vontade, pulsando diversidade, pulsando serenidade e acompanhado de gemidos singelos e bem marcados. Uma cítara aparece e vai ao encontro das tablas e de uma voz melodiosa que nasceu dos gemidos e se tornou letra que reverencia o fato único que seria ver, à meia-noite, o Sol Brilhante (que é o título da segunda canção).

O projeto da banda Pedra Branca iniciou-se em 2001, com Luciano Sallum e Aquiles Ghirelli (esse mesmo, um dos vocalistas do Projeto Nave). Composições, gravações, shows dentro e, posteriormente, fora do estado, a adição de João Ciriaco no projeto (além de diversas participações nos vários dhows da banda, como as de Daniel Puerto Rico incrementando a percussão, Ana Eliza com sopros, San tocando baixo e diversas apresentações de dança contemporânea quando se faz necessário), dentre outros fatores, resultaram no álbum de mesmo nome, Pedra Branca em 2004. Em 2006 gravaram o segundo álbum intitulado Feijoada Polifônica e emprestaram alguns de seus sons para coletâneas de lounge e world music.

As músicas em sí de ambos os álbuns da banda resumem-se a enormes viagens com destinos indefinidos e trajetos diversos, dependendo do estado de espírito e da disponibilidade a abrir outros ouvidos no corpo e absorver cada instrumento, cada efeito eletrônico, cada voz que, com ou sem propósito de ter uma letra, tem um poder muito grande de prender a atenção.

E mais do que uma banda, a Pedra Branca é um produto. Produto industrializado na capital dos negócios, dos homens engravatados, do trânsito, da confusão de pessoas e de veículos públicos, de passeio, de carga, de trabalho, de sons que transtornam e tomam de assalto nossa paciência. A Pedra Branca é um produto necessário pra acelerar a fuga da realidade caótica e pra aliviar a agonia de um dia-a-dia em São Paulo. Não por estratégia, a Pedra não é um produto tangível com estampas e rótulos nas prateleiras. É um produto do meio, uma forma encontrada pela própria cidade para manter o equilíbrio e sustentar sua longevidade. Os músicos da Pedra Branca são instrumentos que usam instrumentos que usam o ar pra se propagar, deslizando por ondas calmas e bem definidas.

Junta o Oriente e o Ocidente numa brincadeira cheia de graça e textura. Mistura as batidas eletrônicas mais atuais com a hipnose da cítara e o zunido milenar do didjeridu aborígine, invocando novos e velhos espíritos a conhecer ainda as tablas tão fáceis de se identificar, todas as percussões que enchem o espaço e enriquecem cada faixa com nomes também bem convidativos, como Encontro Encantado, Kama Sutra (ambos do primeiro álbum), Metamusica e Território Ancestral (que compõem o segundo cd).

Uma visão tranqüila sobre uma banda que esbanja qualidade e criatividade. A experiência de ouvir e, mais ainda, entender a proposta das músicas é como a sensação de ver algo rotineiro, mas com outros olhos. Entender a mensagem da Pedra Branca é como redescobrir São Paulo, encontrar beleza nessa cidade e, ao olhar para alguma avenida ou reflexo das árvores nas janelas espelhadas dos prédios colados, soltar um sorriso sem perceber.

Sorria com os sons do Pedra Branca aqui!

2008-03-03T23:23:00.007-02:00

O que é que o paulista tem (Parte I)
Por Jader Pires

“Alguma coisa acontece no meu coração

que só quando cruzo a Ipiranga e a Avenida São João.”

São Paulo pode ser facilmente denominada como “Pangéia Cultural”. Bares, baladas, inferninhos, raves, botecos, bibocas e moquifos se fundem com teatros, restaurantes, lojas, cinemas, parques e galerias se confundindo e se maquiando em ruas, avenidas, alamedas, esquinas, praças, viadutos, passarelas e favelas, tornando-se “Panaméricas de Áfricas utópicas, túmulo do samba/ mais possível novo quilombo de Zumbi”. Tudo está em São Paulo e todos querem São Paulo, ou “São Pã” como diria o diretor de teatro Zé Celso e, dentro desse universo criativo em forma de cidade, com um pouquinho de esforço na tentativa de desenvolver um olhar mais peculiar, podemos encontrar pérolas musicais das mais atrativas. Farei questão de compartilhar algumas delas.

O Projeto Nave iniciou-se no ano de 1997 com a proposta de expandir os horizontes e conhecer novas capacidades sonoras. Partindo dessas mesmas necessidades, Aquilez (Voz, electribe, escaleta e programações), Gralha (Voz, trompete, flugelhorn e escaleta), B8 (Toca-discos e Samples), Marcopablo (Guitarra), Alex Dias (Baixo) e Flávio Lazzarin (Bateria) decidiram juntar forças e talentos para formar O projeto. E como denominar esse projeto urbano e experimental? – Nave. Todos os integrantes da Nave tinham outros projetos na época (muitos ainda os tem) e a idéia inicial era a de brincar e misturar sonoridades. A grande proposta da banda é de testar ao máximo, pois como disse Aquilez “em termos de música, tudo já foi feito”. A banda tem a filosofia de que “A vida é um sampler”, então os integrantes se juntam e cada um expõe o que tem de melhor em suas experiências musicais e vivência urbana.

Com a Nave montada, a banda pôde se enfiar em todo tipo de local alternativo para divulgar suas músicas, experimentar variações ao vivo, ganhar público (Venceram o festival Skol Rock de 1999) e espaço no cenário musical paulistano. Mas a nave precisava de uma peça fundamental para ganhar a propulsão necessária para vôos mais estáveis.

Gravaram em 2004 um cd homônimo e independente, disponibilizaram as músicas na Internet em formato mp3 no site oficial da banda (http://www.projetonave.com/) e o álbum físico só seria lançado em 2005. São 12 faixas que sintetizam toda a brincadeira paulistana de mistura de estilos, gêneros, estados, sabores, culturas e propostas, uma vez q as gravações são feitas mais ou menos nos moldes de gravações de jazz, ou seja, no improviso. Mercado Industrial já aquece qualquer turbina, com um início eletrônico que guia a audição para um baixo e trompete suaves que quase são engolidos pela voz do vocalista Aquilez e suas rimas em espanhol. A nave alça vôo na canção Fora Das Órbitas jogando metais e guitarras de surf music em cima de uma bateria frenética. Garrafa Vazia dita o ritmo convulso e nos trás um riff potente e um groove enlouquecedor. As letras são curtas, visuais e de uma precisão cirúrgica. Frases pequenas e repetidas, que martelam reflexões inerentes à vida urbana e ao caos criativo e desordenado da maior cidade do hemisfério sul. Urbanóides e Sapatos Voadores sintetizam bem essa idéia ao relatar, respectivamente, a idéia de cidade e todo o stress urbano (“autos, que são móveis / humanos, que são nóides”), ou então as paranóias e a solidão que destorcem a realidade (“Ele está a caminhar de sapatos voa-dores / na mão, linda flores”).

De São Paulo para o mundo e do mundo para São Paulo. Essa é a viagem do Projeto Nave, que preza pela liberdade criativa e pela criatividade que liberta, participando com isso tudo da música regional paulistana (e você pensava que Sampa não tinha uma música genuinamente regional, hein?!). Desapegados a estilos e modismos, a banda trilha um caminho frenético e cumpre bem a sua missão: desbravar novos territórios sonoros e romper as barreiras dos sentidos, misturando sonoridade e visualidade em letras urbanas e de forte impacto, que se completam com um instrumental frenético, pulsante e inovador. Um projeto formado de integrantes competentes que se tornaram engenheiros da nave que sobrevoa o underground coletando e projetando músicas pra se ouvir, dançar, pensar e sentir (tudo isso com muito, mas muito estilo). Então, nada melhor que aproveitar a ausência de limites dessa Nave e aproveitar de modo único toda a sensibilidade múltipla que a nova música pode nos oferecer. Nada melhor que cair na noite paulistana e se deparar com esse emaranhado musical que nos permite voar alto, nos libertando também das velhas amarras comercias.

Sobrevoe com os sons do Projeto Nave aqui!

2008-02-27T22:39:00.012-02:00

Eu e o Blues do Demônio.

Por Jader Pires

As lendas podem vir de tradições populares, de eventos históricos cuja autenticidade não se pode provar, de mentes fantásticas e/ou irônicas. Provavelmente nunca saberemos a verdade de nenhuma delas e é isso o que as tornam tão sedutoras e especiais.

Do folclore nacional (saci, curupira, mula-sem-cabeça, caipora) aos boatos da nova era que permeiam nossa imaginação e aguçam nossa curiosidade. O hambúrguer do Mc Donalds é mesmo feito de minhoca? A Coca-Cola realmente corrói os dentes e desentope pia? Os elefantes temem os ratos pelo simples fato de os pequenos roedores adentrarem em suas trombas? O vírus da AIDS foi mesmo criado em laboratório? As pegadinhas do João Cleber são grandes farsas (dentre uma infinidade) da televisão brasileira?

Na música a coisa não é nada diferente. Elvis não morreu e vive numa ilha junto com Tupac Shakur. David Bowie dormiu com Mick Jagger enquanto Keith Richards cheirava as cinzas de seu pai. Michael Jackson não tem nariz e quem morreu mesmo foi o Paul MacCartney. Marilyn Manson arrancou duas costelas pra fazer sexo oral em si mesmo de tanto ouvir que ele na verdade é o Paul Pfifer do seriado Anos Incríveis. Lucy In The Sky with Diamonds tem as iniciais que compõe a sigla LSD. Enfim, elas existem e continuam a se reproduzir e a se distorcer a esmo. Mas de todas as lendas, de todo o universo musical, uma se destaca.

Robert Johnson é um dos nomes mais cultuados do Blues. O impacto que esse homem tem na história do Blues é tão potente quanto nomes consagrados como Muddy Waters, B.B. King ou John Lee Hooker. Seu jeito inovador (para a época) de tocar é tão interessante quanto as lendas que cercam sua breve vida que foi encerrada aos 27 anos (a data exata é incerta), iniciando mais uma lenda que seria a da maldição dos 27 (só pra reforçar, Hendrix, Joplin, Morrison, Cobain. Todos exemplos de mortos aos 27 anos).

Seu nome verdadeiro é Robert Leroy Johnson e como haveria de ser, nasceu e cresceu no Mississippi (um dos berços do Blues, juntamente com Louisiana, Geórgia e Alabama). Reza a lenda que Johnson adquiriu incrível talento para tocar vendendo sua alma ao diabo perto da meia-noite, numa encruzilhada da rodovia 61 com a 49, levando consigo uma garrafa pela metade de whisky e sua Dobro 1927 californiana com as cordas tão velhas que abria cortes em seus dedos longos e finos. Logo após o momento Faustiano firmado com o demônio, Robert Johnson viria compor o que para muitos são os “maiores blues de todos os tempos”. A influência de Johnson é tanta que nomes como Muddy Waters, todo o Blues elétrico de Chicago dos anos dourados de 50, Eric Clapton, Rolling Stones e White Stripes (que gravou a música Stop Breaking Down em seu álbum de estréia) se declaram fãs incondicionais de seu trabalho.

Tanta importância pra pouco registro. O que se sabe da carreira de Johnson estão nas 42 faixas gravadas em duas sessões feitas em 1936 que lhe renderam 29 canções que podem até espantar os mais desavisados devido à qualidade (obviamente estamos falando de musicas gravadas no começo do século). Mas a importância e a criatividade são tão anormais que, mais de 50 anos depois, o endiabrado Robert Johnson ganhou um prêmio Grammy e um disco de ouro. Em 1990 a gravadora Columbia Records lançou uma série de cds intitulada Roots n' Blues Series que continham todas as músicas de Johnson e, o que era uma estimativa de vendas de 20.000 cópias, renderam mais de 500.000 cópias espalhadas pelo mundo (sim, vou escrever por extenso: quinhentas mil cópias).

Sua figura é tão mítica quanto sua morte. Com causa não definida, mas com muitas especulações, dizem os mais antigos que Robert morreu rastejando-se de quatro em um corredor de hotel, uivando feito uma besta. Seria o fim do contrato com o...You Know Who? (muitas de suas músicas citavam o diabo, o inferno e a luta do bem contra o mal).

Lendas à parte, o que fica para os dias de hoje é a música de imenso magnetismo, carregadas de riffs e levadas por uma voz tentadora como o próprio inferno. Robert Johnson deixou seu legado no Blues e fez história ao contribuir fortemente com a padronização da estrutura consagrada dos 12 compassos. Uma relíquia que transcende os fatos soturnos e ilumina a estrada do Blues.

Confira a guitarra endiabrada de Robert Johnson aqui e acolá!

2008-02-20T22:55:00.021-02:00

Da difícil arte de ser um humilhador...
Por Jader Pires

Deus lhe pague.

Em sua difícil profissão de humilhar as pessoas (não, ele não é letrista como diz, não é músico, não é escritor, dramaturgo, interprete, nada disso), Chico Buarque começa me humilhando fazendo com que esse texto seja um apanhado de diversas divagações clichês. Todas as letras e arranjos das músicas do rebento mais versátil do Rio de Janeiro já foram analisados, estudados, decorados, alterados, copiados e regravados e deixou cabeças já pelas tabelas.

Mais que um ícone da música brasileira, Chico Buarque é uma pessoa comum que acorda cedo, coça os olhos pra tentar arrancar a areia imaginária, pensa em dormir um pouco mais, levanta com corpo mole, toma café pensando em mais de dez coisas ao mesmo tempo e não dá foco em nenhuma delas e bate ponto pra começar o trabalho. O cargo? – Humilhador.

O homem permeou por vários nichos de pensamentos musicais quando se trata de letras. Vai do mais simples, passa por ótimas sacadas de jogo de palavras ou de frases e vai até o rebuscar ideal pra uma canção. Ele consegue descrever o cotidiano com maestria se igualando ao maior ícone no assunto, o poeta Manuel Bandeira. Consegue ser direto e sucinto quando o assunto é a rotina de algum mortal qualquer que mora do lado de baixo do equador, como nas canções A Rita (que retrata a história de um Chico qualquer, abandonado pela Rita que levou 20 anos, coração e calou um violão), Até o Fim (que descreve a vida maldita decretada por um anjo safado), Cotidiano (que conta as peripécias do dia-a-dia de um casal tão comum no Brasil quanto o sobrenome Silva ou o nome Chico) ou O Meu Guri (que conta a trajetória nada gloriosa de um filho que toda mãe faz questão de não ver, menos a dele, que não vê nada errado mesmo).

O nostálgico Chico nos ambienta no mundo dos malandros, enchendo cabeças com aquela idéia romântica dos matutos de terno branco, chapéu panamá e navalha no bolso, aprontando poucas e boas pra se dar bem e viver no sossego do morro. Tenta homenageá-los na clássica Homenagem Ao Malandro (mas perde a viagem - ou não!?), cantarola A Volta do Malandro (entregando das próprias mãos o título de “barão da ralé”, assim mesmo, sem letra maiúscula, com todas as pompas que um cabaré pode oferecer), fica injuriado com as malandragens do dito cujo e é bem claro na ordem: Vai Trabalhar, Vagabundo!

Até aqui ele ainda mantém um certo cuidado com nossos egos, mas a coisa está pra ficar mais complicada.

Porque Chico Buarque nos humilha? – Eu não sei. Provavelmente ele não saiba também. É provável que, se conseguirmos personificar o destino, ele também nos olhe com cara de curioso se perguntando “como será que ele faz isso!?”.

O trovador carioca é dotado de um lirismo sutil e muito, mas muito eficaz. Em Construção, ele tem a sacada de escrever uma letra com todas as últimas palavras sendo proparoxítonas (última, única, tímido, máquina, sólidas, mágico, lágrimas, sábado, príncipe, náufrago, música, bêbado, pássaro, flácido, público e tráfego) e alternando-as a cada repetição da rotina de um pobre trabalhador da construção civil nacional e deixando seu percurso e seus atos mais e mais caóticos e sem sentido, até que o pobre homem não suporta mais tamanha desgraça e morre na contra-mão atrapalhando tráfegos, públicos e sábados rádios a fora. A irônica Chame O Ladrão é o meio termo, sendo simples na estrutura, mas com um insight muito interessante de inverter os papéis, pedindo socorro ao ladrão na hora do desespero. Copo Vazio, Bom Conselho e Deus lhe Pague também são exemplos de letras bem construídas por Chico, aflorado por um lado mais complexo de divagações e mais rebuscado nas brincadeiras com a língua portuguesa. Em Paratodos, Chico agradece sua vida e seus amigos com uma canção toda composta em redondilhas, citando companheiros na música, nas viagens (físicas, intelectuais e sociais) e declara sua devoção ao Maestro Soberano, Antônio Brasileiro (tudo assim mesmo, com letras maiúsculas, com todas as pompas que Tom Jobim poderia receber).

Na verdade a devoção é recíproca. Chico nos humilha porque ele é amigo e querido por todos aqueles artistas que viraram lendas do samba, da bossa-nova, da tal de MPB, compositores, interpretes, instrumentistas e arranjadores. Além de Jobim, Chico tem a admiração e parceria de nomes como Baden Powell, Vinicius de Moraes, Milton Nascimento (em sua melhor fase), Toquinho, Caetano Veloso...

... Elis Regina, Nara Leão, Gal Costa, Bethânia. Claro que Chico tinha também quis compor músicas que são notadas pelo “eu” feminino e expor pontos de vista a partir do olhar das mulheres e entregar muitas dessas letras para as divas da música popular brasileira (canções essas que se tornaram grandes clássicos, como a interpretação de Elis para Atrás da Porta, que chegou ao limite de arrancar lágrimas intensas da cantora em uma gravação feita no Circo Voador na década de 80).

Chico humilha em sambas descendentes de Noel Rosa, cultivados no berço do nosso querido Cartola, a Mangueira. Músicas como Apesar De Você, Deixa A Menina, Feijoada Completa, Morena De Angola e Meu Caro Amigo são exemplos mais que contundentes da competência que Chico tem para criar sambas dignos de serem dançados com furor ou pra serem escutados na base da cachaça e de cerveja estupidamente gelada com um “petisquinho”. Chico humilha escrevendo peças de teatro (como Roda Viva, Gota D’água, Ópera do Malandro e O Grande Circo Místico, que rendeu um dos álbuns mais lindos de toda a música brasileira) que vagam entre as mais interessantes, controversas (para suas épocas) e cultuadas de nossa pequena história teatral. Chico humilha porque brinca de escrever livros como Estorvo (1991), Benjamim (1995) – que foi adaptado para o cinema em 2003, ano em que Chico resolveu humilhar novamente escrevendo o romance Budapeste (vencedor do Prêmio Jabuti de 2004), um livro que não se consegue ler em mais de dois dias, e que é intrigante até na capa (que depois de lido o livro, ela fica mais interessante ainda).

E tudo isso, tudo isso ele faz com a maior timidez que um homem pode ter! Elis ficou irritada quando o conheceu devido a sua timidez e desistiu de gravar com ele. Em um dos dvds que foram lançados aos kilos sobre ele nos últimos tempos, uma cena que mostra um Chico totalmente acuado, no corredor que dá acesso ao palco, tentando decidir se sobe para o bis ou não, enquanto todo gritavam “vai lá...vai lá” e ele argumentava pacificamente “mas será que eu vou...será que tenho que ir mesmo?”. Em diversas entrevistas ele disse que prefere os ensaios aos shows por causa da liberdade e da falta de vergonha. Chico faz tudo o que faz com uma tranqüilidade e com um sabor único.

Como uma de suas personagens musicais, Chico Buarque termina sua tarde batendo novamente o cartão, pega uma das três conduções lotadas e salta perto de casa, sentando no bar pra uma cerveja com os amigos, discutindo futebol, mulheres, samba e os percalços de ser um humilhador brasileiro.

Sambe com Chico Buarque e sua discografia aqui!

2008-02-19T00:26:00.008-02:00

O retorno para si mesma
[para o canto mais obscuro da alma]

Trinta e três minutos e alguns quebrados de segundos. Esse é o tempo que dura nosso breve e marcante passeio pelo espírito tortuoso que Polly Jean Harvey (PJ Harvey) trouxe a tona no seu último trabalho, White Chalk (2007). Tudo bem que ela nunca foi lá um poço de músicas “coloridas”, sempre colocando um pouco de suas dores hiper-femininas nas composições [e atitudes]. Isto sem soar uma mulher melosa, falsamente orgulhosa e sexualizada, mas sendo sincera e forte, algo triunfante diante de tantas garotinhas-de-20-e-poucos-anos que ainda escrevem como curicas de 14 anos.

O que mais atormenta nesse último trabalho é que PJ Harvey foi mais além que cantar simples fatos cotidianos. Jogando sua guitarra na fogueira, ela passa a assumir um piano [que aprendeu a tocar especialmente para este álbum], para então se integrar a instrumentos de percussão e corda acústicos. Despojando-se completamente de suas habituais vestes musicais para poder ir, e mostrar, o mais fundo de sua alma atormentada.

Vagando por caminhos que muitas vezes lhe remetem a infância e demônios internos, lembranças que vagam pelo seu mais querido lado sombrio de sua personalidade. Tudo numa narrativa suave de sua voz, num tom [belo] que raramente se exaltada, o que termina por cobrir toda a melancolia pesada e pessoal que atravessa White Chalk.

Em The Devil [umas das musicas mais fortes], PJ Harvey nos alerta do monstro que a consume. Com Dear Darkness ela mostra toda sua intimidade e carinho pelo seu lado obscuro. Harvey conversa sobre suas dores com sua mãe e sua avó em Grow Grow Grow [uma bela canção onde ela solta sua voz como nunca] e To Talk To You, respectivamente. E The Piano é aquela música que nunca se deve ouvir em momentos alegres, por ser tão bela e angustiante. São canções intimistas que passeiam pelos ouvidos, imperceptíveis e complicadas de descrever sonoramente por serem tão simples. Mas que deixam rastro para quem as escuta, uma sensação cortante de melancolia.

Apesar de todas qualidades, White Chalk talvez não chegue a ser um clássico como Rid of Me (1993), e deve perturbar a audição de muitos fãs antigos de PJ Harvey. Mas ele é uma pequena pérola negra da cantora, um despretensioso avanço sonoro que lhe rendeu um grande além do seu penúltimo trabalho, Uh Huh Her (2004), que passou despercebido por mostrar um som mais-do-mesmo.

E talvez todo esse passeio perturbador pela alma de PJ Harvey tenha um outro lado positivo. Seja lá qual foi o resultado dessa cartase, a cantora já está de volta ao estúdio para gravar outro trabalho, com lançamento previsto em 2008 ainda. Para quem andava meio sumida, esta reconciliação com as trevas parece ter lhe trazido à luz.

Obs.: Ironicamente, considero este álbum o par perfeito de outro trabalho, também permeado pelo piano suave e por marcas melancolicamente pessoais: The Boatman’s Call (1997), do Nick Cave, ex-namorado de PJ Harvey. O disco foi feito durante a depressão do cantor após o fim do relacionamento dos dois. Ou seja, pro bem de seu bom humor, nunca ouça estes álbuns consecutivamente.

Encontre o álbum aqui ou ali.

2008-02-06T11:17:00.000-02:00

Da difícil arte de viver na cidade

De todas as bandas que apareceram depois do ano 2000, a única que tem meu respeito incondicional e admiração deslavada é o The Strokes. Chegava a ser complicado pensar nos discos do grupo de maneira crítica, embora me recorde que quando saiu o “First Impressions of Earth” me toquei que estava a salvo da falta de criticidade.

Achei o disco o pior do grupo, mais frágil e com menos potencial hit maker que os anteriores. Achei inclusive que a perfeição do primeiro disco, o “Is This It” estaria para sempre num limbo, sozinha e isolada. Depois o disco cresceu e amadureceu no meu ouvido, e foi simples perceber que assim como o “Be Here Now”, do Oasis, é um disco de transição, o “First...” representa uma experimentação com novas propostas dentro do Strokes.

E isso fica ainda mais claro quando escutamos o disco “Yours to Keep”, solo de Albert Hammond, Jr., guitarrista do Strokes. Ele prega uma peça em todo mundo, por duas razões maravilhosas. Vamos a elas:

1 – Ele praticamente não retoma a estética “Is This It”, mostrando independência no processo criativo;
2 – O disco não segue o novo padrão Strokes ainda não definido do “First...”.

Essas duas razões são suficientes para “justificar” o respiro criativo de Hammond, Jr. mesmo dentro de uma banda. Os boatos de que o disco solo do guitarrista seria um sinal de abandono grupo perdem força com a qualidade do material. O cara tem bala na agulha suficiente para cobrir carreira solo e banda que já planeja o quarto disco.

Mas bom mesmo é superar toda e qualquer interpretação e argumentação e se deparar com a feliz realidade de que o disco solo de Hammond, Jr. é absurdamente inspirado. Não é absurdo hypado, não é empolgação injustificada. Junto com Josh Lattanzi no baixo e Matt Romano na bateria, Albert Hammond, Jr. bate um bolão como compositor e vocalista .

As 10 músicas do disco apresentam climas e ambientações diferentes. Umas felizes, com vozes tristonhas, outras com escalas menores na melodia [levando ao sentimento de “tristeza”] e letras dispostas... Texturas das mais diversas, teclados, pianos, harmônicas, guitarras...

Mesmo sendo um fumante inveterado, Albert canta divinamente. Aliás, a voz do guitarrista é de um agudo agradável e que amplia a carga emotiva das canções. A banda é competente, baixo e bateria não inovam, mas passam longe de decepcionar. Junto disso, temos Julian Casablancas e Sean Lennon participando como instrumentistas do disco. Um apoio peculiar [no caso de Julian] e tarimbado [no caso de Sean].

Tanta empolgação é pertinente, já que o trabalho é vistoso, jovial e empolgante. Não há por que resistir a “Yours to Keep” por manha, birra ou coisa parecida. Escute e se encante. Ou não se encante. Só não deixe de escutar essas boas músicas.

E longe de perder o fôlego, Albert Hammond, Jr. já prepara um segundo disco solo, que deve sair em meados de 2008. Se seguir a proposta e tiver o encanto natural deste, já vai nascer clássico.

Parafraseando o moço, “se você não estiver procurando por um quarto disco do Strokes, esse vai ser um álbum para se apaixonar”. Concordo plenamente.

esse disco está disponível aqui!

2008-01-31T12:33:00.001-02:00

A metáfora versus a metafísica

John Lennon errou. Não, não é a felicidade que é uma arma aconchegante. Não, não é. John não teve como escutar o novo disco do Mars Volta, o [introduza aqui seu adjetivo no grau superlativo absoluto de sua preferência] The Bedlam in Goliath, lançado nesta última terça-feira, 29 de janeiro de 2008, mas já disponível na rede [e constantemente deletado] desde 17 último. Se John tivesse a oportunidade de ouvi-lo, tenho certeza, mudaria o nome do seu clássico para "Creativity is a Warm Gun". Ou "The Mars Volta is a Warm Gun". Ou ainda "The Bedlam in Goliath is a Warm Gun".

Não não é exagero, não não é embalo hypado. Se o leitor tiver o mínimo de percepção artística ou sensibilidade musical, só para saber quando as coisas estão acontecendo, já deve ter percebido que os americanos do The Mars Volta têm essa capacidade de mesclar a violência de uma arma com o conforto da felicidade. É como uma Síndrome de Estocolmo projetada para a arma do seqüestrador. Você não ama aquele homem que lhe priva a liberdade, ama a arma dele.

Desde Tremulant EP, o disco que lançou a banda, até este The Bedlam in Goliath [passando por De-Loused in the Comatorium, Frances the Mute e Amputechture], Omar Rodriguez-Lopez e Cedric Bixler-Zavala foram provando que têm a criatividade como arma e como sustento da alma. Seria a criatividade ou a curiosidade? A curiosidade ou a experimentação? Não se sabe ao certo, por que, como disse Machado de Assis, "[...] não há raciocínio nem documento que nos explique melhor a intenção de um ato do que o próprio autor do ato". E assim, em suposições e idéias, baseiam-se as impressões sobre a arte do núcleo do Mars Volta. Mas se só suposições e idéias são oferecidas, prender-se a elas e saborear o resultado parece ser uma atitude válida.

Importante confessar que nunca fui grande fã do grupo, mas desde o "De-Loused..." sempre procurei ouvir seus trabalhos com atenção, por saber do material de qualidade a ser encontrado ali, mesmo que esse às vezes seja inatingível. O Amputechture foi um parto complicado, ficou distante da compreensão simples. Talvez por ser o único solto de qualquer conceito? Provavelmente, já que todos os outros discos do Volta cumprem bem seu papel de obras de arte, ficando o disco de 2006 num segundo, mas próximo, plano.

E The Bedlam in Goliath desenvolve bem seu conceito. De acordo com a lenda contada no site da banda, o início de tudo se deu quando, em Jerusalém, Omar comprou uma antiga tábua de ouija para Cedric. O que parecia um simples presente, estranhamente passou a influenciar a rotina do Mars Volta [leia a história completa aqui]. Livrar-se dessa influência deu o pano de fundo perfeito para as viagens de Omar e o lirismo de Cedric.

Começa aí o embate da metáfora contra a metafísica. Até onde a religião, o ocultismo, o desconhecido, podem afetar o físico? Até onde a metáfora pode inserir-se na metafísica? É tudo uma ficção bem costurada ou apenas uma ilustração sobre como gatilhos dentro da nossa mente esperam um mínimo motivo para desencadear toda uma reação a estímulos naturais do dia-a-dia?

O resultado desse debate é um disco não-conciso, aos moldes tradicionais do Volta, mas com uma identidade e um encadeamento que tornam a audição tranqüila e agradabilíssima. São doze músicas [e várias faixas bônus] que variam entre a calma e a tormenta, a rapidez e o minimalismo, a agonia e o prazer. Assim mesmo, indo de 8 a 8.000 em segundos.

Tudo fica meio misturado quando se ouve Mars Volta, mas essa é uma confusão natural e até esperada. Culpa [ou mérito...] da forte e profunda veia progressiva e psicodélica do grupo. O som não é acessível à primeira audição, mas é só desligar um pouco a consciência e deixar a massa sonora de "The Bedlam..." te carregar que então tudo flui.

Até por que, se você não deixar, será carregado do mesmo jeito. Aberinkula rasga o disco já com um agudo e uma guitarra que transita entre a dureza e a liberdade. O baterista Thomas Pridgen [mais novo integrante da trupe e espécie de polvo incansável] e o baixista Juan Alderete fazem a cama para as distorções, solos e experimentações não só nessa faixa, mas como no disco inteiro.

Palmas para Isaiah Ikey Owens [teclados], Marcel Rodriguez-Lopez [percussão/sintetizadores], Adrián Terrazas-González [flauta/sax tenor/clarinete] e Paul Hinojos [guitarra/manipulação sonora], que completam o destemido bando, responsável pela tenda que permite o espetáculo de Cedric-Omar.

A segunda faixa, Metatron, já mergulha nas complexas variações do mesmo tema do Volta, em oito minutos de alternâncias entre lirismo agressivo e melodia convidativa. E é apenas a segunda faixa. E já é um mantra de libertação. E a partir daí a porrada come solta.

Destaque para Wax Simulacra, Goliath [ótimo refrão], Askepios, Ouroboros, Soothsayer e Conjugal Burns, embora o disco inteiro seja de ótimas canções.

Ao fim de infinitas audições, fica a impressão de que essa é uma obra para ser degustada sem limite. O clima oriental das escalas usadas nos arranjos deixa o álbum ainda mais interessante e peculiar ao ouvido. Ouça-o alto, no carro, durante o banho, quando for dormir, enquanto escova os dentes, fazendo sexo, no aniversário de 10 anos do filho da vizinha... A criatividade, The Mars Volta e The Bedlam in Goliath são armas bem mais aconchegantes que a felicidade.

este disco está disponível aqui e aqui!

2008-01-30T11:43:00.000-02:00

Novo The Charlatans de graça na internet

A iniciativa do Radiohead [ou jogada de marketing?] de lançar seu mais recente disco, In Rainbows, de forma independente e liberando por três meses o download do álbum pelo preço que o internauta preferisse rendeu ao menos um descendente.

A veterana banda de britpop The Charlatans [que já teve um disco resenhado neste mesmo Calo na Orelha] lança seu próximo disco, You Cross My Path, primeiro na internet, para só depois distribuir a versão física para as lojas especializadas.

No dia 03 de março, os fãs e interessados poderão efetuar o download completo e gratuito do álbum através do site oficial da banda ou do site da rádio online britânica XFM.

A cópia física do décimo álbum do Charlatans vem acompanhada de um vinil, e será lançada no dia 19 de maio, em 33 países. No dia 25 de fevereiro, entretanto, através dos mesmos sites, estará disponibilizado o single Oh! Vanity.

Ainda no ano passado, 12 dias após o Radiohead ter lançado o In Rainbows, o Charlatans disponibilizou seu novo single, “You Cross My Path”, gratuitamente. Na ocasião, a banda se comprometeu a lançar seu novo álbum, homônimo, da mesma maneira.

No comunicado oficial disponibilizado em seu MySpace, o grupo não dá detalhes se esse será o padrão de lançamento dos seus próximos trabalhos.

You Cross My Path foi gravado nos EUA, Irlanda e nos estúdios da banda, produzido pelo grupo e com o apoio de James Spencer. A mixagem ficou a cargo de Alan Moulder, que já trabalhou com Smashing Pumpkins, The Killers e Arctic Monkeys.

A julgar pelo single, disponível aqui, temos um bom disco a caminho.

Aguarde resenha desse lançamento aqui no Calo na Orelha.

2008-01-28T16:27:00.000-02:00

Dúvidas delicadas, covardia inocente

Da primeira vez que escutei alguma coisa da banda inglesa I Am Kloot, não me interessei de cara. Mentira, não me interessei de jeito algum. Foi mais para matar a curiosidade de saber o que tinha levado um amigo barbado a colocar no e-mail pessoal uma referência direta à banda, esse costume tão pré-adolescente.

Tempos depois, já na era [atrasada, aliás] lastfmeniana, encontrar o I Am Kloot como uma das bandas mais ouvidas em uma semana qualquer por um amigo muito mais suscetível ao pop do que eu [e eu acho isso ótimo, me rende maravilhosas descobertas] levou-me à indagação: “porquê as pessoas escutam o I Am Kloot?”. E não havia aí um preconceito ou acidez disfarçada. Apenas curiosidade mesmo.

Lá fui eu para a mãe de todas as descobertas e entrei em contato imediato, aleatório e profundo com o disco “Gods and Monsters”, considerado por aí o mais fraco da trupe de três. A mim, no entanto, leva fácil o título de ótimo disco, presenteando-me com a enigmática pergunta: ‘se esse é o mais fraco, ter ou não ter medo dos outros discos do grupo?’. Pura retórica, é bom colocar.

A banda é antiga, com o primeiro lançamento em 2001, o Natural History, seguido de um homônimo I Am Kloot [2003] até chegar a este Gods and Monsters [2005]. Depois dele veio um “ao vivo”, o BBC Radio 1 John Peel Sessions [2006], e na seqüência, I Am Koolt Play Moolah Rouge, lançado na surdina em apresentações do grupo e que em 2008 ganha lançamento comercial/convencional.

Formado por John Bramwell (guitarra/vocais), Peter Jobson (baixo) e Andy Hargreaves (bateria), o grupo tem um instrumental responsável e letras que te colocam num humor diferente a cada faixa. Tristeza, desolação, alegria, saudade, sarcasmo, tudo entra no leque de expressões de Bramwell, único compositor do disco. A voz de Bramwell, inclusive, não é expressiva como a de Thom Yorke, ou maleável como a de Matthew Bellamy, mas é pacífica e instigante, é tranqüila e bonita, além de ampliar os exemplos da lenda de que os ingleses nascem afinados. Vai dizer que você nunca tinha pensado nisso?

Os arranjos sutis e impactantes, misturam a amabilidade de um glockenspiel com a covardia de um trompete. Covardia, aliás, é uma palavra recorrente quando se pensa nesse disco. No Direction Home, Gods and Monsters, Over My Shoulder, An Ordinary Girl, The Stars Look Familiar, Strange Without You fazem um “lado A” perfeito e covarde. O “lado B”, coitado, fica delegado ao posto de “um dia passo da sexta música e descubro o que tem por lá”. E valerá a pena, provoco, por que por lá temos as grandes Sand and Glue, Avenue of Hope e Dead Men's Cigarettes.

Ao fim da terceira audição seguida do disco, imagino o leitor parado e pensativo, incomodado com uma dúvida delicada: “porquê eu não ouvi isso antes?”.

este disco está disponível aqui!

2008-01-23T00:42:00.005-02:00

As mulheres que amei em 2007.

Por Jader Pires

Mil novecentos e 2007 foi um ano recheado de mulheres malucas na minha vida. Várias situações atípicas, intrigantes, interessantes e bizarras marcaram os 365 dias que passaram e a música também ficou por conta de uma invasão feminina, com ótimas e péssimas lembranãas.

Tudo começou e terminou com a velha paixão minha pela família Shankar. Renovei votos com a delicada Norah Jones em fevereiro, quando ouvi seu recém-lançado trabalho, Not Too Late. Um álbum que mantém a qualidade das letras e cuidados nos arranjos já conhecidos dos álbuns anteriores (Come Away With Me e Feels Like Home). Os destaques vão para o relançamento do cd meses depois com capa nova e 4 faixas-bônus de vídeos e para as duas músicas que abrem o disco, Wish I Could que é deveras aconchegante e Sinkin' Soon, que nos leva por uma letra apocalíptica e um piano danadinho até o solo de trompete mais safado do ano.

Já a sua meio-irmã Anousha Shankar fez parceria com o produtor inglês-hindustani Karsh Kale e lançou em dezembro o álbum Breathing Under The Water, que faz bem a linha World Music. Viagens orientais, uma cítara afiadíssima, lounge hipnotizante e convidados de primeira grandeza (Norah Jones aparece na faixa Easy, o papai Havi Shankar humilha com sua cítara nas faixas Oceanic Part 1 e Oceanic Part 2 e Sting marca presença em Sea Dreamer). Definitivamente um álbum para se ter por perto nos melhores momentos de carinhos e afagos.

Quem colecionou corações (incluindo o meu) em 2007 foi a inglesa mirradinha Amy Winehouse. A menina do cabelo-de-bolo cantou, encantou e encurtou vidas com seu som que parece ter saído diretamente de algum estúdio da Motown. Com uma voz poderosa, metais precisos mesclados com batidas atuais e letras pra lá de confessionais, fez Rehab conquistar o mundo e abrir espaço para outros momentos brilhantes como as canções You Know I'm No Good, Me And Mr. Jones e Just Friends. Com tanto talento e tantos feitos, o álbum Back To Black se tornou obrigatório e não conseguiu ser ofuscado nem pelas milhares de milhões de polêmicas em que Amy esteve metida, de drogas à brigas e choramingos sem fim por conta da prisão do seu marido (até o fechamento desta matéria, Blake ainda estava preso, ainda era marido de Amy Winehouse e ambos estavam vivos). É, o amor tem dessas...

Já em terras tupiniquins, tivemos um ano com várias cantoras despontando, entre novas e velhas faces. A principal delas é a cantora Céu. Tudo bem que o álbum homônimo foi lançado em 2005, mas foi em 2007 que a paulistana dos cabelos encaracolados deu as caras com afinco no Brasil e lá fora (sucesso a conta-gotas) e se mostrou talentosa com um álbum que preza pela dualidade, aproximando o velho e o novo em canções consistentes. A pequena fez com que meus olhos, ouvidos e atenção se voltassem pra ela o ano todo, de uma forma ou de outra. Sem dúvida nasceu ali um amor platônico.

Após a grande frustração que pairou sobre as cabeças dos fãs de Los Hermanos após o tal recesso por tempo indeterminado, seus órfãos tiveram um lampejo de felicidade quando o cd Carnaval Só Ano Que Vem da trupe que forma a Orquestra Imperial chegou. Rodrigo Amarante é um dos integrantes do projeto que mais deu certo em 2007 no quesito "amigos que se reúnem despretensiosamente para fazer boa música". Mas as meninas que tomaram de assalto o meu coração foram as vocalistas Thalma de Freitas e Nina Becker. Gafieira e sensualidade que só vendo (e ouvindo).

Enfim, da voz encantadora da canadense Feist, que repetiu a dose de canções deliciosas no cd Reminder até as brincadeiras e estilos diversos de Regina Spektor com seu Begin To Hope. Da surpresa na reta final que Ana Cañas me proporcionou com seu álbum intitulado Amor E Caos, gravado de maneira bem despretensiosa e dando esperanças de um show bem interessante. Do tesão de ter por perto a pequenina Bjork e seu jogo de luz e panos e naipe de metais e instrumentos bizarros e show estrondoso ou da lânguida Juliette Lewis querendo ser Iggy Pop e me fazendo perder o juízo momentaneamente, entre pulos e sorrisos na última (e bem mal organizada) edição do TIM festival. Da tristeza de dar um tempo com a Maria Rita que cantou sem malandragem os sambas de Arlindo Cruz no seu ultimo álbum Samba Meu, e da paquera inicial com Fernanda Takai que mandou muito bem, tanto no delicioso Daqui Pro Futuro do Pato Fu, quanto em seu primeiro álbum solo Onde Brilhem Os Olhos Teus, com releituras de canções que Nara Leão consagrou em sua voz e interpretação. De todos esses amores, paixões, paqueras secretas, xavecos insólitos, desejos ardentes e raivas contidas, tiro a conclusão de que 2007 foi um ótimo ano pra novidades femininas.

E que 2008 venha cheio de calcinhas penduradas no box do chuveiro, álbuns inspirados, esmaltes espalhados pela casa, canções atraentes, perfumes no travesseiro, performances enigmáticas e marcas de batom nas golas de minhas camisas.

2008-01-18T13:57:00.000-02:00

You know that she is so good

"I told you I was trouble" é o primeiro DVD de Amy Winehouse. Traz um show, gravado no Shepherd's Bush Empire, em Londres, em abril de 2007, e um documentário.

Fascinada pela voz dessa moça, suas letras e seu visual retrô-modernete, me tornei fã logo que a conheci. Por sorte, ganhei o DVD de Natal - e me livrei da coisa de nunca poder ver um show dela (dependente química e sempre envolvida em escândalos, Amy consta daquelas listas de apostas das próximas celebridades que vão morrer). Particularmente, acho que ela ainda vai viver um bom tempo, vide tio Keith. Mas, vamos ao show.

A decoração do lugar é lindíssima e a iluminação também é boa. Ela chega meio desengonçada e manda a bem-humorada "Addicted". Simpática, anuncia cada música - e fala um monte de coisas difíceis de decifrar, mesmo depois de assistir várias vezes. Seguem-se sucessos como "Just friends", "Back to black", "Tears dry on their own", "Fuck me pumps", com arranjos mais jazzy e mais elaborados, graças a uma banda talentosa.

Amy está em sua melhor fase (até agora): o marido, o barraqueiro Blake Fielder-Civil, está na platéia, bem como o pai dela e a madrasta. A moça canta feliz - e canta bem - sorri, faz brincadeiras, beberica de uns copões de vez em quando e joga olhares para o amado. Reclama de sua voz e ainda afirma que se o público não gostar do show, ela não devolverá os ingressos.

Além de seus hits "Love is a losing game", "Rehab", "You know I'm no good" e "Me & Mr Jones", o repertório traz covers dos Specials e até de Lauryn Hill. Amy faz umas dancinhas contidas, mas quem surpreende são seus dois backing vocals, Ade e Zalon, que fazem coreografias divertidas o tempo todo.

O objetivo deste texto não é destrinchar o show, e sim despertar a curiosidade do leitor em vê-lo (nem vou falar do documentário para não estragar). Vale a pena, tanto que o procurei pra dar de presente e estava esgotado na FNAC...

Esta Amy, diferente da magrelinha junkie (agora loira) e encrenqueira dos tablóides, encanta com sua voz poderosa - mesmo quando ela diz estar going shitty. Acredito que ela já entrou para a lista das divas eternas do jazz. E melhor, é pop também e conquistou fãs de diversas idades. Espero que sua vida tumultuada e o vício em heroína não estraguem o que ela tem de melhor. Eu amo esse DVD e amo Mrs. Winehouse too.

“Amy, eu sei que você é trouble. Mas, please, don’t die. Torço pelo seu rehab.”

Texto por Márcia Campos

2008-01-11T17:27:00.001-02:00

"Cana, é disso que eu gosto"

A banda é de Detroit, que já foi chamada de Capital Mundial do Automóvel.

O que raios isso tem a ver com o rock do The Von Bondies? Sei lá, eu acho que porra nenhuma...

Mas.......... nada melhor do que escutar um disco de rock como o Pawn Shoppe Heart, lançado em 2004, depois de um bom Lack of Communication (2001) e um Raw and Rare (2003). Esse Pawn Shoppe Heart, pense num disquinho bom... pense num negocinho bom... de primeira...

Formado [em 2004, hoje já possui uma formação bem diferente] por Jason Stollsteimer (guitarra, vocal, saco de pancada do Jack White Stripes), Carrie Smith (baixo), Don Blum (bateria) e Marcie Bolen (guitarra) essa é a chance que muita gente estava esperando para conferir boas músicas com menos de três minutos que façam pensar em fazer músicas de três minutos que façam pensar as coisas de um modo diferente.

Vem desse álbum a ótima C’mon C’mon, usada na trilha sonora daquele filme pornô chique e blasé, o estupendo Nine Songs, que mesmo curtinho e mostrando mais sexo do que muito filme de sacanagem que tem por aí [e nada contra o sexo e a sacanagem]..., é uma ótima pedida.

Mas antes de chegar na já citada canção, precisamos falar das outras duas muito boas que vêm logo antes, e para fazer jus a tudo, falar melhor ainda das outras nove que seguem a referida. É um álbum que enche os ouvidos de música boa. Esse é seu grande mérito...

Temos ótimas canções como No Regrets, Broken Man, C’mon C’mon [a melhor seqüência de abertura de álbum que eu vi em muito tempo], continua com Been Swank, pulando para a cara de pau Not That Social, que tem o refrão mais canalha dos últimos tempos, jogando na cara de um carinha que ele nem é tão sociável assim. É só o pretenso poder da cana... Toma, pé inchado! Segue com Crawl Through The Darkness, The Fever e a homônima Pawn Shoppe Heart.

O disco abre com No Regrets, que tem uma levada cadenciada, daquelas que se fosse um pouquinho mais rápida, dava pra bater cabeça. Ela tem guitarras espertas, coros como refrão espertos, baixo e bateria retos, sem muita firula.

Assim, vem Broken Man, que segue basicamente um esquema parecido. Riffs poderosos, bateria simples mas eficiente, vocais bem encaixados, alguma coisa de virtuose na guitarra solo, mas nada que fuja do conceito alternativo.

E os moços sabem aproveitar isso.

C’mon C’mon é um charme... refrão pegajoso, versos bem construídos, interlúdio bem arranjado, bateria aparecendo na medida certa. Bem charmosa.

No resto do álbum impera a criatividade. Como alguém definiu por aí, o Von Bondies é um grupo de garage punk rock, e se alguém souber o que é isso, me avise. Fugindo da catalogação desnecessária, a maneira como o Von Bondies se mostra, a energia e o "somos alternativos, mas nem precisa dizer, acho que você percebe, hã?" abre espaço para muita coisa. E aí sai um disco foda como esse.

O Von Bondies passou um período de entre-safra de 2004 até agora 2008, quando lançou o EP chamado We Are Kamikazes. O album Love, Hate and Then There's You deve sair até maio. Mal posso esperar.

este disco está disponível aqui!

Eu te odeio. Tu me odeias. Nós nos odiamos.

2007-12-15T16:20:00.000-03:00

[Atari Teenage Riot]

Não se sente mesmo cheiro de anos atrás. Aquele cheiro de pólvora mistura ao barulho estridente de guitarras deformadas e gritos de ódio. Aquele ar de indignação mesmo, o puro sentimento de destruição política e moral que imperava algumas bandas de protesto [anarquistas ou não, irônicas ou não].

De 1980 pra cá, trataram de f**** o idealismo e os movimentos de esquerda pesados [ok, uma boa parcela eram uns alienados esquerdistas analfabetos que mal sabiam ler filosofia – que nem sabiam que curulhas era “intelectual orgânico”. Enfim, eles mesmos se destruíram ou se deformaram]. O que restou com o fim de tudo isso [e outras coisas] na cena musical, foi uma hedionda cena regada pela própria auto-destruição química e financeira da alegria, e uma overdose irritante de solidariedade pop [que até hoje se discute se essas ações realmente trazem resultados a longo prazo, ou só são via de promoção para celebridades].

Nessa salada do bom consumista dos anos 1990, a música de protesto ainda suspirava um pouco através de bandas como Rage Against the Machine, Asian Dub Foundation e outras menores. Entretanto, os gêneros musicais mais politizados iam pro buraco do mainstream comportado [limpinho, esteticamente saudável]. O punk já caminhava pra virar som de pirulito, o hardcore foi pro mesmo sentido, e o hip-hop... é, vocês sabem, e só basta olhar bem aqui do lado pra ver um tal de D2 tocando junto com coisas como NX Zero, pra depois declarar que a experiência foi algo “legal” [Tudo bem que ninguém deve se prender a condutas ideológicas, mas isso é ridículo!!!].

São estragos idiotas como esses acima que me fazem ter gosto de ouvir Atari Teenage Riot - ATR, criado da discórdia moral e política para gerar a desordem. Formado em 1992 por três jovens: Alec Empire, o líder [que fundou sua própria gravadora, a Digital Hardcore, depois de passar a perna num contrato com a Phonogram Records, e nunca devolver o dinheiro], Hanin Elias, que berra como uma louca, e MC Carl Crack, maestro do caos. Todos filhos de uma Alemanha violentada após a II Guerra e durante a Guerra Fria. Depois veio a nipo-americana Nic Endo que se juntou ao grupo apenas em 1997, estampando no rosto o ideograma japonês para “resistência”, além de contribuir mais ainda para a barulheira toda - fazia e montava samples ruidosos e dava uma ajudinha nos gritos.

Da esquerda para direita: Nic Endo, Hanin Elias, Alec Empire, MC Carl Crack

A banda nasceu mais como um grito [literalmente] de indignação com o ambiente esquizofrênico que Berlim experimentava após a queda do Muro. Berço de toda uma forte linha esquerdista da Alemanha, a cidade se via, depois da “liberdade”, infectada pela proliferação de raves festivas que iam de choque com o sentimento pessimista de toda uma geração que ainda se adaptava dolorosamente ao novo ambiente, além do avanço assustador do movimento neo-nazista, que pegava carona nessa mesma geração perdida e que agia violentamente sem uma intervenção dura das autoridades.

ATR foi umas das primeiras bandas a mixar de forma explícita metal, punk, hip-hop e drumb’n’bass experimental, dando luz a um som caótico [o digital hardcore], gritado com todo sentimento de destruição, chamando os ouvintes para uma mobilização, para um despertar pessoal e social num mundo de sonhos comprados e vazios – nada de falatório político meia boca, ou paz e amor. Um som ensurdecedor e extremamente agressivo para ouvidos delicados.

Ouça no topo pérolas como “Hetzjagd Auf Nazis!” [algo como 'cace os nazistas e os mate'], “Into The Death”, “Deutschland (Has Gotta Die!)”, “Sick to death”, “Death Of A President D.I.Y.!”, e saia com os ouvidos zunindo por um bom tempo.

Não era incomum eles torrarem com o equipamento de som em apresentações ao vivo, ou promoverem a desordem durantes elas. Dentre as confusões mais famosas, cito o espancamento promovido pela Hanin Elias [uma moça delicada!], com seu singelo microfone em cima de um segurança durante turnê no Brasil, em 1997; e o acontecido em plena nas ruas de Berlim, em 1999, com tudo devidamente registrado e sintetizado no vídeo abaixo – o gás lacrimogêneo tomando o lugar e mesmo assim eles não param de tocar.

No final, a própria banda encontrou sua auto-destruição. Em 2000, ATR encerra as atividades após uma tulmutuada turnê que certamente comprometeu o convívio entre os integrantes. Assim, Alec Empire e Nic Endo prosseguem trabalhando juntos na Digital Hardcore Recordings, Hanin Elias funda sua própria gravadora, a Fatal Recordings [que está nas ultimas], voltada exclusivamente para bandas femininas, e Carl Crack morre de overdose em 2001.

Como herança, a banda deixou uma limitada discografia com músicas de estúdio: Delete Yourself! (1995), The Future of War (1997) – o melhor álbum, banido das lojas alemãs em 2002 [época de caça aos terroristas, sabe como é!] – e 60 Second Wipeout (1999). O resto na lista de seus trabalhos se estende para uma dúzia de gravações ao vivo, EPs, B-sides e coletâneas com músicas remixadas.

Não é nada que mostre alguma evolução musical da banda, ou que deixe uma forte influência para cena eletrônica [como o Daft Punk fez]. E eles podem realmente soar repetitivos em seus trabalhos – samples vão e voltam, refrões são resgatados de faixa em faixa, mas tudo isto trabalha como uma forma de fixação da mensagem da banda, entretanto, às vezes pode encher o saco de alguns.

Mesmo assim, quase oito anos depois do fim de ATR, o som deles me faz falta. Diante de tantas mudanças políticas e sociais nesse período, a temática de suas músicas é mais que atual, o que demonstra que nada mudou sinceramente. A sensação que fica é aquela pura hipocrisia e desespero humano mostrado em filmes como “Réquiem para um Sonho” e “Tropa de Elite”. Não que eu seja alguém engajado pelas mudanças [sou tão “verme” como milhares], mas ao menos sou capaz de reconhecer que um pouco de ódio e revolta são capazes de acordar uma alma apática, e podem salvar alguém duma vida vegetativa de mentiras.

2007-12-11T22:12:00.003-03:00

Costas quentes; Dentes acesos; Olhos de espelho; Cabeça de leão.

Por Jader Pires

A Nação Zumbi é mesmo uma fera mitológica e constantemente mutável. Criatura que se desenvolveu no mangue recifense e ganhou força e notoriedade com os álbuns Da Lama Ao Caos (1995) e Afrocibederlia (1996), quando ainda contavam com Chico Science nos vocais. Os álbuns posteriores correram por diversos estilos e propostas, do eletrônico ao psicodélico, aumentando a fama de devoradores de respeito e propagadores de boa música.

Sempre lembrados por despontar junto com o movimento Manguebeat, a banda não tem intenção nem de apagar essa memória e nem de viver dela. O maracatu ainda pesa uma tonelada e, dessa vez, o bicho vem com Fome De Tudo.

O sétimo álbum do grupo pernambucano foi lançaado no último mêss de novembro pela Deckdisc, marca a despedida da Trama e continuação do caminho que sempre trilharam: o da inovação e do desapego com o passado consagrado.

Mas o desapego não é por completo, pois uma das propostas cumpridas pela Deckdisc foi a de contratar o produtor Mario Caldato Jr. (que trabalhou, dentre outros projetos, com Beastie Boys, Beck, Marisa Monte e Vanessa da Mata), que chegou a se envolver com a banda na mixagem de Afrocibederlia, mas não chegou a contribuir criativamente com o trabalho.

O Fome De Tudo é o álbum mais cru da banda, que tranqüiliza um pouco as alfaias e abusam da diversidade, mesclando peso, swing latino, maracatu, Jamaica, samba e mais uma infinidade de sonoridades, adicionadas das letras poéticas e reflexivas mais da voz grave e agradavelmente pouco melodiosa de Jorge Du Peixe (o vocal assina todas as composições, sendo 3 com parcerias).

Lúcio Maia lançou um álbum solo no meio do ano chamado Maquinado, e trouxe muita coisa boa desse álbum pro Fome De Tudo. Sua guitarra é hipnotizante, potente e de uma competência pra lá de elogiada. Lucio mostra a cada trabalho ser competente e talentoso.

Bossa Nostra abre o álbum e foi a escolha perfeita para um primeiro single do trabalho. Percussão dinâmica que acompanha o ótimo riff que conduz ao refrão forte "E-levei minha alma pra passear". Infeste talvez é a música mais interessante do álbum, disputando com Inferno, que conta com a participação da cantora Céu. A tal participação é bem sutil e leva sensualidade pra essa canção intrigante tanto nos arranjos como na letra.

Nascedouro é dançante e tem metais muito bons, assim como a música Assustado, que também contribui com o chacoalhar gostoso das ancas (essa música conta com a participação do tecladista Money Mark, que gravou em vários discos dos Beastie Boys).

A música homônima do álbum é a mais pesada e tem uma letra direta e atual. Fecham a coisa toda a trilogia A Culpa, Originais do Sonho e No Olimpo. Esta última canção lembra, claro que no contexto e não na criação, a música A Day In The Life, derradeira no Sgt. Peppers, criação maior dos Beatles. A música segue rumo e chega num emaranhado de sons e melodias que fazem prender a respiração até sossegar e recomeçar o rumo que vai novamente para o aglomerado de sons, de instrumentos até culminar no ápice da obra e da canção. Encerra-se aqui mais uma brilhante criação vinda de Recife.

Todo projeto da Nação Zumbi é sempre muito esperado, comentado e o mais interessante é que a banda consegue seguir com uma tranqüila carreira criativa e comercial na medida do possível, longe do foco das celebridades e da vida de rock stars. Com isso, se consolidam como músicos de peso, renome e respeito.

O mito cresce a cada dia e a fera fica mais e mais faminta...de tudo.

2007-11-27T22:47:00.003-03:00

It's a big...a big hard sun!

Por Jader Pires

Eddie Vedder saiu de Evanston, no Illinois rumo a San Diego, California. Recebeu uma fita com três gravações instrumentais de um amigo (Jack Irons, baterista da formação original do Red Hot Chilli Peppers). Reza a lenda que Vedder ouviu-as, foi fazer uma session de surfe e, quando retornou, tinha as letras das três músicas prontas na cabeça. Foi para Seattle e conheceu seus criadores.

Bom, se você conhece essa história, conhece o resto de cor. O Pearl Jam se tornou uma das maiores e mais importantes bandas do planeta.

Euforia, revolta, posicionamento político, abstração, introspecção, conformismo, redenção. Algumas facetas da banda estado unidense que segue sua carreira de nove discos de estúdio lançados. Mas algo que permeia a trajetória do grupo é a importância que sempre foi dada aos fãs.

Um dos mimos oferecidos vem do fato de que Eddie Vedder sempre aparece no palco horas antes dos shows da banda para fazer uma pequena apresentação solo de algumas músicas que ele gosta, seja sons lado B do Pearl Jam, covers ou músicas que ele compõe por diversão ou para projetos paralelos. Dentre esses projetos interessantes, temos a contribuição das famosas Last Kiss e Soldier Of Love para o álbum beneficente Sem Fronteiras (1999), para ajudar sobreviventes da guerra de Kosovo (Vale lembrar que ambas as músicas não são do Pearl Jam, mas sim covers). Outro “presente” de Vedder é a de contribuir com trilhas de filmes, como em 2001, quando participou da trilha do filme I am Sam (Uma Lição de Amor) com a música You've Got to Hide Your Love Away e podem até colocar esse blog para queimar chamando-me de herege, mas ficou ainda mais bonita que a versão original dos Beatles. Em 2003 tivemos o privilégio de ouvir a belíssima Man Of The Hour, feita para o até então mais recente filme do diretor Tim Burton, o Big Fish (Peixe Grande e Suas Histórias Maravilhosas).

Tá bão, tá bão! – Vamos ao que interessa.

Sean Penn é talentoso, versátil e se aventurou novamente atrás das câmeras dirigindo o filme Into The Wild, que conta a história de um rapaz que decide cair na estrada para chegar até o Alaska e viver com a natureza. Eddie Vedder compôs, gravou, tocou, cantou e assinou a trilha sonora toda.

Music For The Motion Picture: Into The Wild é simples, cru, sensível e eficiente (muito cuidado com esse último adjetivo, pois ainda não vi o filme para afirmar a eficiência da trilha, mas que, como álbum, funciona muito bem). São 11 músicas bem ao estilo folk tranqüilo, estilo esse que Vedder vem traçando e adentrando mais e mais em suas exibições solo (tá vendo como a lenga-lenga do começo tinha uma razão de ser!?). Quem conhece o trabalho do Eddie Vedder não encontrará surpresa nesse álbum, e isso obviamente não quer dizer que seja previsível e/ou tedioso. Melodias sinceras, a voz singular e cheia de interpretação de um Vedder muito mais calmo que da época da explosão do grunge, mas excepcionalmente capaz de produzir algo agradável e com letras que se encaixam perfeitamente na música, de uma maneira muito interessante (uma capacidade muito foda que Eddie Vedder tem).

Como se trata de uma trilha sonora, o conselho é ouvir todo o álbum na seqüência, pra tentar entender o contexto e a ordem proposital colocada na obra. A violada começa com a Setting Forth, bem ao estilo “baladinhas alegres” de Vedder. O violão nesse caso funciona muito bem em todas as músicas, na pegada acústica dando aquela impressão de que ele está cantando na varanda de alguma cabana no deserto ou nas montanhas, com um cigarro na boca e um chapéu na cabeça. Os instrumentos de cordas se entrelaçam de modo a formar um todo muito consistente e que soa bem demais aos ouvidos.

Rise é uma canção muito simples e aconchegante, provando de uma vez por todas que o less is more. Tuolumne é um instrumental curto, porém certeiro, na medida, ali bem no meio do álbum. Hard Sun tem a canção Society na seqüência e ambas têm refrões muito potentes e são dotadas de uma sinceridade única que chega a emocionar dependendo do volume em que ouve e/ou se canta. Em The Wolf temos o Vedder em seus rituais, em uma espécie de busca de respostas com os espíritos nativos (assim como na canção Arc do penúltimo álbum do Pearl Jam, Riot Act, de 2002). End Of The Road é o prenúncio do fim, com um instrumental bem feito e que culmina na linda Guaranteed que dá adeus ao ouvinte, mas não sem olhar pra trás para o last goodbye. Com 2:43 minutos, o fade out acontece e o final parece iminente quando, aos 4:43 minutos, a canção retorna com um Vedder fazendo a melodia da letra, mas sem cantá-la. A despedida é simples e bela, daquelas que se lembra de tempos em tempos.

Não há mais o que se falar. Uma obra para se conhecer de ponta a ponta e para imaginar-se tocando-a ou escutando-a nas paisagens do filme. Abaixo, deixo o trailer para ajudá-los.

2007-11-22T22:36:00.004-03:00

Back to the future (ou Pai Mei tupiniquim).

Por Jader Pires

Todos conhecem (ou deveriam conhecer) a carreira do diretor de cinema Quentin Tarantino. Rato de locadora, roteirista do filme Assassinos Por Natureza e criador maior dos já clássicos Cães de Aluguel, Pulp Fiction e Kill Bill (Vol. I e II).

Reza a lenda que todas as obras do Tarantino tem conexões bizarras umas com as outras, ligando personagens e fatos numa grande trama que atravessa suas películas (entenda melhor o fato conferindo o vídeo Tarantino’s Mind, estrelado pelos ótimos Selton Mello e Seu Jorge). O que se sabe realmente é que Tarantino nada mais faz do que usar sua enorme bagagem de quem trabalhou em uma locadora quando jovem e devorou a seção de filmes B para criar obras recheadas de homenagens a essas peças raras. Seus trabalhos são compilados de cenas que ele sempre adorou.

No Brasil nós temos o Kassin. Nerd por natureza, muito mais introspectivo que Tarantino, mas igualmente brilhante. Produtor de nada mais, nada menos que Vanessa da Matta, Los Hermanos e Orquestra Imperial, Kassin também resolveu encarar outro projeto ambicioso: o +2.

Ao lado de Moreno Veloso (filho do Caetano) e de Domenico Lancelotti (que também toca na Orquestra Imperial, entre outros projetos), o projeto +2 consiste em formar um trio para gravar músicas. Mais ou menos assim:

Em 2001, lançaram o álbum Máquina de Escrever Música, com o nome de Moreno +2, em que o líder do projeto era justamente Moreno. Já em 2003, foi a vez de Domenico encabeçar a coisa com o Domenico +2, lançando o álbum Sincerely Hot.

Como é de se esperar, em 2006 Kassin fica à frente do projeto e lança o álbum Futurismo usando seu selo (Ping Pong Discos). Tava formado o Kassin +2.

O álbum que consegui para escutar foi uma versão nipônica com 20 faixas (a versão nacional possui apenas 14). Os arranjos têm um cuidado especial e faz com que cada vez que se ouve, descubra novos instrumentos, novos detalhes em cada música. Os estilos também são bem variados passando pelo samba, rock, levadas latinas, e com lembranças de várias bandas como na música de abertura, O Seu Lugar, que tem uma pegada bem de Orquestra Imperial, soando como trilha de gafieira, assim como a canção Tranqüilo, que embalaria tranqüilamente um salão de baile. Conseguimos perceber um estilo bem Paralamas do Sucesso na faixa Água, uma bateria bem Planet Hemp em Ponto Final, Los Hermanos incrustados na belíssima Pra Lembrar e em Antes da Chuva que termina com aquele barulhinho gostoso das gotas entrando em contato com alguma superfície qualquer.

Momentos difíceis de digerir também ocorrem nas faixas Astronauta e Sal do Pedro Sá, onde o peso de uma e a forma desafinada da outra soam como provocação ou pura ironia, assim como Tarantino também gosta de fazer em seus filmes. Até Queens Of The Stone Age aparece como influência (direta ou não) no álbum, com três faixas que funcionam como vinhetas de uma rádio japonesa (No álbum Songs For The Deaf de 2002, que contou com a participação de Dave Grohl nas baquetas, a banda também inseriu vinhetas de rádios no final e começo de algumas músicas).

O fato é que, ouvindo o álbum, percebe-se claramente os bons ares de tudo que Kassin conhece e participa. Um álbum gravado com instrumentos, músicos e ritmos diversos, arranjos brincando entre o clássico, o nostálgico e como não haveria de faltar, o futurismo. Assim mesmo, tudo junto e misturado, adicionando letras com propósitos difusos e inquietos. Enquanto Tarantino utiliza tudo que admira, Kassin se apropria de coisas que ele mesmo ajudou a criar. Kassin usa o Futurismo para homenagear a si mesmo, ou melhor, sua música. Na verdade ele não faz homenagens, mas apenas usa a despretensão para criar uma obra gostosa e sincera. É Kassin até o osso e armação de óculos!

2007-11-20T16:53:00.000-03:00

Alala alala - gimme three wishes
(CSS no Planeta Terra – 10/11)

Sim, a Lily Allen é uma fofa. Mas perguntei as horas ao casal do lado: 10h35. Então, fui para o Indie Stage (e nem era tão perto) para ver o esperado retorno do CSS aos palcos brasileiros. O tal Indie Stage era um galpão. O show já tinha começado. Música nova (não reconheci).

O microfone da Lovefoxx estava um pouco baixo. E ela, vestida com um body (sabe o que é? Tipo um macacão, uma peça única) todo colorido e brilhante. O local estava cheio e não consegui chegar muito perto do palco. Melhor, eu gosto de espaço, e eu precisava de espaço.

Ao vivo, as músicas ficam mais rock e mais rápidas também. Além dos tradicionais hits (e olha que a banda tem apenas um disco) “Meeting Paris Hilton”, “Alcohol”, “Music is my hot hot sex”, um cover de “Pretend we´re dead”, do L7 – menos pesada que a original, mas mesmo assim, muito bacana.

A última apresentação do CSS em um festival no Brasil foi no Tim de 2004. E foi como um trauma, a banda foi supercriticada e gongada. Mesmo assim, continuou tocando no circuito independente de São Paulo (Entenda-se por circuito independente – indie – lugares como Outs, Funhouse, CB, entre outros). Talvez a escalação da banda para esse Tim tenha sido prematura. Alguns sons já bombavam na internet (leia-se Trama Virtual), mas segundo as críticas da época, as meninas ainda tocavam mal.

Pois é, um dos grandes responsáveis pelo sucesso do CSS foi Adriano Cintra, o único homem da banda. Mais velho e com mais bagagem roqueira (afinal tocou no cultuado Thee Butcher´s Orchestra), é o que tem melhor desempenho no palco. Claro que a Lovefoxx aparece mais, é a vocalista, faz gracinhas, se joga e tal. Mas musicalmente, é ele quem manda.

A banda ficou famosa pela internet, pelo “apadrinhamento” de jornalistas como Lúcio Ribeiro e Érika Palomino, que hyparam o Canseide até dizer chega. Aí somam-se a performance de palco, mais a identificação do público jovem e modernete com as músicas e letras. CSS é diversão pura, apenas isso. As letras, bem-humoradas, falam de álcool, sexo, Paris Hilton e contêm gírias típicas dos moderninhos paulistanos. Para fechar a receita, o electro-rock dançante. E pronto: temos a banda brasileira que ganhou maior projeção internacional em menos tempo.

Após o lançamento do disco, no final de 2005, a trajetória da banda rumo aos palcos internacionais foi meteórica. Contrato com a Subpop, turnê pela Europa, EUA e participação nos principais festivais de música do mundo (sim, Reading, Coachella, Lollapalloza). Lovefoxx acaba de ser eleita a 3a pessoa mais cool do mundo. Ah, e tem o casamento! O sucesso da banda no exterior pegou carona na coisa new rave (que tem como expoente a banda inglesa Klaxons): rock eletrônico para dançar e visual colorido. E não é que a Love vai se casar com Simon, do Klaxons?! Pois é. Ainda tem essa.

Voltando ao Planeta Terra: antes desse eu só tinha visto um show, em março de 2006 – no Centro Cultural Vergueiro. E adorei. De lá para cá, as coisas não mudaram muito. No meio do show, Adriano saiu da bateria e passou as baquetas para Carol, assim como faziam antes. As meninas tocam melhor sim (tanta turnê dá experiência, né?) e a platéia continua enlouquecida. Love continua uma graça, agitando muito, se jogando e trocando de roupa. Com o símbolo da paz rabiscado na cara, aproveitou as bexigas da decoração para inalar gás hélio e cantar “I wanna be your Jlo” com uma voz engraçada.

Como perdi o começo, achei que acabou muito rápido. Mas saí com a mesma sensação do show de 2006: diversão. CSS é pra dançar, se divertir, como se o mundo fosse acabar amanhã. E isso tem muito a ver com o hedonismo praticado pela juventude; talvez essa seja a explicação do sucesso no exterior. Musicalmente, não é tudo isso. O conceito do have fun é que predomina. E quem se importa?

Texto por Márcia Campos

2007-11-14T13:36:00.001-03:00

Simulacro e a conquista do mundo

Deve ser alguma coisa que colocam na água. O cheiro de lá. O mar cheio de tubarões. A cidade perigosa... As minhas teorias são várias para o que acontece em Pernambuco [e deve acontecer em outros lugares também, estejamos atentos]. Cordel do Fogo Encantado, Nação Zumbi, Mundo Livre S/A, Mombojó, Mula Manca e a Fabulosa Figura, China... tantos e tão variados nomes e estilos que não se sabe mesmo o que acontece. Apenas explode. E o novo disco de China, lançado no último dia 08 no Studio SP aqui em Sampa, mostra muito bem isso. A coisa toda explode, e é bom ficar na frente que é garantia de coisa toda boa.

Simulacro é o nome desse disco de China, sucessor de Um Só, de 2003, e que, uau, é uma delícia. Delícia do início ao fim.

Rock, bossa, jovem guarda, eletrônico, o disco de China é meio que tudo, dosando e mostrando misturas e concepções de músicas diversas. China e suas crias não transgridem limites [o disco não é absurdamente inovador ou revolucionário], mas mostram uma competência fora do comum em serem ótimos, como Canção que não Morre no Ar mostra bem, em som e imagem.

E isso no que diz respeito às melodias e harmonias. Quando prestamos atenção às letras, aí, meu amigo, o bicho pega. E pega pesado. Com boas frases, nervosas e calmas, doces e amargas, firmes e viajantes, China leva seu repertório de idéias para passear num campo que parece ser só seu. Existe um domínio na forma e na escrita que encanta. A proximidade com os rapazes do Mombojó [de quem China é amigo de longa data] faz com que se note uma semelhança incrível entre o lirismo dos dois. "A gente anda junto, compõe junto, toca junto... É natural que tenha algo deles no meu disco e algo meu no disco deles. Além do mais, o nome do disco é Simulacro, então, qualquer comparação com outro som é massa, mostra que atingi o que queria", defende o artista.

Essa defesa se estende não só à proposta do disco, mas ao disco como um todo, que China abraça como o seu trabalho mais livre. "Acredito que esse é o meu melhor trampo, pelo menos é o mais livre... Mais cheio de amigos participando".

Um Dia Lindo de Morrer, Jardim de Inverno, Câncer, Durmo Acordo são clássicos imediatos de 2007. Belas letras, com imagens e construções visuais, dosada euforia e ritmo bom de dormir ou dançar. Simulacro é um puta disco.

Canção que não Morre no Ar

BOM PAPO

Entrevistei China pelo msn tem um tempo. Confira as melhores partes desse papo.

Calo na Orelha
Você se enxerga nas suas letras, ou é um processo de composição livre de experiências suas?
China
São experiências minhas, de outras pessoas, de coisas que eu vejo, da novela, de tudo. Mas uma coisa mudou no processo de composição: na época do sheik eu escrevia em terceira pessoa, agora eu escrevo em primeira, mais confessional.
Calo na Orelha
E essa mudança foi natural, ou um esforço seu como artista?
China
Natural... Man, trabalho por prazer. Saí do Sheik [Sheik Tosado foi a banda que China manteve de 1997 a 2001 e que o catapultou para o mercado musical] porque não existia mais prazer... não forço um som, uma pessoa...sou isso.
Calo na Orelha
Não digo que seja um processo forçado, mas sim uma intenção sua, um exercício, um desejo que precisou ser lapidado...
China
Não, não... acho que fiquei um cara mais verdadeiro... [risos]
Calo na Orelha
Como você receberia uma crítica negativa ao teu disco?
China
Cara... Já passei por tanta coisa na vida, tantos altos e baixos na carreira, que, na boa, se nego num gostar, beleza. Não dá pra agradar todo mundo. Me agradando, agradando meus amigos e minha família, já tá bom... Criticar é fácil, difícil é fazer!!!
Calo na Orelha
China, o que você mais curtiu em fazer nesse disco? Não vale dizer que tudo, deve ter tido alguma coisa que você curtiu mais... [risos]
China
Na boa, ia dizer tudo... [risos] Curti gravar ele em casa, na casa dos amigos, gravar de qualquer jeito. Ser o técnico de gravação, gravar guitarra, teclado. Porra, a liberdade é uma coisa muito boa. Gostei de saber que em Recife dá pra fazer um disco com qualidade sonora, sem precisar ter que gravar em SP ou RJ, entende? Nunca tinha gravado um disco em Recife.
Calo na Orelha
China, do que você sente vergonha?
China
Porra, boa pergunta... Vou sentir muita vergonha se não conseguir dar um futuro bacana pros meus moleques.
Calo na Orelha
Você acha que tem alguma coisa na água de Recife mesmo ou a mídia dá uma puxadinha na brasa?
China
A mídia? A mídia só olhou pra gente depois que a cena mangue aconteceu, foram obrigados a falar de nós. Agora é diferente, Recife marcou com força a musica brasileira... Então eles têm que noticiar.
Calo na Orelha
China, e me diz, o que você quer alcançar com esse disco...?
China
O mundo!!! [risos]

2007-11-07T18:44:00.000-03:00

A volta dos que ainda não foram

Finalmente sai da toca uma das primeiras crias da onda revival rock no início da década de 2000 [lembra? Vines, White Stripes, Strokes e cia]. The Hives enfim lançou no último outubro o álbum "The Black and White Album", depois de uns três anos escondidos e um trabalho meio ofuscado pelos sucessos anteriores - "Tyrannosauraus Hives" (2004), que é considerado o sucessor sonoro do segundo álbum deles, "Veni Vidi Vicious" (2000), clássico do garage rock.

Mas antes de ir direto pro novo trabalho, uma retrospectiva vem a calhar para entender melhor onde "The Black and White Album" se encaixa na carreira da banda, e porque ele é importante para o The Hives, mesmo correndo o risco de não agradar seus fãs.

Já bem calejados dos instrumentos, a banda sueca teve seu princípio em 1993, ainda na adolescência dos cinco integrantes devidamente rebatizados: Howlin' Pelle Almqvist (Per Almqvist) nos vocais, Nicholaus Arson (Niklas Almqvist) e Vigilante Carlstroem (Mikael Karlsson Åström) nas guitarras, Dr. Matt Destruction (Mattias Bernvall) no baixo e Chris Dangerous (Christian Grahn) na bateria. Jovens que, segundo diz a lenda, foram encorajados por um tal de Randy Fitzsimmons, produtor da banda e escritor de todas as músicas, mas que nunca foi visto vivo ou morto.

Há indícios que Randy seja mais uma figura alegórica da banda, que já tem todo aquele jeito de "boy-garage-band" uniformizada em dual-tone e músicas ligeiras bem despretensiosas. O que seria um personagem fictício criado pelo vocalista, que sendo verdadeiro ou não, levou a banda pro caminho certo no lançamento do primeiro álbum em 1997, "Barely Legal", grande sucesso na época no país de origem do grupo [Suécia].

Daí só foi cair direto no colo da indústria musical e na graça do grande público com o arrebatador "Veni Vidi Vicious", lançado na Europa em 2000 e relançado dois anos depois nos Estados Unidos, recheado de hits instantâneos como "Hate to Say I Told You So" e "Die, All Right!". Veio "Tyrannosauraus Hives" em 2004 e a fórmula da banda se manteve, som curto e grosso, voz gritada em refrões grudentos, ótimos riffs num ritmo dançante e bem humorada.

Chega agora "The Black and White Álbum" e o tom preto e branco da banda fica um tanto diferente, ou completamente distinto para certos ouvidos. A irreverência ainda continua, o que é bem explícito logo no título, uma referência de duas mãos: às roupas da banda e aos álbuns "White Album", dos Beatles, e "Black Album", do Metálica. Instrumentalmente, piano, sintetizadores sessentistas, batidas eletrônicas, gritinhos femininos e ritmos adversos podem fazer caretas nos fãs mais fervorosos do som tradicional do punk-garage.

O resultado disso é meio estranho, algo contraditório, contrastante, como já alerta o título do trabalho. O resultado chega a ser ruim na primeira audição, mas até que funciona muito bem se vermos um lado positivo.

Na maturidade e na coragem do grupo, The Hives deve ter se visto na obrigação de mexer um pouco no seu som, que já não tem nada de novo desde sua origem. E foi tanta vontade de mexer assim, que convocaram até o produtor Pharrell Williams para trabalhar em algumas faixas. Pharrell é bem mais reconhecido por suas parcerias no cenário hip-hop americano [Grewn Stefani, Snoopy Dog] do que trabalhar com rock [ainda mais numa potência próxima do punk], mas que tem meu sincero respeito por cantar melhor que muita gente que ele próprio produz e manter uma ótima banda de rock-funk-soul music chamada N.E.R.D.

E se quer sentir esse desejo de mudança logo de cara, pule todas as faixas do CD [me sinto um dinossauro falando em "CD"] e vá logo ouvir T.H.E.H.I.V.E.S. Não pode ser um ótimo começo, mas esta é a música mais "explícita" de "The Black..." [mas não espere coisa boa]. Uma quase disco-music-sei-lá-o-que é cantada por um Per Almqvist de voz fina e enfeitada pela imaginação do ouvindo que quase enxerga todos os integrantes da banda dançando naquele ritmo. Uma piada musical, completamente.

Pegando o mote de T.H.E.H.I.V.E.S., o nome da música em si já é outra referência do álbum. Percebe alguma semelhança com o nome da banda de Pharrell [N.E.R.D.], que produziu a faixa?

Outras pontas nesse sentido ainda podem ser percebidas. "Well Allright!" me lembra em certos momentos um Nick Cave fundindo melancolia com um blues "pra cima", gritado. "Bigger Hole to Fill" e "It Won´t Be Long" tem aquele vocal imortal de Joey Ramone, regado por um refrão característico do The Hives. "You Dress Up for Armageddon" tem aquele pancada sutil do The Clash.

Há até um instrumental sem guitarras! Bateria eletrônica e um piano sintetizado dão o compasso de "A Stroll Through Hive Manor Corridors". O resultado até agrada os desavisados [alguns, perdão].

Se tudo acima lhe assusta, se contente muito bem com "Tick Tick Boom" [já ovacionado como um dos melhores hits do ano], "Hey Little World" e "You Got It All... Wrong". Não é em grande número, mas garantem ótimos minutos de musica punk em alto volume, manufaturados com a velha fórmula e com pouco tempero novo. E são ótimas pra dançar. 80% do álbum é quase todo feito para isso.

Num panorama, The Hives "brinca" de incorporar várias facetas, interpretando bandas e estilos diferentes de rock, algo bem afeito ao seu espírito teatralizado que forma a imagem deles como uma banda de rock. Não agrada como um todo, acerta longe diante dos seus outros trabalhos. Porém, ao menos sabemos que, de agora em diante, podemos esperar mais coisas que apenas riffs, refrões gritados de forma desajeitada e punk dançante. Mas ainda assim não é possível levá-los a sério. O que é ótimo, afinal, eles perderiam a graça e tudo iria pro saco.

[Texto por Dario Mesquita]

2007-11-02T17:45:00.000-03:00

Killers murdering my diseases

Estava eu numa das mil andanças pela universidade, terça-feira última, quando me deparo com um antigo conhecido que resolveu crescer e criticar as coisas sem muito fundamento. Chegou perto de mim e já foi logo dizendo:

- Natália, fiquei sabendo que você foi ao Tim Festival.
- Sim, fui sim. Cheguei ontem à noite.

- Você gostou do show do The Killers? Ouvi dizer que foi horrível!!!
- Pra mim, foi o melhor! - Respondo tentando conservar resquícios de educação.

- Me disseram que o show foi tão oco quanto a banda.
- Fazer o que, né? Pena você achar isso, porque eu fui e gostei bastante.

Pois bem, espero que esta mesma pessoa tenha a oportunidade de ler o que vou escrever agora.

Embarquei rumo a São Paulo sem muitas expectativas em relação ao festival. Não conhecia Spank Rock nem Hot Chip; considerava a emoção de ver o show da deusa Björk como um resgate da adolescência; Juliette, pra mim, mais grita, malha e encena no palco que quaisquer outras coisas; e Arctic Monkeys fedem a leite. Me restou o tal oco do The Killers.

Confesso, contei as horas para ver o bem aprumado Brandon Flowers soltar os pulmões cantando pra mim as músicas do Hot Fuss - álbum preferido. Sem decepções. Nem mesmo as três horas de atraso distribuídas ao longo de todo o evento me fizeram esquecer o propósito de estar ali.

Às 4 horas da manhã acendiam-se as luzes de Welcome e Sam's Town, letreiros colocados no palco juntamente a luzes pontuais e flores ornamentais. Uma decoração que remetia ao glamour da cidade de Las Vegas (hometown da banda) e um pouco da breguice do natal. Mas, Brandon Flowers pode tudo e, mesmo com todo mundo já frio e cansado de esperar, soube comandar como ninguém o melhor show da noite. Vestido de forma irreverente e classuda, meu deus da noite regeu sua orquestra com muita simpatia e competência, fazendo de seu concerto, o melhor do evento.

A banda iniciou o show de aproximadamente uma hora ao som de "Sam's Town" e "When You Were Young". Brandon notou no público certa frieza e soltou um charmoso "you're so quiet today", que foi seguido de "Bones". Mas, parece que só "Somebody Told Me" (um pouco mais lenta que o normal) conseguiu acordar o público de vez.

Dali pra frente não existia alma na Arena Skol Anhembi que conseguisse controlar os movimentos. A banda mesclou bem o novo álbum com o antigo, não esquecendo de "Jenny Was a Friend of Mine", "Smile Like You Mean It" e "Mr. Brightside", músicas mais animadinhas, que garantiram o sucesso do show.

Em "All These Things That I've Done", Flowers deixou por nossa conta e risco o "I got soul, but I'm not a soldier", que foi cantado em uníssono por todos os que resistiram ao sono, à fome e ao frio.

O show terminou aproximadamente às 5 horas de uma segunda-feira em que todos os que saíam do Arena Skol Anhembi só sentiam que tinha valido muito a pena a espera.

O quarteto formado por Brandon Flowers (vocal e teclados) David Keuning (guitarra), Mark Stoermer (baixo) e Ronnie Vannucci (bateria), definitivamente, não é de fazer som oco. E, a quem teve a oportunidade de ir e não foi, perdeu muita coisa sim.

Texto por Natália Vaz

Fonte das Fotos [da apresentação no RJ]: Uol

2007-11-02T17:28:00.002-03:00

Too fast; too furious

Por Jader Pires

Quatro shows já haviam se passado e eu estava muito cansado. Corpo, mente, alma...nada mais era como já foi um dia, ainda mais com a experiência extraterrena que tive ao ver o show da Björk (sim, ela provou não ser deste planeta). Um atraso gigantesco entre uma banda e outra me fazia sentar e esfriar o corpo. O cansaço que ia e vinha foi ficando cada vez mais potente.

O show mais esperado por mim e pela maioria do público começou por volta de 2 da manhã, com algumas horas de atraso (estava marcado para meia-noite). Holofotes como os do vídeo de Brianstorm eram a única iluminação do palco no momento em que Alex Turner apareceu com seu Arctic Monkeys, mas eu só conseguia ver silhuetas se movimentando, pois os telões laterais ao palco estavam desligados (sim, bem na hora do show principal).

A introdução à paulada começou na instrumental Sandtrap, que foi seguida pela This House Is a Circus, fazendo ouvidos zunirem nos primeiros berros do vocalista. Meus pulos acompanhavam outros milhares, todos tomados de plena exaltação em ver aqueles prodígios desferindo riffs tão rápidos.

Luzes em tons de azul e prata banhavam os quatro garotos ingleses que fizeram por merecer todo o frenesi anterior, quando uma Julliet ensandecida berrou quem aqui quer ver o arctic monkeys?! - Delírio geral tomou conta do Anhembi.

O que vimos do Arctic Monkeys no Tim Festival 2007 foi um show rápido em todos os sentidos. Acordes velozes e violentos tocados por um rapaz magro, aparentemente calmo e taciturno. Uma bateria frenética e alucinante fazendo gemer o chimbal com toda veracidade, assim como deveria ser nos curtos 50 minutos de apresentação.

Apresse-se rapaz! - Era o que eu tentava dizer a mim mesmo, tentando acompanhar os instrumentos e a bateria de músicas que a banda despejava no público, com um set executado praticamente sem pausas e/ou conversas. Brianstorm, Still Take You Home e Dancing Shoes foram levando o público ao delírio estafante quando tudo veio abaixo com Fake Tales On San Fransicso, uma das melhores músicas da banda.

Balaclava foi tocada com o dobro de velocidade fazendo cabeças entrarem em parafusos até a chegada do hit que abala qualquer festa: I Bet That You Look Good On The Dancefloor e seu refrão ignorante atestaram a ótima qualidade criativa da banda que ainda mandou Fluorescent Adolescent, e encerrou tudo com A Certain Romance, fazendo metade do público dobrar os joelhos de cansaço ou reverência.

Sem ser antipático, mas com a frieza peculiar inglesa, Alex turner interagiu com alguns Obrigados e soltando algo como Olá, nós somos os Arctic Monkeys e gostaríamos de tocar pra vocês a noite toda, mas não podemos (provavelmente alfinetando alguém pelo grande atraso do evento).

O saldo dessa viagem ligeira foram pernas bambas, voz quase ausente por completo, um celular e documento do carro perdidos, sorriso de orelha a orelha e aquele refrão na cabeça...The best you ever had is just a memory...

Fonte das Fotos: Uol

2007-11-01T15:45:00.000-03:00

Are you speaking my language?

Rock'n'roll. Essa é a língua de Juliette Lewis. À frente dos Licks, a ex-estrela de Hollywood mostra do que o rock é feito: atitude.

Festival grande é aquela coisa, muita gente diferente. Lá no fundão, nem todo mundo se empolgou com o show de Juliette and the Licks, mas lá na frente o bicho pegou. Os fãs se acabaram, gente chorando no telão e tudo.

Juliette grita com classe, e suas letras dela falam de amor, sexo e meninos mais novos, entre outros temas. O som tem elementos setentistas, de hard rock, punk e até grunge. Juliette se joga. Literalmente. Faz caras e bocas, rebola, dança, rola no chão. Calça justa vermelha, top e penacho na cabeça. Há quem diga que tudo não passa de representação. Não acho.

A banda, competente, parece estar à altura da frontwoman. O repertório privilegiou as músicas do 2º disco, "Four on the Floor". A música mais comercial, "Hot Kiss", foi a que mais empolgou a galera - toca no rádio, né? Mas quem já conhecia a banda e o talento de Mallory Knox nos vocais gostou do show. Além de "Smash and grab", também estavam na lista "Get up", American boy" e "Death of a whore". Sempre tem quem critique, mas vá cantar, pular e agitar assim sem perder o fôlego! Iggy Pop consegue? Lovefoxx também não.

Juliette é uma fofa. Pediu para o público rebolar, ou mexer os peitos, ou lamber os beiços. Divertida e carismática, ganhou a simpatia de todos. E nem precisava se enrolar na bandeira do Brasil. Mandou beijos e pediu para que as pessoas beijassem quem estava do lado (sim, rolou um momentinho 'a paz de Cristo', hahaha).

Por fim, apresentou a banda, cada um deu seu solinho (o rock e seus clichês). Aí veio "You´re speaking my language", do 1º disco, para encerrar.

Como ela própria já definiu, esta é uma banda de rock, apenas isso. E, mais do que técnica, rock é atitude e diversão. Tá na cara que ela se diverte. Não podemos esquecer que a moça abriu mão da vida glamourosa de atriz de cinema para cair na estrada com a banda.

Apesar de gostar bastante dos discos e dela, eu esperava mais do show. Talvez músicas mais rápidas, não sei. A moça merece uma platéia mais vibrante. Um show menor, para fãs de verdade, seria mais justo. Bem, ela disse que volta ano que vem, quem sabe?

É como uma amiga disse, depois que a apresentação acabou: "Eu quero ser amiga da Juliette".

Texto de Márcia Campos

Fonte das fotos: Uol

2007-11-01T14:41:00.001-03:00

A deusa estendeu a mão para mim

Preguiça e preconceito. Senti muito isso pela mocinha da música eletrônica, do experimentalismo, da loucura aparente, da doçura sobrenatural. Senti muito isso a vida inteira. Sempre tive certo cansaço em ouvir Björk, em saber dela, em pesquisar seus sons. Tanto que fui para o Tim Festival interessado apenas no show dos Macacos do Ártico. Os outros seriam meras bandas de abertura.

Só que ver a Björk é o tipo de obrigação para uma/qualquer pessoa que gosta de música, mesmo que você não ligue pro que ela faz. A mulher tem mais de 20 anos de carreira e é aclamada como a grande musa da experimentação na música eletrônica. A chance de ver a mocinha de 41 anos no palco deve ser aproveitada.

Não só isso, diga-se. No meu primeiro contato com a artista, passei dias devorando Hunter, do disco Homogenic. Antes do TIM, resolvi baixar a guarda e catar o Volta, novo disco da guria islandesa. Earth Intruders foi a melhor porrada do ano. E logo a primeira música. De resto, nada mais sabia da moça. Perceba como meu interesse por Björk era uma coisa assim louvável.

Pois é, cara, não era mesmo. O ponto é que não foi a música, não foi o visual, não foi a curiosidade que me fizeram crer fortemente que a guria islandesa é a coisa mais próxima de um deus que a música tem/teve desde o Led Zeppelin. Mas sim o simples fato de que você sabe quando está em frente a um deus. Não há como fugir dessa sensação.

E foi isso que eu senti ao ver Björk vestida, literalmente, de arco-íris. Entrando no palco, pelo lado esquerdo. As cantoras do coral sendo batedoras do seu caminho, correndo levemente, na ponta dos pés. Eu estava bem longe do palco, mas sabia que elas sorriam. Nenhuma outra feição deveria ser possível. Elas cantavam e faziam parte dos sopros das canções. Ao fundo, uma orquestra. Tínhamos também um baterista. E um semi-deus no sample. Na platéia, corações cheios de alegria. E Björk dançando, Björk cantando, apontando, fazendo reverências. Björk correndo de um lado para o outro. Berrando. Ela respirava, ela comandava, tomava partido das nações, delegava trabalhos, ribombava seus desejos, lançava seu olhar sobre as plantações. Ela sabia fazer chover, mas não o fez. Trouxe um frio bom, espantou o calor. Deu água para o gado e afagou a cabeça das crianças. Tudo ao mesmo tempo agora. Björk é a deusa mais linda que eu já vi.

Earth Intruders, do disco novo, quebrou tudo de cara. Hunter veio depois e levou todo mundo. Meu conhecimento musical a respeito da moça acaba aí. O que realmente pouco importava. Tudo ali remetia à apoteose, remetia a transe, a um ritual para elevar espíritos. As canções se sucediam, se seguiam, mas a experiência do todo é que contava. A única diferença notável entre os fãs e os parcos conhecedores sobre o trabalho da moça era o balbuciar das letras. De resto, apenas uma massa sorrindo.

No fim, quando algumas pessoas ainda resistiam à tortura de estar ali e não poder tocar tudo aquilo que era tão lindo logo acolá no palco, ela liderou Declare Independence. Ela cantou mais, enxergou mais, como deusa que é soprou, cuspiu, conjurou pedaços de papel para o alto. Raise your flag! [Higher, higher!]

Tudo turvo, não se via nada, só papéis, e cores, e sabores. E se sabia, naquele momento, que o mundo era diferente, que as terras estavam mais fecundas, mesmo que apenas dentro de você. Porque uma deusa, vestida de arco-íris, tinha por ali passado. E nada mais foi como era antes.

Fonte das fotos: Uol

2007-10-31T21:04:00.003-03:00

Uma saga em Spank Chip

Tentar por um olho muito crítico em cima dos shows apresentados no Tim Festival é bem difícil para mim. Quando se pensa em um cabra que veio do interior do Piauí e que se embrenhou em uma good trip to Sampa para ver gente que antes só existiam nos downloads da vida, é pedir muito quantidades críticas de discernimento na hora de escrever um texto.

Mas, ele existe sim, apesar de toda a empolgação. E é ele que me fez ver que, entre os dois primeiros shows, existiram muitas semelhanças e diferenças. A maior semelhança: poucos ali estavam interessados em Spank Rock e Hot Chip. Apesar dos fãs ensandecidos em certos momentos dos ingleses, o certo é que eles eram esparsos, mais como uma forma de o Tim Festival dizer que ainda investe em quem está em cena no momento.

No entanto, esse fato não diminui a qualidade de certos momentos. Apesar de terem tocados para uma platéia ainda mal-formada, os americanos do Spank Rock não fizeram doce: começaram o show com pancadas de suas pick-ups, mesmo sendo elas as primeiras a terem sofridos com os problemas de som que permearam todas as apresentações.

O certo é que a disposição que eles aparentaram em fazer o show dava boas vindas com muita vontade a maratona que, pelamorde, foi enorme. Com simulações masturbatórias, coreografias ensaiadinhas, sorrisos e muito motherfucker, eles fizeram uma apresentação pequena, ainda que suficiente para perceber que dali ainda pode vir muito hip hop eletrônico.

Mas, nem tudo que começa bem, continua bem. Os ingleses do Hot Chip chegaram estilosos, espalhando a banda por todo o palco, com suas carinhas de nerds neo-sessentistas. Entretanto, a atitude pareceu bem mais o blasé inglês do que a nerdice rockeira. A apresentação foi muito arrastada, como se o show fosse deles para eles, o que tirou muito da graça de uma banda que já brincou com sons até de brasileiros, com o remix de Let's Make Love and Listen To Death From Above, do CSS.

O problema do som foi mais grave para o Hot Chip. Com uma parada de 18 minutos, eles voltaram ainda mais introspectivos, só se refazendo no momento de seu hit-mor, Over and Over. Só que aí a gente já estava esperando a Björk e nada mais importava.

Fonte da fotos: Terra Online

Texto por Rafael Campos

2007-10-31T11:05:00.000-03:00

O Calo... no TIM

O TIM Festival passou e te levou feito ventania leva pipa bem feita?

O TIM Festival passou e te deixou no mesmo lugar como ventania que zero afeta pedra?

Você só gosta de música, gostaria de ter ido ao TIM, mas não foi, tava até a fim, mas tava caro, "vou ver tudo pelo youtube"?

Bom, aqui no Calo na Orelha a cobertura vai trazer impressões traduzidas diretamente da cabeça, coração e dedos de novos colaboradores [que esperamos não ficarem apenas numa única participação] e de 66,666% do nosso staff - eu e ele.

Aguardem para o fim do dia os textos sobre os shows de abertura da noite de domingo [é, a gente não é "cobertura oficial", fomos todos para a mesma noite com o suor do nosso rosto e sem direito a acesso aos bastidores!]. Spank Rock e Hot Chip serão debulhados pelo amigo e irmão Rafael Campos.

Até mais ver!

2007-10-25T00:10:00.000-03:00

Estilo? Eles criaram o estilo.

Se você é aquele cara que se acha estiloso, por qualquer motivo, está na hora e reavaliar seus conceitos.

É, diante desses três caras, você não tem a menor chance. Em 1991, no Brooklin, NY, três músicos, John Medeski, Billy Martin e Chris Wood, se juntaram para fazer um som inicialmente com uma formação de trios de jazz acústico (piano, bateria e baixo), resultando no album Notes From The Underground. Sua sonoridade jazz/soul/groove já explicitava a competência singular de cada um deles, porém ainda não o amadurecimento estético da grande maioria de seu trabalho.
Este amadurecimento apareceu no decorrer dos próximos álbuns e revelou um funk mais eletrônico com uma formação quase sempre de uma bateria, órgão e baixo elétrico. Abdicando da sonoridade completamente acústica, MMW apresenta um som altamente urbano, sujo, com mais influências de Hip Hop, porém sempre sustentado pelas raízes jazzísticas e do groove.

A busca , segundo eles mesmos, é uma batida de Hip Hop que contenha tanto swing quanto os ritmos de jazz, mas sempre mantendo a simplicidade, podendo assim, criar texturas hipnóticas, melodias e harmonias livremente, no instinto, no improviso.
Sabe aquelas trilhas sonoras supostamente estilosas que tocam bem na hora que o mocinho(a) está andando em câmera lenta? Titica.

É o seguinte, o som é pesado: mas não é um guitarrista cabeludo tocando milhões de notas ou aquele baterista com seu kit do tamanho da sua sala de estar.É uma batida simples e incessante, cheia de groove, que faz seu pescoço se mexer como o de uma pomba (pior que é); É um órgão Hammond sendo tocado com notas curtas, sujas e estilosas; É um baixo incansável, cheio de poder e groove. I Wanna Ride You (cd Uninvisible), por exemplo, começa somente com um órgão bem estilo gospel americano, todo estiloso numa demonstração de virtuosismo, quando de repente, o baixo entra desvirginando praticamente junto com a batera, arrebentando notas distorcidas com uma levada simples e contagiante. Um nojo.

O som é sofisticado: filhos do Jazz, não lhes faltam frases complexas, baterias originais nem sensibilidade para segurar a mão. Sons como Where's Sly (cd Last Chance to Dance Trance) demonstram a competência para lidar com melodias simples, sem banalizá-la. Altas influências de Cool Jazz nessa faixa, que inclui belos arranjos de sopros. Fino.

O som é eclético: Latin Shuffle (cd Combustication) demonstra que não é tão simples assim. Uma levada de bateria com um nível de dificuldade realmente fora do comum evidencia uma vida de estudo musical. Como diz o nome da música, é uma levada latina bem caliente com precisão e swing. Essa música é, talvez, o melhor exemplo da capacidade que a banda tem de reciclar o que existe por ai. Não faltam bandas fazendo sons latinos, no entanto, Latin Shuffle soa mais do que um gênero musical. Soa Medeski, Martin and Wood. Inspirador.

Sempre buscando a espontaneidade, muitas vezes esse trio novaiorquino abre as portas para participações de djs, metais, guitarristas, como por exemplo John Scofield, guitarrista bem conceituado do mundo do Jazz.
Essa parceria que rendeu dois ótimos trabalhos: A Go Go (trabalho com nome do Scofield) e Out Louder, nomeado de Medeski, Scofield, Martin and Wood. Vale dizer que essas parcerias são especiais. Scofield toca com MMW como se tivesse tocado com eles a vida inteira.

Como vocês puderam perceber, essa resenha não trata de um único cd, mas de todo o trabalho de Medeski, Martin and Wood. Pensei em evidenciar pelo menos uma música boa de cada álbum, mas como meu objetivo é expor coisas diferentes para os leitores desse blog, deixo pra vocês descobrirem a discografia dessa banda que é um tesão.

Aproveitem essa dose. Vale a pena.

Notes from the Underground (01/01/1992)
It's a Jungle in Here (18/10/1003)
Friday Afternoon in the Universe (24/01/1995)
Shack-man(15/10/1996)
Farmer's Reserve (11/02/1997)
Bubblehouse (08/04/1997)
Combustication (11/08/1998)
Combustication Remix EP (20/04/1999)
Last Chance to Dance Trance (Perhaps) (12/10/1999)
Tonic (25/04/2000)
The Dropper (02/10/2000)
Electric Tonic (31/10/2001)
Uninvisible (09/04/2002)
End of the World Party (Just in Case) (07/09/2004)
Note Bleu: Best of the Blue Note Years 1998-2005 (04/04/2006)
Out Louder (como Medeski Scofield Martin ' Wood) (26/09/2006)

2007-10-22T20:46:00.000-03:00

Se José Saramago escrevesse um livro baseado nos fatos que ocorreram nos últimos dias, ele provavelmente começaria assim: E naquele dia, nenhum cd foi vendido.

Divagação literária à parte, foi praticamente o que aconteceu. A guerra foi declarada na época em que o Napster começou a machucar o calcanhar das majors. Músicas começaram a ser compartilhadas a torto e a direito e daí por diante, o estado de sítio foi instalado. De um lado, as grandes gravadoras comandadas por obesos de ternos caros, charutos na boca e acompanhados de suas esposas a la Mariah Carey. Do outro lado da trincheira, artistas dependentes e independentes que queriam liberdade criativa, liberdade de escolha, liberdade pessoal e profissional. E o desenrolar da história todos conhecemos: Kazaa, P2P, E-Mule, SoulSeek, Torrent, Youtube, queda vertiginosa nas vendas de cds, pirataria, desaparecimento de uma leva de artistas que eram dependentes demais (boys band e outros), MTV deixando o videoclipe em segundo plano na sua grade de programação, bandas encerrando atividades e parcerias com as grandes gravadoras ao criar, produzir e distribuir suas músicas por conta própria, o fim do cd, mp3, mp4, Ipod, Arctic Monkeys, Ufa!!!

Até o começo de outubro de 2007, a musica dominou o mundo digital e fuzilou gravadoras, fazendo-as sangrar em notas e moedas. E como em toda guerra, o inimigo nunca é perdoado, o tiro de misericórdia foi dado quando uma das bandas mais respeitadas do mundo resolveu vender seu mais recente trabalho de duas maneiras: 1 - o cliente compraria previamente o álbum duplo mais um vinil por um valor equivalente a um valor aproximado de R$150,00 para receber tudo em dezembro; 2 - o interessado entraria no site da banda e compraria as músicas de forma digital, para recebê-las em mp3 no dia 10 de outubro, assim mesmo pela Internet. O preço? Quanto você quiser. Sim, se quiser pagar. Se não quiser, coloca aí no lugar do valor o número zero. Sim, você também vai receber as músicas.

Obviamente, o site congestionou até travar. Obviamente, a mente dos ex-poderosos das ex-grandes gravadoras fritaram até travar. Obviamente, a música e a sua forma de distribuição nunca mais serão as mesmas. Obviamente, o público ganha e perde com isso (ganha no sentido de se abrir cada vez mais o leque de bandas e artistas pra se conhecer e perde por que a cada dia o tangível da música vai desaparecendo). Obviamente, a banda que causou todo esse alvoroço atestou sua genialidade no golpe final contra a indústria fonográfica e na música, nos presenteando com um ótimo álbum que, com certeza marcará a história musical para todo o sempre.

Senhoras e senhores, é com muita honra e prazer que lhes apresento, Radiohead em In Rainbows.

[por Jader Pires]

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Meu arco-íris são pixels

O que direi abaixo, passa a quarteirões de ser alguma análise técnica. Não sou bem um músico [como os outros daqui devem ser], nem tenho muito saco de dissecar letras e entrelinhas de sentidos [importantes, mas...], sou muito mais orgânico pra descrever algum sentimento ao toque invertebrado de melodias. E é disto que mais me alimento quando ouço e re-ouço "In Rainbows" nesses dias [principalmente nesses dias em que tudo conspira para ele].

Se ainda há alguém com dúvidas ou que simplesmente negue que Radiohead é a maior banda dos últimos tempos e a mais influente entre o Mar Vermelho do rock [como eu vi em algumas declarações em matérias comemorativas dos 10 anos de Ok Computer], se mate! Ver seu último trabalho publicado de forma tão corajosa, inovadora e reflexiva [quanto eu valho para seus sentimentos?], para ainda de quebra tomar listas de discussão, blogs e o escambal, onde segundos depois do lançamento no dia 10/10, centenas de pessoas se agregavam para debater cada centímetro das música e descrever sua experiência com o álbum, tudo isso e um pouco mais, já tornam Radiohead uma das coisas únicas que [graças] perduram no cenário musical.

E ouvir "In Rainbows"... bem, desde mui tempo a banda não criava algo tão redondo, construindo um sentimento de continuidade entras as faixas, algo explícito em Ok Computer mas que ficou confuso de ser percebido depois de Kid A. Algumas das músicas já são velhas conhecidas de apresentações, a exemplo de Nude, que se conjugaram com outras inéditas de uma forma natural e correta, evitando que uma ou outra música sejam saltadas pela estranheza do primeiro toque.

Correr pelas faixas deste álbum pode ser algo decepcionante para uns que esperavam algo mais "genial/inovador", elas [as músicas] são como engrenagens integrantes de uma máquina simples, que conjuga um trabalho coeso e maravilhoso para aqueles que esperavam apenas ouvir e mergulhar num ambiente tortuoso de emoções das músicas do Radiohead. O piano agonizante [Videotape], a guitarra estridente [Bodsnatchers], a bateria meio jazz eletrônica [Reckoner], o coro de vozes suplicantes [Nude], a música que lhe dá vontade de berrar [Jigsaw Falling into Place] e o sentimento de se estar inconformado com a vida pessoal [seja consigo e com outros através dos relacionamentos], está tudo casado, todo aquele estilo que faz do Radiohead a banda que ela é e montou no decorrer de sua carreira.

Este é um álbum que como poucos merece ser visitado mais de trinta vezes [todos da banda merecem isto, mas este em especial], de abraçar cada filigrana para enfim perceber que não importa mais pensar que a banda vai fazer algo parecido ao The Bends, Ok Computer ou Kid A novamente, nem tentar revolucionar as coisas. Este é, como os dois clássicos da banda, um trabalho pessoal para quem ouve, que conversa aos ouvidos para lhe fazer pensar e então fazê-lo perceber que o chão vai mais abaixo que os pés, cobrindo-lhe até os ombros com aquela atmosfera linda e melancólica para depois se sentir vivo e renovado. E só agora, depois de ouvir trocentas vezes [e até levar uma multa de velocidade por desatenção ao ouvi-lo no carro] percebo que não haveria melhor título para este trabalho da banda, numa visão íntima, que se desmembra em vários caminhos e cores.

O que você consegue avistar entre o arco-íris de pixels?

[Texto por Dario Mesquita]

2007-10-17T19:15:00.001-03:00

Antes tarde do que nunca (ou antes nunca do que tarde?)
Por Jader Pires

Se eles tivessem vindo dois, três anos antes, eu poderia dizer que foi um dos shows mais legais que já vi. Demoraram. Demoraram demais, mas vieram.

E eu estava lá fazendo parte do público que estava no Citibank Music Hall nos últimos dias 14 e 15, local que a banda californiana Incubus subiu ao palco para mostrar sua energia. E o fizeram bem.

O som da casa (pra variar um pouco) não estava muito bom, embolando os instrumentos a ponto de deixar o baixo de Ben Kenney (baixista bem estiloso da banda) praticamente inaudível. Falhas à parte, Just a Phase foi o som escolhido para a abertura do espetáculo, aquecendo gargantas, músculos e almas. A Kiss To Send Us Off veio na seqüência e foi a primeira música do último álbum (Light Granades – 2006) que mostrou realmente não ter emplacado no Brasil (das 13 músicas do álbum, apenas três foram executadas – duas delas, singles com videoclip). Mas vamos à performance da banda.

O que o Incubus mostrou no dia 15 foi um show eficiente e conciso. O vocalista Brandon Boyd prova por A mais B ter uma grande voz que encanta as menininhas (milhares de olhinhos femininos estavam brilhando e extremamente focados na direção do palco, acompanhando os passos e pulos do vocalista) e empolga os marmanjos. Últimos sucessos como a frenética Anna Molly e a gostosinha Dig dividiram espaço com os chamados clássicos do grupo, como Drive, I Miss You, Wish You Were Here, e a grande surpresa da noite, Pardon Me (A mais pedida pelo público e surpresa pelo fato de que corriam rumores de que a banda estava deixando-a de lado nos últimos Setlists para não forçar a mão recém recuperada do guitarrista Mike Einziger, causa do adiamento do show de Maio para Outubro). O show seguiu uma linha boa de músicas mais pesadas como Megalomaniac e Favorite Thing, uma versão acústica de Redefine e a dançante e sempre sexy Are you In?.

A banda toda provou ser competente, tanto na instrumentação quanto no quesito performance; com destaque para o DJ Chris Kilmore que mandou muito bem nos improvisos e no chacoalhar da enorme cabeleira rasta.

Um show rápido, bem parecido com as apresentações registradas em dvd ou nos milhares de vídeos youtubianos, porém bem executados. Um prato cheio para os fãs mais recentes da banda, mas um prato um pouco frio para os mais antigos que esperaram demais e esperavam mais.

Mas quando tem qualidade, mesmo requentada a comida é muito boa!

2007-10-14T13:24:00.000-03:00

E aí, meu bom amigo?

Eu tenho um lance bizarro com o rock n’ roll. Já conheci artistas das maneiras mais inesperadas possíveis. Quando percebo, estou fascinado.

Tava lá um dia lendo a antiga Bizz, Showbizz, sei lá, sonhando com as matérias, todos aqueles textos legais pra caramba... daí eu vejo um comentário do cd da banda totalmente desconhecida pra mim chamada The Charlatans. O cd? Us and Us Only...

Nem lembro o que o texto dizia, mas fiquei impressionado com a crítica, achando o disco bom pra caramba, sem nem ter ouvido. Mania de gente entusiasmada demais.

Qual não foi a minha surpresa ao ver que, numa daquelas queimas de estoque sem sentido de um dos shoppings de Teresina, o próprio "Us and Us Only" estava lá, lindíssimo, esperando por mim, por módicos R$ 19,90. Fiquei chocado, empolgado, travado. ‘Será se eu posso ouvir?’ Podia... tinha só dois cds lá, uma fechadinho, e o outro já todo lascado, com pequenos arranhões no cd e tudo o mais. Peguei esse, coloquei no cd player, e ouvi a primeira música... ‘Forever’... Pulei rápido pra segunda... ‘Good Witch Bad Witch 1’ linda... a terceira, ‘Impossible’, perfeita... a quarta... ‘The Blonde Waltz’, arrepiante... e a quinta me chamou a atenção pelo nome... ‘A House Is Not A Home’. Pronto... um disco de 11 canções, que cinco já te deixam fascinado deve ser comprado. E comprei!

...

E aí fui muito feliz.

À época, formado por Tim Burgess (vocal), Martin Brunt (baixo), Jon Baker (guitarra), Jon Brookes (bateria), Tony Rogers (teclados), o Charlatans investiu, nesse disco, num country/folk metido a besta, mas tem sua carreira baseada mesmo é no britpop.

Vindos da absoluta Madchester, eles começaram sua carreira bem cedo, em 1990 [quatro anos antes da estréia do Oasis no mundo do britpop...]. Depois desse "Some Friendly", de 1990, tivemos "Between 10th and 11th" (1992), "Up to Our Hips" (1994), "The Charlatans" (1995), "Tellin' Stories" (1997), "Us and Us Only" (1999), "Wonderland" (2001), "Live It Like Love It" (2002), "Up at the Lake" (2004) e o "Simpatico" (2006). Para os próximos dias de outubro, um disco novo batizado "You Cross My Path".

Esse Us and Us Only foi um disco de transição, com Tim Burgess morando em Los Angeles e com uma série de contratempos para que o álbum desse certo. No fim, deu. Principalmente porque antes de Tony Rogers, o grupo britânico contou com Rob Collins nos teclados. O músico morreu em 1996 em um acidente de carro e essa perda fez a banda parar por um bom tempo pensando na vida. A volta, com Tony Rogers nas teclas, levou a esse Us and Us Only: intimista, familiar, soturno, confidente...

Esse disco é de uma força e uma expressão que são incríveis.... Além das ótimas recordações, ele sempre tem uma coisa nova a se perceber, está sempre mudando, encaixando de um jeito diferente nos nossos ouvidos. É maravilhoso para ouvir de uma vez só, já que ele transita por diversas influências, marcando o ouvinte de várias formas. Ele é atraente, sexy, vivo, inspirado [as letras são ótimas], tem um instrumental lindo, fantásticas linhas melódicas, e uma faixa escondida...

Hoje, num tempo em que os discos estão se acabando, seja fisicamente, seja na filosofia do comprar o disco, ter esse na minha pequena coleção é motivo de extrema alegria.

2007-10-09T07:15:00.000-03:00

Da série: álbuns que carrego no MP3 Player
[mas não tenho MP3 Player, porque junto dinheiro pra um IPod]

Eu ia escrever sobre outras coisas que venho plantando nos meus tímpanos nesses dias. Mas encaro que devo seguir alguma ordem cronológica do meu calendário de bandas [depois que viciei em torrent para baixar discografias completas, minha listinha de bandas tem virado uma orgia e meu HD um apartamento pequeno onde filmes, músicas, games e trabalhos gráficos brigam por espaço]. Deixando de embromação.

The Magic Numbers - The Magic Numbers (2005)

A história da banda começa basicamente assim: deste lado da arena temos dois irmãos Romeo Stodart (guitarra, vocal) e Michele Stodart (baixo, vocal), originários de Trinidad e por um breve período residentes em Nova York até se mudarem para Londres. Onde eles, num dia ordinário qualquer, conhecem do outro lado da arena musical as irmãs irlandesas Sean Gannon (bateria) e Angela Gannon (escaleta, glockenspiel, percussão e vocal). Eis nasce em 2002 a banda inglesa [?] The Magic Numbers, com aquele ar 1960 [vocal-folk], new-hippie-higiênicos e cara de grupo musical família [na primeira vez que os vi na MTV, pensei que eram todos irmãos mesmo].

A minha história com a banca tem um início mais tardio. Até o início deste ano só conhecia uns gatos pingados dos seus dois álbuns através de videoclips, e crítica nacional apenas se limitava a explicá-los como uma banda com críticas internacionais bem sucedidas e som "fofo". Pera aí, FOFO? Simplificá-los assim é de doer os bangos! [na verdade, a crítica nacional anda muito "hypada", simplória, e às vezes desacreditada - como no infeliz caso da revista Veja]. The Magic Numbers é uma daquelas bandas que sempre espero que surja e consiga se manter, aquele grupo que deixa de lado a lorota de fazer algo novo e híbrido [que muitos tentam, e uma merreca consegue manter por mais de um trabalho] para admitir com sinceridade e criatividade seu som, sem frescuras!

A levada melódica e sentimental que carrega seus dois trabalhos se enquadra com perfeição às capacidades de cada um dos membros, que se inovam a cada meio tempo das músicas, deixando a obra [quem ouve] crescer através daquela cadencia instrumental de vocais há muito tempo deixada de lado pelo rock [saudade dos primeiros anos de Beach Boys]. Não é preciso duas ou três audições para simpatizar com aquela ou outra música, todas apresentam tal desenvolvimento e carisma que é demente não dá replay no álbum inteiro.

The Magic Numbers - Those The Brokes (2006)

Não desejo eleger o melhor dos dois álbuns, apenas recomendo que eles sejam ouvidos em seqüência, por encará-los como trabalhos complementares, sendo do The Magic Numbers (2005) o mais melódico [com "Forever Lost", "I See You, You See Me", "This Love" como minhas paixões imediatas], e Those The Brokes (2006) o melhor trabalhado e com algumas musicas mais intensas [tendo "Boy" e "Undecided" como ótimas surpresas].

Se tiver compaixão pelo seu sentido auditivo, e nunca ouviu a banda, dedique umas horinhas do fim de tarde para ouvi-los. Garanto, os riscos de surgir algum sorriso de satisfação depois de apreciar coisas como "Hymn for Her" serão enormes.

Texto por Dario Mesquita

2007-10-08T09:59:00.000-03:00

Gramophone: "audiovisual aqui na terrinha precisa ser mais utilizado"

Conheço a Gramophone desde um feliz cartaz espalhado pela Universidade Federal do Piauí que anunciava uma calourada de Biologia, nos tempos perdidos de 2004. Lembro que, dias depois, perguntei a um amigo como tinha sido o show. "Alguns covers de Strokes, Franz Ferdinand, e umas duas músicas próprias".

Dentro da canseira dos mesmos shows de sempre, das mesmas bandas de sempre, parecia ser um belo atrativo aquela banda que nascia com músicas próprias e covers de bandas novas. Sons novos pareciam chegar à Teresina.

Um bom tempo se passou até que novamente eu voltasse a ouvir falar da tal Gramophone, que agora já era uma banda de músicas próprias encaminhadas, shows pequenos e médios pela cidade e uma pequena legião de fãs atraídos, principalmente, pelos covers ofertados ao longo dos shows. Mas as músicas próprias já estavam ali, colocando a cara de fora do repertório, pedindo espaço.

Com essas e outras músicas próprias, lançaram, em 2006, uma demo com sete músicas. Com elas, conseguiram espaço na mídia, em festivais e em grandes shows.

Daí que dessa demo [e por outros diversos bons caminhos], os rapazes receberam uma proposta da Associação de Documentarista - PI para fazer um clipe para a música Bota Fé, uma das composições mais antigas do grupo. "Em julho desse ano, segunda-feira pela manhã, acordei com um telefonema de madrugada, coisa de 09h. Do outro lado da linha: 'quer gravar um clipe?'. Depois de longos décimos de segundo: 'Assino onde?'. Duas semanas depois estávamos nós, a 22 andares, com câmeras e obturadores captando a luz de Teresina com a gente em primeiro plano."

confira aqui o clipe de Bota Fé

O nós referido é composto por Márcio Pessoa [guitarras], Rigoberto Lima [voz/guitarras], Sergio Moreira [baixo] e Diego Alencar [bateria/voz]. Rigoberto, que assume também o comando da entrevista, segue explicando. "O Dalson Carvalho [diretor da ABD/PI] sacou bem o espírito da banda. Nada de caricatura, estorinha boba pra gente interpretar... A gente filmou naquilo que a gente se propôe a fazer: tocar. a gente não sabe atuar".

No clipe, além dos meninos da Gramo, a atriz Talita do Monte, escolhida pelo diretor do clipe Dalson Carvalho e que participou recentemente do curta "partida", realizado por concludentes do curso intensivo de cinema da ABD-PI.

De acordo com o vocalista, a preocupação com o audiovisual tem que ser mais forte entre os artistas teresinenses. "Audiovisual aqui na terrinha precisa ser mais utilizado. As bandas se preocupam em tocar, tocar, tocar e só tocar, falam em profissionalização a cada três linhas de entrevista, mas não buscam meios pra isso. Deus me livre parecer um burocrata cristão que grita 'deus me livre', mas a gente vende música. Então que seja num pacote padrão overseas".

O próximo passo da banda é divulgar o clipe e continuar fazendo shows. "A gente envia pra MTV essa semana, e canais de todos os lugares que a gente pôde achar também."

A banda já compôs material para uma nova demo, a ser lançada no início de 2008.

UPDATE

O CalonaOrelha cataloga aqui os clipes de bandas e artistas piauienses disponíveis no YouTube. Há ainda clipes como o da banda Madame Baterflai, que não se encontra disponível no site de compartilhamento de vídeos, mas que já teve exibição nas TVs teresinenses.

Alguns dos clipes linkados abaixo já venceram concursos de vídeo e edição em nível estadual e nacional.

Káfila - Folia
Q.i69 - Dia 26
Narguilé Hidromecânico - Maquetes Loucas
Narguilé Hidromecânico - Jumento Bom [Melhor vídeo Piauiense no X Festival de Vídeo de Teresina - 2002]
Conjunto Roque Moreira - Lee Van Cleef
Escalla Richter - Amor HC
Lado2Estereo - Le Singe Punk
Lado2Estereo - Liberation
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2007-10-03T23:49:00.001-03:00

Sem fantasia, nem alegoria.

Por Jader Pires

melancolia

me.lan.co.li.a

sf (gr melagkholía) 1 Psicose maníaco-depressiva. 2 Estado de humor caracterizado por uma tristeza vaga e persistente. 3 pop O mesmo que vitiligem.

Elvis Perkins é um músico norte-americano de 31 anos e um homem melancólico. Não, claro que não posso afirmar isso, pois nunca tive sua companhia e muito menos convivência. Mas posso afirmar que seu trabalho de estréia lançado em fevereiro deste ano e intitulado Ash Wednesday é um álbum melancólico. Ruim? – Claro que não! Melancolia nunca é um defeito quando se trata de música e esse artista soube usar muito bem a sua, ou simplesmente “a” melancolia.

Numa primeira vista mais desapercebida, seu nome remete ao rei Elvis Presley, mas o sobrenome incomoda e, quando se pára pra pensar (ou pra pesquisar, nos caso dos curiosos mais desavisados) chegamos ao resultado óbvio e simples. Elvis é filho do ator Anthony Perkins, conhecido principalmente por seu papel marcante na pele do assassino Norman Bates, do filme Psicose (obra-prima do diretor Alfred Hitchcock – 1960). Anthony faleceu em 1992, decorrente de complicações causadas por AIDS, quando Elvis tinha dezessete anos. Sua mãe, a fotografa Berry Berenson, faleceu no dia 11 de setembro de 2001, quando estava a bordo de um dos aviões seqüestrados que se chocaram contra o World Trade Center.

Perfeito. Já temos uma das facetas do rapaz de topetão bagunçado e vestuário estilo “vovô”, típico dos indies mais tranqüilos, mais folk. O que nos falta agora? - desvendar as emoções e sensações dessa quarta-feira de cinzas (em tradução livre).

A quaresma se inicia com a canção While You Were Sleeping, em que violão e voz conduzem suavemente a melodia que vai crescendo e se definindo com a entrada de bateria, rabecão e trompete, tornando-se uma música grandiosamente simples, com uma sutileza adorável.

E essa é a bandeira do álbum, permeado de letras tristonhas como em All The Night Without Love, May Day! e It’s A Sad World AfterAll, mas isso não quer dizer que seja um álbum para se ouvir durante uma tentativa de suicídio ou em épocas de namoros mal resolvidos. Não senhor, pode guardar a corda ou os objetos cortantes.

Os arranjos de Ash Wednesday são tranqüilos e tão gostosos de ouvir que chega a bater uma sensação de esperança. Além do violão folk, encontramos violinos e instrumentos diversos de teclas que atenuam o clima carregado. As vozes são melancólicas, mas bem estruturadas ao espírito da obra que termina com a bela mensagem de Good Friday, embalada por um piano e uma voz feminina cheia de paz.

As impressões são diversas no decorrer do contato com esse novo artista que tem uma pitada de Nick Drake e Johnny Cash, mas com espírito próprio e vivências profundas. É pegar esse compilado de canções acústicas, achar o clima certo e se aprofundar em sentimentos abstratos.

2007-10-01T11:20:00.000-03:00

A covardia de não saber quem se é

Acompanhando o rastro de uma notícia a respeito do Q Awards, cheguei a uma mini-resenha [na verdade só uma chamada] para o primeiro disco do grupo inglês The Rumble Strips, Girls & Weather, lançado em meados desse último setembro.

"Quem!?", eu até posso ouvir a pergunta sincera do outro lado do monitor. Poiszé, caran, eu também nunca ouvira falar da banda até a tal chamada na Q, mas com um nome foda desses [uma referência àquelas calosidades no asfalto das estradas pra acordar os motoristas vacilões], eu tinha que dar algum crédito.

Dois segundos depois, São Google me mostrava que a banda, formada por Charlie Waller [vocais e violão], Tom Gorbutt [sax, vocais e baixo], Henry Clark [trompete, vocais e piano], Matthew Wheeler [bateria] e Sam Mansbridge [baixo, vocais e tambor] não aparecera na Q por acaso [sim sim, ingleses histéricos, mas limpinhos]. Além do som bacanudo, da formação peculiar, o The Rumble Strips possui diversos singles bombados lá fora. “Singles continuam sendo a melhor forma de ampliar a visibilidade de uma banda. É bom para as pessoas que podem ter alguma coisa concreta para ouvir, levando ao lançamento de um primeiro álbum”, entrega a banda, numa entrevista por e-mail.

Mas apenas bons singles não salvam a pátria e o primeiro disco dos Strips, Girls & Weather, veio para solidificar o caminho dos rapazes.

Assim, baixei o disco e me encantei mais ainda. Na referência dada no MySpace, eles se definiram como "soul, regional mexican and powerpop". O álbum, no entanto, mostra muito mais versões da mesma banda. Diversas facetas num “corpo” só. Quando perguntei à banda sobre as minhas impressões em relação ao estilo do grupo, recebi como resposta uma sincera negação. “Nós realmente não sabemos o que somos, para sermos honestos. Ainda estamos trabalhando nisso”.

As músicas, doze petardinhos compostos e executados em bateria, violão de rancheiro, trompete e saxofone [mas também em baixo e piano], fazem você cair numa sincera dúvida: o new rave pode ter melodias felizes e letras meio down down na high society? Pode, cara, claro que pode, tudo pode nesse mundo. Mas eu falei em new rave? Falei. Quer dizer, estou falando agora. Pega aí uma cruza sonora e superficial do Klaxons com o Bob Dylan [só por causa do violão, cara...].

Mas, inclusive, não tem só new rave. Tem indie rock, tem alguma coisa de alternativo, tem 1,2,3,4. Tem uma voz forte, e backing vocals certeiros. Tem levadas de violão graciosas e precisas, batida esperta de bateria, daquele jeitinho que faz o povo pular... Mais umas letras boas, boas letras, espertas... e no meio disso tudo? Um trompete e um saxofone...

“Nós apenas tocamos os instrumentos que sabemos. Quando alguém vem com uma música nova, nós pensamos: ‘qual a melhor maneira de construir essa música? Ela vai soar melhor com metais ou no piano?’. Nós apenas experimentamos e tentamos não seguir regra nenhuma”, explicam os rapazes na entrevista concedida por e-mail.

Fácil assim? Covardia...

2007-09-27T23:33:00.001-03:00

Sucesso a conta-gotas...

Por Jader Pires

Eu poderia encerrar a matéria aqui e só a foto já seria suficiente o bastante para prender a sua atenção por alguns minutos. Mas você realmente precisa saber mais sobre ela.

Maria do Céu tem 27 anos e uma timidez que encanta. Economiza palco em suas apresentações, mas esbanja maturidade na voz e na maneira de conduzir sua carreira. Morou em Nova York quando tinha 18 aninhos e já trabalhou como garçonete e com jingles (emprestou sua voz para comercias da Volkswagen, Pernambucanas, Fiat, Shopping Morumbi, Caipirinha 51). Lançou um álbum de maneira discreta e foi encontrando público aos poucos, sem se cansar.

Seu tom de voz é sensual e sereno. Sua maneira de cantar é delicada e incisiva, o que lembra outras cantoras da atualidade como Marisa Monte, Maria Rita, Vanessa da Mata e toda a leva de novas divas que bebem da fonte consagrada por Gal Costa. Mas as influências (diretas ou não) de Céu não param por aí. Sutilmente consegue-se perceber também aquela sensação gostosa do fraseado gracioso das grandes jazzistas. Aliás, a Mãe-África está presente em suas diversas modalidades espalhadas de diferentes formas aos quatro cantos, nos arranjos e melodias de suas canções. Sim, suas canções.

Das 15 músicas de seu álbum de estréia (CéU – 2005), a cantora é autora de 2 e co-autora de 10 canções que bailam entre a MPB e Afrobeat, brinca de ser eletrônica e tribal, numa mescla suave de velho e novo.

A música Vinheta Quebrante abre o disco invocando bons fluidos numa batucada delicada e vozes que guiam até a próxima faixa que desliza colada. Com batidas densas e um violão manso, mas consistente, Lenda é um alerta aos homens mais descuidados. Cantado de forma tentadora, ganhou espaço nas rádios. Malemolência é um chamado irrecusável para cair na dança da menina que sabe misturar seu jeito meigo com uma certa ousadia nas palavras cantadas. Certamente a dualidade é o grande segredo desse álbum. Roda, Ave Cruz e Concret Jungle (ótimo cover de Bob Marley) também são destaques nesse trabalho minucioso, delicado e surpreendente.

Além de ser indicada ao Grammy Latino do ano passado, Céu continua galgando degraus lá fora. A pequenina conseguiu um fato importante ao emplacar seu álbum de estréia no ranking Heatseekers da revista norte-americana "Billboard", que registra os discos e músicas mais vendidos nos Estados Unidos. A lista reúne artistas que são considerados revelações da música, com som inovador e promessa de sucesso. Céu conquistou o topo do ranking logo na semana de lançamento do disco nas lojas norte-americanas (recentemente o Álbum CéU foi lançado e vendido nas cafeterias Starbucks), enquanto aqui no Brasil, sua música vai ecoando de noite em noite, de amigo pra amigo, de blog em blog, e crescendo assim como seu talento na voz e nos palcos. Céu vai trilhando seu caminho aqui e ali de maneira carinhosa e tranqüila, sem a pressa peculiar paulistana, lugar onde nasceu e cresceu.

E nada melhor pra acabar essa prosa toda citando uma música de Jorge Ben que poderia sintetizar bem esse dengo todo:

“A noite é linda e ela mais ainda
Todinha de rosa mais linda
Mais meiga que uma rosa
Oba, lá vem ela estou de olho nela
Oba, lá vem ela estou de olho nela”...

2007-09-25T02:28:00.000-03:00

Carne de Vaca (mas é filé)

Um jazz fácil de ouvir.

Fácil de ouvir? Jazz?

Pode parecer incoerente, mas é.

Talvez a frase acima passe a mensagem de que fácil significa simples. E é verdade. Diferente do jazz mais conhecido, aquele som cheio de notas tortas, esse álbum é quase um convite aos curiosos que querem começar a ouvir o estilo mas não conseguem entender nada.

Mas como assim? Não tem notas tortas? Então não é Jazz!

Calma lá rapaz. Esse é um autêntico Miles Davis em seu momento mais Cool já registrado.

Miles Davis entrou em cena no auge do Bebop, estilo predominante do jazz dos anos 40, tocando com Charlie Parker, e não demorou muito para que seguisse seus próprios passos. Foi desbravando territórios desconhecidos do jazz até o fim, com suas loucuras no cenário fusion nos anos 90.

Mas não pense que isso é pouco.

Em 1947 Miles, com apenas 20 anos, empatou com Dizzy Gillespie como trompetista número 1 na votação dos críticos da revista Down Beat, revista bem conceituada da época. Como se não bastasse, cara só foi o precursor de quase todas as fases do jazz.

Se foder.

Uma das escolas praticamente criadas por Miles nesse meio tempo foi o cool jazz. Talvez a mais importante para a disseminação do jazz, afinal de contas, Kind Of Blue é o álbum mais vendido do gênero, um álbum de cool jazz.

Essa escola surgiu de uma semente que o trompetista plantou em 49 com a gravação do álbum Birth Of The Cool, um abalo sísmico no mundo do Jazz que até então estava acostumado com o vigor do bebop ou, antes, com o Dixieland, Swing e com as bigbands da época. Birth Of The Cool trazia um jazz mais calmo, simples. Mas tava quase lá.

Em 1959, Miles gravou duas sessões ousadas de improviso com seu sexteto. Nascia o Kind Of Blue.

O resultado foi a imortalidade. Miles com sua criatividade e sutileza, cria, com pouquíssimas notas, um Jazz original, altamente sofisticado e maduro. Suas melodias são naturais e bem resolvidas. As harmonias são mais simples do que tudo que o Jazz já viu. Lembrem-se que, com exceção do tema da música, tudo é improvisado, sem ensaio.

Os demais músicos não deixam a desejar em momento algum. Um grupo de ases: cada um teve sua própria carreira sólida e inspiradíssima, com destaque para John Coltrane, hoje considerado um deus do Jazz.

Assim segue o álbum inteiro, boêmio e sofisticado.

E depois? Depois o Jazz não foi o mesmo. Kind of Blue é disco que influênciou a todos e determinou rumos da música. Esse é um daqueles álbuns dignos de toda essa lambança.

Os músicos de Jazz o chamam de Bíblia. Os críticos dizem que é o album que todo fã precisa ter. Pela primeira vez na posição de músico, crítico e fã, registro aqui minha homenagem a um álbum daquela listinha que abriu minha cabeça.

Miles Davis - Kind Of Blue

Miles Davis - Trompete
Julian "Cannonball" Adderley - Sax Alto (com exceção da #3)
John Coltrane - Sax Tenor
Wynton Kelly - Piano (#2)
Bill Evans - Piano (o resto)
Paul Chambers - Rabecão
Jimmy Cobb - Batera

2007-09-19T18:36:00.000-03:00

Da série: álbuns que carrego no MP3 Player.
[ou da sub-série: álbuns que eu daria um dedo pra ter feito]

Não é mentira, de jeito nenhum que não é. Ainda lembro quando peguei emprestado um bag de cds do guitarrista da minha banda e lá pelo meio tinha um disco do Lobão, o "Canções Dentro da Noite Escura", de 2005. Foi ouvir uma vez e nunca mais deixar de lado. Não, eu não ligo para o Acústico MTV que o artista lançou esse ano. Pode estar lindo, bacana, uma doçura. Mas o capeta mesmo está nesse disco aqui.

Lançado junto da revista do músico, a Outracoisa [essa história toda, Lobão deixa as gravadores, abre revista, vende discos na banca, se dá bem... você conhece, né?], o "Canções Dentro da Noite Escura" tem um peso, uma sonoridade e uma eficiência de provocar espasmos. Feita pelas mãos de Lobão, Carlos Trilha e Fernando Morello [também produtores do disco], e Pedro Garcia [ex-Planet Hemp], a bolachinha tem um encanto próprio e inegável.

Deus meu, que disco... que disco!!! Treze músicas bem arranjadas, bem produzidas, bem fodas!!!

Sim, eu deixei minha parcialidade de lado, por favor, entenda... Quando um disco abre com uma música chamada “Pra sempre essa noite”, que costura os melhores versos de poesia visual numa voz rasgada, mas calma, angustiante, e também libertadora, você não pode fazer nada a não ser se render...

Com uma guitarra abusada para ser também um violão de bossa, num arremedo de calmaria, com uma acelerada programação eletrônica, o álbum abre com um perfume incrivelmente inebriante. Como será a próxima porrada?

Não há nem descanso, minha gente, não há nem mesmo aquela pausa de 2 segundos para recuperar o fôlego. Com tudo emendado, o disco segue para “Seda”, letra de Cazuza que Lobão adaptou. Um blues poderoso, esperto, embora lento, mastigado, de arranjo impecável e letra embriagada e linda. Alguém me faça parar de elogiar esse disco, por favor...

Desgraça boa vem mesmo quando abre “Boa Noite, Ciderela”, feita em homenagem à Cássia Eller. Mais uma vez um jogo de palavras poderoso [cara, o Lobão deve ter melado a cueca fazendo esse disco...], e o melhor verso do disco [e da música popular brasileira durante um boníssimo tempo] está nesse meio: “O terror agora é uma carroça tirando chinfra de carruagem”. Blues apocalíptico [note como a bateria com efeito providencia a certeza de que o mundo vai acabar logo depois dessa música].

O segundo melhor verso da música popular brasileira durante um boníssimo tempo vem na música seguinte, “O homem-bomba (basta! É o caralho!)”: “E a calmaria na madrugada sibila doce feito o vôo da granada”! Caramba, numa música com temática explicitamente dedicada à guerra, mas com uma conotação possível de desbancar pro lado do conflito amoroso, não é possível ficar calado.

Todas as outras músicas do disco intercalam beleza, poesia, peso, urgência, blues, música eletrônica, rock, confidências à meia voz, ou gritadas, berradas, eu só não consigo falar mais delas. Eu juro que tentei, mas esse álbum é uma experiência única. Ouça e tire suas conclusões.

2007-09-13T21:40:00.002-03:00

O homem é bom, a sociedade o corrompe.
Por Jader Pires

E se o homem é bom, por que fugir dele? - Justin Timberlake é o putão da vez.

No VMA 2007 (premiação da MTV gringa realizada no último dia 9), o artista pop abocanhou 4 das 7 categorias que concorria: Quadruple Threat (Faz-Tudo) do ano, Artista Masculino, Melhor coreografia e Melhor direção, prêmios que acabaram sendo ofuscados pelo controverso show de uma Britney Spears pançudinha e do quebra-pau entre Kid Rock e Tommy Lee para ver quem ficaria com o seio esquerdo de Pamela Anderson (ex-mulher de ambos).

Condenado por um passado de excessos de mau gosto musical, o ex-N’sync perdeu o estigma de garoto sensível com dor-de-cotovelo e entra na reta final de 2007 consagrado como o atual rei do Pop. Lançou em 2002 seu primeiro álbum solo intitulado Justified que ainda deixava marcas daquele estilo de vida de culto ao cafona, mas que convenceu a todos que o garoto não estava mais pra brincadeira. Bons momentos como a música Rock Your Body (bem parecida com os dançantes sucessos da falecida banda Jamiroquai) e lembranças claras de Michael Jackson exalando por todas as faixas garantiram o lugar de Justin na crista da onda, mesmo com pequenos tropeços como Cry Me A River, canção supostamente composta para alfinetar sua ex-namorada, Britney (até então sem a pança) Spears.

E 2007 foi mesmo um ano cheio de conquistas para o jovem Timberlake. Viu seu último álbum (FutureSex/LoveSound – 2006) vender mais de 7 milhões de cópias e espalhar hits nas paradas mundiais a esmo, estreou como ator no filme Alpha Dog e recebeu ótimas criticas por sua atuação, recebeu diversos prêmios (recentemente, além dos prêmios da MTV americana, Justin levou o prêmio Emmy por uma paródia feita no programa de comédia Saturday Night Live. A música se chama Dick In A Box) e começa a engatar uma carreira de compositor para outros artistas (Justin também está compondo material para o próximo álbum da Madonna, previsto para 2008).

O álbum FutureSex/LoveSound foi o divisor real de águas para o cantor que investiu fundo em um novo visual e filosofia. A cara juvenil de antes deu lugar a um rosto com barba por fazer e ar de quem sabe o que faz e as roupas coloridas foram trocadas por um figurino mais “gangsta” dos anos 60. Mas a sonoridade do álbum também é outra.

Michael Jackson ainda permanece emanando como influência certa, mas a proposta não é a de assustar criancinhas, mas sim fazer jus ao nome do trabalho que já tem como cartão de visitas a música homônima. A letra pretensiosa fala de um cara que tem a mulher nas mãos (ou as mãos na mulher, não importando muito a ordem). Seguindo o fluxo, SexyBack é realmente uma promessa de trazer a sexualidade de volta e fez meninas mais desatentas se perguntarem “quem está cantando essa música?” – Sim, era o próprio.

Sexy Ladies, My Love, LoveStoned/I Think That She Knows Interlude e What Comes Around...Goes Around seguem com o mesmo ar sexy, como quem diz “calma garota, que eu sei bem o que você quer”. A produção do “Midas” da indústria pop Timberland contribuiu para o sucesso dessa obra embalada por momentos sensuais, dançantes e, porque não dizer, interessantes.

Se antes o garoto falava de um amor puro e inocente, fazia caras e bocas de quem sofria a perda da pessoa amada e relutava em cultivar uma madeixa que mais parecia um miojo, hoje ele pode se gabar por ser um dos homens mais desejados (foi eleito o músico mais sexy pela grife Victoria's Secret este ano) e mais invejados nos dias de hoje (dentre suas conquistas podemos contar Cameron Diaz, Scarlet Johansson e sua atual namorada, Jessica Biel).

E podem falar bem ou mal, podem continuar com o preconceito de “não ouvi, não gostei”, mas se é pra ser POP, Justin Timberlake o faz com estilo.

2007-09-11T09:59:00.000-03:00

Surdo-mudo-cego, rei do pinball e futuro messias. Vai encarar?

Ok. Vamos dizer que música combina tudo. Pizza, pancadaria, sexo, livros, games, quadrinhos, e [obviamente] cinema. Porém, nesse último caso, as coisas nem sempre são como deveriam ser. Nem sempre um filme musical consegue passar a energia da música [ou do músico] e seu ritmo, transformando esta experiência em algo bem decepcionante.

E é justamente isto o que acontece com o filme Tommy (1975), dirigido e roteirizado por Ken Russel, uma versão cinematográfica da “ópera rock” de mesmo nome, de 1969, da banda inglesa The Who - Pete Townshend, líder-guitarrista-narigudo que adora quebrar instrumentos carinhosamente na caixa de som, Roger Daltrey, um ótimo vocalista [mas perdido entre seus rivais de outras bandas], John Entwistle, o baixista zen [ele manda bem, mas é puro picolé de chuchu], e Keith Moon, literalmente a versão humana do chapeleiro maluco com baquetas [ele só se aquetou quando matou atropelado, sem perceber durante uma confusão, seu motorista – caiu na depressão e se curou com uma boa overdose, em 1978].

Mas antes de ir pro filme, melhor explicar um pouco de suas origens. Um pouco antes de 1969, a banda tinha finalmente conquistado prestígio no mundo [ou seja, no mercado norte americano xD, com o single “I Can See for Miles”]. Crítica e publico adoravam o misto da banda de endiabrados com garotos cabeças [através da voz de Pete Townshend em entrevistas]. Com o barco andando em bons ventos, eis que surge todo aquele lance clichê do sucesso [especialmente naquele tempo], drogas, perda de identidade, mais drogas, o lance de culto pop, e mais drogas ainda.

Nessa celoura toda, naquele lance de pop-star com peso na consciência, imaginem onde o líder da banda procura ajuda? - Uma jujuba pra quem adivinhar. Ora bolas, num guru espiritual [outro clichê]. Pete limpa seu corpo dos ácidos e se engraça com os ensinamentos do místico indiano Meher Baba, que defende o desligamento do corpo com as cousas da terra para poder se iluminar e compreender deus [olha, outro clichê!].

É deste ponto-nodal que cresce toda concepção que conduziria o mais expressivo trabalho da banda, Tommy. A premissa de Pete era criar uma ópera rock que narrasse a saga de um garoto que fica surdo-mudo-cego [desligado do mundo] após presenciar a morte do amante da mãe, Nora Walker, pelas mãos de seu pai, o capitão Walker. Por aí vai até seu estranho sucesso como jogador de pinball [!], e finalmente curado de sua mazela para virar uma entidade messiânica [o cara compreendeu deus enquanto tava deficiente. Sacaram?].

Esquecendo um pouco da história, o álbum foi um marco técnico e conceitual para seu tempo. Lançado em LP duplo, o som extraído pelo The Who era algo completamente alheio ao que eles executavam. Uma salada do velho hard-rock com progressivo. Até hoje Tommy é recordado com ótimas críticas rasgadas, um marco para a banda e pro rock [eu pessoalmente não ouvi, só conheço as mais famosas].

Bem, e o filme? É... A versão cinematográfica sofreu uma breve adaptação, tanto de roteiro como de sonoridade, mas nada sério. Na película, o capitão Walker é morto pelo amante e Tommy nunca conhece seu pai, além de algumas letras de músicas. Mas o problema mesmo, é que o filme não desce!

A história, meio psicodélica e surrealista, ganha um tom meia boca demais na visão do diretor Ken Russel. A coisa começa fria, quase congelada graças à trilha sonora morna, mas que felizmente melhora no decorrer do filme, salvo pela qualidade das últimas músicas [afinal, John Entwistle, que interpreta nosso herói, finalmente deixa de ser mudo e a gente esquece das dublagens e atuações sofríveis de alguns personagens].

O filme chega a ter momentos interessantes e bem críticos na sua mensagem, como na parte de adoração a Marilyn Monroe, cena censurada no Brasil na época [trazendo como padre o Eric Clapton], no clipe de Pinball Wizard [com Elton John] e a participação de Tina Tuner como uma prostituta junkie. O resto do filme varia entre cenas extremamente desinteressantes, que com certeza ficariam melhor nas mãos de alguém melhor no roteiro e direção. O conceito cinematográfico que sustenta o filme é completamente defasado e pouco inventivo, sinceramente já vi obras surrealistas melhores e surpreendentes.

O que realmente salva o filme é o conteúdo de suas mensagens: consumismo, adoração pop, drogas, incomunicabilidade, religião, guerra e mais drogas. Temas os quais são herança do álbum Tommy, e como aconteceu com este, o filme também foi superbem recebido, ganhando um Globo de Ouro de melhor atriz, pela atuação de Ann-Margret [que se deu muito bem como mãe de Tommy], e duas indicações ao Oscar [melhor atriz e trilha sonora].

Há quem ainda hoje adore este filme, como algo original e ousado. Por mim, ele poderia ter sido tudo isso naquela época, ou até o filme The Wall do Pink Floyd ser lançado em 1982. Atualmente, ele já anda meio datado. Mas, o álbum que deu origem ao filme não deixa de ser um clássico. O bom mesmo é assisti-los ao vivo, e lembrar quem popularizou o quebra-quebra de instrumentos em cima do palco [Porque você acha que Hedrix queimou sua guitarra em Woodstock? Pra deixar Pete fulo das calças por não ter pensado nisso antes! Pelo menos é o que diz a lenda...].

Texto por Dario Mesquita

2007-09-06T16:16:00.000-03:00

Da série: álbuns que carrego no MP3 Player.

Amy Winehouse - Back to Black

O disco que bombou demais ontem no caminho para casa, e que bomba em qualquer situação, é o fantástico Back to Black, da cantora inglesa Amy Winehouse. Creia-me, é um disco de jazz/blues/soul que vale cada segundo do download.

Lançado em 2006, por uma guria borra-botas de 23 anos, o disco traz lamentações, barras e confissões de quem já teve que suportar bastante coisa. Golpe de bons produtores? Vai saber… A maioria das músicas mais empolgantes e paudurecentes são da própria Amy. No máximo aparece uma parceria com algum produtor ou compositor.

Don’t believe the hype, é o que dizem... Bem, eu não ligo. Continuarei achando foda tendo sido ela a autora ou não.

O sucesso da nega café-com-leite começou com o disco Frank, de 2003, que deu a Amy uma visibilidade interessante e abriu portas para festivais americanos e europeus, além de render uma produção mais azeitada para esse Back to Black.

O bom da moça-Amy é que além de gata, tesão, coisa linda de deus, fazer uns penteados extravagantes, ter uma voz anasalada que deus me conceda, ser anoréxica e tal, ela ainda tem o dom de escrever canções com parental advisory lá em cima. A lista de coisas fofas que ela gosta de cantar passa por maconha, cana, muita cana, sexo por cima… Enfim, uma vida de prazeres. Dou valor...

O disco abre com Rehab, e Amy rasga o verbo dizendo que todo mundo quer que ela vá pra reabilitação. Ela, como mulher fina que é, diz que não vai. Em seguida, mais uma pedrada, com You Know I'm No Good, em que ela se auto-escurraça, dando a cara a tapa e admitindo que se enganou, que sabia que ia ser assim, que ia rolar um chifre mesmo amando o outro cara.

Tá, mas essa coisas de comentar letra por letra ficou lá atrás. O importante é saber que esse disco inteiro é recheado de músicas grudentas, dançantes, cantaroláveis e, principalmente, excitantes. Como é difícil encontrar alguma coisa nova que realmente te deixe com o ouvido arriado...

Bateu na trave a vinda dela pro Tim Festival deste ano. Que o interesse dos produtores não diminua, mesmo com os excessos de drogas/boatos [se bem que no fim das contas ainda pode contar como marketing...].

Álbum de caráter altamente diletante, Back to Black não sai do meu MP3 Player tão cedo.

esse disco está disponível aqui!

2007-09-03T15:21:00.000-03:00

Vô batê pá tu batê

De tempos em tempos se tem uma iluminação musical, seja porque descobriu uma nova gama de possíveis influências, seja porque velhas influências se inserem numa rotina diferenciada de quando eles apareceram.

Mais ou menos isso me aconteceu quando eu vi minha irmã tirar de dentro de uma sacola o cd do Baiano & e os Novos Caetanos, que por mais que eu tenha procurado, vasculhado, tentado, achei poucas referências na internética. É um elo perdido da música popular impopular brasileira. Durante muito tempo execrada, agora venerada.

Mas essa não foi uma nova influência trazida a mim do nada. Nos áureos tempos da família vivendo o american way of life, tive contato com esse disco pelas mãos de meu pai, que o comprou e colocou num som CCE, na sala de casa, e me chamou para escutar.

Disco de 1974, Baiano & os Novos Caetanos, formado pelos personagens de Chico Anísio e Arnauld Rodrigues, no programa Chico City [Baiano e Paulinho], traz influências das mais diversas, sempre numa colagem entre o regional e o cosmopolita, numa leitura de deboche da conjuntura nacional da época e dos movimentos artísticos hipervalorizados, no caso a Tropicália.

São onze faixas que transitam entre uma construção do lúdico nordestino, com referências a temas clássicos do sertão, juntamente com guitarras elétricas, solos de blues, coros, sinos, apitos... Nas letras, as referências são mais amplas ainda, construindo uma colcha de suportes, uma construção em cima da desconstrução.

O que mais parece é que a tentativa de fazer uma sátira e uma crítica acabou dando certo e descambando para uma criação mais intensa de um imaginário que circula entre Nega, Cidadão da Mata e Veio Zuza, personagens nominados dentro das composições.

Por outro, clássicos como Vô Batê Pá Tu, que fala das delações na ditadura, e Urubu Tá com Raiva do Boi, uma crítica à situação econômica do país e ao falso “milagre econômico brasileiro”, fizeram de Baiano & Os Novos Caetanos um nome significativo no universo do samba-rock e da música rural.

Esse, que é o primeiro disco da dupla, abriu espaço para uma sensibilidade mais exacerbada de minha parte, que passei a olhar com mais propriedade para aquelas manifestações da nossa cultura, permanecendo, até hoje, esse misto de regional e estrangeiro. O que é totalmente possível e esperado.

Imagine-se, então, isso em 1974.

Quando escutei o disco pela primeira vez, na sua primeira reedição, que aconteceu em 1994, eu tinha 10 anos e quase nenhuma idéia do que era Tropicália e essas outras manifestações artísticas. É como eu costumo dizer: a música exerceu um papel unicamente de catalisador.

Sem idéia do que escutava, as impressões eram todas novas, era apenas a intuição funcionando, como deve ser na origem.

E por hoje é só. Fantástico.

2007-08-25T01:04:00.001-03:00

É samba que vocês querem? Lá vai!

Por Jader Pires

Sim, ele estava lá.
Vestindo um terno marrom e com cabelo emaranhado, Rodrigo Amarante subiu ao palco às 22:10 do dia 23 à frente da Orquestra Imperial e abriu o show com a música O Mar e o Ar, do primeiro álbum do grupo intitulado Carnaval Só o Ano Que Vem.

Sim, eles estavam lá.
Órfãos da banda Los Hermanos compareceram em peso para matar saudades e ver (ou rever) o ruivo em ação. E ele assim o fez, mas não sozinho.

O show aconteceu num Citibank Hall lotado, porém morno. O público parece não ter entendido a proposta da banda de retomar os velhos bailes de gafieira recheados de casais dançando agarradinho, embalados pelo som contagiante dos metais e das percussões. Pessoas formavam um amontoado virado para o palco disfarçando passos falsos e pulinhos discretos afinal, as músicas não eram muito propícias para uma versão mais rock de curtir um show.

Mas no palco a coisa era bem diferente. Os 18 músicos subiram ao palco tranqüilos (na verdade a banda é formada por 19 músicos, mas Pedro Sá está no momento em turnê com Caetano Veloso) e iniciaram um baile que parecia fadado ao marasmo. Canções mornas começavam a dar o tom da festa, tom esse que mudou em pouco tempo.

Após algumas músicas, o show se transformou em uma grande festa, principalmente pelo ânimo da banda em cima do palco que estava completamente despreocupada com presença ou performance. Lá em cima a ordem era de diversão e descontração, o que surpreendeu devido à qualidade do som apresentado (por parte da banda, porque a casa falhou deixando as vozes baixas por um tempo e provocando algumas microfonias). Músicas como as divertidas Ereção, Supermercado do Amor e Yarusha Djaruba agitaram o salão e mostraram que o ótimo álbum Carnaval Só o Ano Que Vem caiu nas graças do público que nesse momento já se mostrava mais descontraído e determinado a sacolejar com a mesma alegria que imperava no palco.

Rodrigo Amarante ficou bom tempo como coadjuvante, ajudando na percussão e dando espaço para as musas da banda: Thalma de Freitas e Nina Becker. A presença feminina no palco deu o ar da graça com deslumbrantes vestidos dourados, danças sensuais e vozes muito talentosas. Os outros músicos da banda também não deixaram a desejar: Rubinho Jacobina, Domenico, Kassin (que também é o produtor do álbum) e o “mestre” Wilson das Neves deram conta do recado nas quase três horas de show. O palco fervia de empolgação e borbulhava de participações pra lá de especiais: A Orquestra Imperial trouxe ao palco nomes como Jorge Mautner e seu violino e também ótimo guitarrista Lanny Gordin, expoente da Tropicália que já gravou álbuns de Gal Costa, Caetano Veloso, Gilberto Gil e Rita Lee.

Para o grupo de músicos consagrados, em carreiras-solo ou em grupo, a Orquestra Imperial começou como uma brincadeira e acabou virando coisa séria, para a felicidade tanto da banda quanto do público que pode desfrutar de momentos muito agradáveis ao som da trupe carioca. É colocar o chapéu na cabeça, lustrar os sapatos e aproveitar o que o gênero tem de melhor a oferecer: boa música, boas conversas e promessas de noites interessantes.

2007-07-18T01:11:00.000-03:00

Eskimo com músicas novas e shows a caminho

Em outro post deste blog eu já falava do Eskimo, projeto do baixista Patrick Laplan, que acompanha, entre vários outros, a mega banda Biquíni Cavadão.

Com a participação da banda supracitada no Piauí Pop, consegui uma entrevista com Patrick, que falou de músicas novas, integrantes novos, banda imaginária e shows.

“Já são quatro músicas novas e duas delas têm nomes: Cavalo de Fogo e Dama de Honra”, contou ele, do backstage do evento. “E as músicas novas continuam a linha das músicas antigas?”, pergunto. Com uma cara de quem não se sente muito à vontade para falar sobre aquilo, ele responde. “Não, cara, são bem diferentes, embora os elementos das outras músicas ainda estejam lá. Mas para essas novas músicas, imagina que a Björk programa o baixo e o John Frusciante toca a guitarra”.

Depois de refletir um pouco sobre o que seria essa loucura, já que os baixos e baterias são matutados na cabeça de Laplan, pergunto sobre os vocais [após a saída Henrique Zumpichiatti, a banda abrira espaço para testes]. “Um civil”, responde, simplesmente.

Com o novo vocalista, Patrick conta que foi necessário reaprender as músicas. “Foram feitas algumas críticas positivas sobre os vocais e estamos mudando os tons das músicas antigas para ajustar isso”, explica. E as músicas novas? Vão parar no site da banda ou num novo EP [o primeiro, homônimo, foi lançado em 2006 com quatro músicas]? “Não, acho que dessa vez não. Com essas a gente parte pros shows”. “Chegam a São Paulo?”, arrisco eu. “Acho nossas músicas muito mais São Paulo do que Rio”, encerra o artista carioca. E fim de papo.

2007-07-10T15:18:00.001-03:00

Pela viola caipira

Humberto Gessinger é um personagem da música popular brasileira que desenvolveu ao redor de si, tendo sua vontade ou não, um mito de intratável, com a imprensa principalmente. Na platéia, quem o adora, o glorifica. Os que não o suportam, pedem uma morte rápida e indolor.

Não se sabe por que motivo, conjuntura astrológica ou momento de epifania, mas a exclusiva concedida por Gessinger logo após o show de sábado [07.07] no Piauí Pop foi um exemplo de gentileza e cordialidade. Sem o paletó com que havia feito o show, vestindo uma camisa preta, sorriso largo, bigode acinzentado, duas garrafas de Möet Chadon fechadas em cima da mesa, Humberto primeiro posou para fotos, sentado, mas logo se levantou para olhar os quatro repórteres no olho.

Assim que ele se levantou, fiz a primeira pergunta. “Na época do lançamento do acústico MTV você se mostrou encantado com os instrumentos acústicos e declarou que se pudesse usaria só esses instrumentos daqui para frente. O show de hoje foi um meio termo entre o acústico e o elétrico. Essa é a sua pretensão agora em diante?”

Ele inclinou o olhar para cima, como se refletisse, e rapidamente retornou com a resposta. “No futuro eu não me vejo tocando mais baixo nem guitarra. Quero me aprofundar nos instrumentos acústicos, estou tocando uma viola caipira, estou feliz com o trabalho que a gente está fazendo agora”. Complemento a pergunta comparando o acústico MTV com o primeiro trabalho nesse perfil que a banda fez, o ótimo Filmes de Guerra Canções de Amor, ainda com a formação original. Ele entra na viagem. “Nesse trabalho com a MTV eu quis fazer um contraponto ao Filmes de Guerra Canções de Amor. Esse é um disco que tem não tem um compromisso, uma rigidez. Isso é que o deixa bonito. O MTV tem um formato a ser usado. Eu diria que o Filmes é mais emocional e o MTV é mais cerebral”.

Mais uma vez, lanço um pombo sem asa. “O Engenheiros do Hawaii já teve uma dança com essa coisa do acústico com o [esqueço o primeiro nome do disco] ... coração”. Humberto sorri e complementa: “Simples de Coração”. Isso!, digo eu. Outra vez ele compra a idéia. “É verdade, já fizemos uma coisa assim mesmo, mas acho que hoje nós estamos mais crus, mais acústicos, mais humanos. As músicas novas estão mais simples. Cada vez penso menos em grandes mudanças, penso apenas na canção e não mais em conceitos. Digamos que a o Simples de Coração seria uma foto colorida e essa nova fase seja uma foto em preto e branco”, exemplifica.

2007-07-10T14:57:00.000-03:00

“Mamãe, mamãe, quando eu crescer eu quero ser o Jorge Mautner”

Vestidos cada um com uma camisa que mostrava o rosto de outro integrante da banda, os meninos do Validuaté chegaram na noite de sábado [07.07] ao Piauí Pop “vestindo a camisa da banda, apostando na música autoral, que é o que nos leva além das boates, o que ajuda a construir uma cena aqui em Teresina”, defendeu José Quaresma, vocalista.

A princípio, o rapaz alto e compenetrado mas de feições delicadas pode parecer despreparado para falar de tudo isso, mas de onde viria o preparo senão da tentativa? “As novas bandas estão muito preocupadas com isso, em compor músicas próprias, em mostrar seu material. Nada contra quem faz cover, mas é preciso manifestar o que você é”, explica ele.

Natural de União, cidade do interior norte no Piauí, Quaresma montou o embrião da Validuaté por lá, firmando o trabalho do grupo em Teresina. Desde de 2005, Thiago Pereira [cavaco/pandeiro], John Well [bateria], Vazin [guitarra], Júnior Caixão [guitarra] e Wagner Costa [baixo] trabalham junto com Quaresma na composição de músicas próprias.

Conquistas e planos

E nessa batalha, eles já conquistaram uma apresentação no festival Piauí Sampa, organizado pelo Sebrae, além de um show no Circuito Banco do Brasil em 2006. Ainda no primeiro semestre desse ano, o grupo participou de uma seletiva organizada pelo portal SolCultura, em parceira com o festival Piauí Pop e foi aclamada pelo público como a banda revelação de 2007. A banda conquistou, assim, o direito de participar festival, a sua consagração em quantidade de público.

Mas nada parece deslumbrar o grupo. Com o show programado e ensaiado para durar 40 minutos, um problema técnico no palco principal do Piauí Pop fez com que a sua apresentação fosse esticada. “Na verdade, a gente tinha ensaiado para 30 minutos, mas com umas coisas extras que dava 40 minutos”, ri Quaresma.

2006 parece ter sido o ano das grandes conquista da banda. Além de todos os shows que o grupo organizou, o lançamento do primeiro EP do grupo marcou ainda mais o ano passado. Mas como quem fica parado é poste, para 2007 os planos já são mais ambiciosos. “Estamos finalizando a gravação do nosso primeiro disco, que vai ser uma evolução desse contato com o público. Nós estamos fazendo um disco com as músicas que o nosso público gosta de ouvir”. O que poderia gerar uma compreensão errônea do distraído leitor é rapidamente frisado pelo vocalista. “Não que ali tenham músicas que a banda não gosta, na verdade é uma coincidência que as músicas que ali estão são as que a gente mais gosta”.

Mas a banda não pára por aí. Com o lançamento desse disco, de forma totalmente independente, vai ser a vez de fazer uso do apoio que o grupo conseguiu da Lei A. Tito Filho. “Nossa intenção é gravar mais um disco depois que lançarmos esse”. O primeiro filhote já tem nome: “Pelos Pátios Partidos em Festa”.

Quando perguntado sobre o futuro distante da banda, Quaresma é bem taxativo. “Não vemos necessidade de ir para São Paulo ou Rio de Janeiro logo de cara. É preciso desmistificar essa idéia de que as coisas só acontecem por lá. Aqui no próprio Nordeste nós temos uma cena que se sustenta, que está aqui perto e que nós pretendemos visitar e conhecer antes de ir para Rio ou São Paulo.

Língua afiada

Durante o show no Piauí Pop, a banda aproveitou para mandar diversos recados ao público. Pediu a valorização da música local, reclamou do cachê oferecido pelo festival aos grupos locais e do trabalho da OMB com irreverência. “Mamãe, mamãe, por que a gente tem que desconfiar da OMB?”, perguntou Thiago Pereira a certa altura do show. Quaresma, mesmo sem querer, responde. “Quem pediu para a OMB fiscalizar a atividade dos músicos?”

2007-07-07T19:20:00.000-03:00

Calooo! Calooo! Calooo!!!

Para ver...

Atualizações da noite de ontem e de hoje vêm mais tarde, à medida que os shows forem acontecendo e que a sala de assessoria fique possível.

2007-07-06T23:51:00.000-03:00

Roque Moreira desacelera, mas não perde o pique

“O andamento das músicas diminuiu, né, Hulk?”
“É rapaz, é verdade...”

Após um show matador no palco Torquato Neto, Daniel Hulk, vocalista do Conjunto Roque Moreira, estampando no peito o personagem a quem deve a alcunha, suado e falando sem parar com os outros componentes da banda, pediu pra sentar antes de começar a entrevista.

“Senta aí, rapaz... Bom, mas era como eu tava te dizendo. A banda, com seis anos de estrada, vai mudando um pouco, evoluindo...”

Como exemplo disso, Hulk, que intercalava um trago num cigarro Free e um gole numa cerveja Skol, conta das influências dentro da própria banda. “No início, os nossos percussionistas vinham do pagode, foi disso que a gente tirou o nosso lado dançante”.

Com a saída do cavaquinista Madão, e a entrada do guitarrista Márcio Bigly, a banda ganhou “mais volume”. “Essa coisa das músicas terem ficado mais lentas é justamente por essa mudança, já que o cavaquinho dá uma quebra maior nas músicas”, explica Daniel. Além dessa mudança, a participação do Dj Morcego no palco dá o que Hulk chama de “cheiro de vinil”. “A gente gosta dessa coisa, lembra as transmissões da antiga Pioneira”.

Morando em São Paulo desde maio de 2006, a banda já lançou um clipe de Lee Van Cleef feito por lá e já tem show agendados na cidade para agosto.

Confira do som do Conjunto Roque Moreira em Conjunto Roque Moreira.

2007-07-06T23:35:00.000-03:00

Fotos! Fotos! Fotos!

Álbum oficial Calo na Orelha no Piauí Pop

Acessem e divulguem!

2007-07-06T23:12:00.000-03:00

Natiruts busca caminho independente

A banda de reggae Natiruts, vinda de Brasília e surgida no cenário musical brasileiro em 1998, fez seu primeiro show em terras mafrenses no Piauí Pop, nessa sexta-feira, 06.07.

Formada por Alexandre Carlo [guitarra/voz], Luís Mauricio [baixo/vocal], Juninho [bateria], remanescentes da formação original do grupo, o grupo conta também com Mônica Agena [guitarra solo], Bruno Wambier [teclados], Denny Conceição [percussão], Carol Martinez [backing vocal] e Kauina Benetti [backing vocal].

Em entrevista coletiva concedida antes do show no palco Torquato Neto, Alexandre, Luís Maurício e Juninho falaram da carreira e influências da banda, mas principalmente dos caminhos tomados pela banda depois da saída do grupo da EMI, em 2003.

“Esse ano, lançamos um CD e um DVD independentes [“Natiruts Reggae Power”], pelo nosso selo, e acreditamos que esse seja o caminho para o mercado fonográfico”, explicou Luís Maurício.

Outra possibilidade para fugir das majors, segundo Alexandre, é a internet, meio que ele considera importantíssimo para a divulgação de novos artistas. “Mesmo sendo um meio ainda restrito, ajuda bastante”.

Mesmo contra a pirataria, o grupo acredita que esse é uma forma de “nivelar por cima o acesso” às suas músicas. “Se o cara consegue conhecer a nossa música comprando um cd de R$ 5, eu acho isso ótimo. É difícil falar de contravenção no caso da pirataria se as pessoas que deveriam lutar contra ela estão na nossa cidade e começam isso por eles mesmos”, disparou Alexandre.

Durante o show a banda apresentou clássicos que os lançaram ao grande público, como “Beija-Flor” e “Deixa o menino jogar”. O último disco de estúdio da banda, Nossa Missão, de 2005, também esteve presente no repertório.

2007-07-06T18:49:00.000-03:00

Calo na Orelha direto do PIAUÍ POP

Durante todos os três dias do Piauí Pop, o blog Calo na Orelha vai trazer resenhas de shows, entrevistas e fotos do festival.

As atualizações serão constantes e durante toda a noite.

Fique sempre com o dedo perto ali do F5 e confira as últimas notícias do Piauí Pop aqui no Calo na Orelha.

2007-06-26T00:31:00.001-03:00

No pulo do gato

Parece peculiar achar que o passado pode alimentar e se alimentar do futuro. Pode até parecer interessante crer que o passado é base para o futuro, embora isso seja totalmente lógico.

Hoje, quando eu escuto de novo o “Revolver”, de 1966, daquela banda lá de Liverpool, fico pensando como ele deve ter feito a cabeça de muitos jovens, beatlemaníacos ou não.

Loucura somada a genialidade, ele preparou o terreno que foi limpo pelo Rubber Soul, sedimentando influencias, abrindo portas da imaginação, libertando composições. Indo do rock direto à canção de amor, passando pelo transcendental [palavra que perdeu o sentido que a preenchia com os anos], esse Revolver bem que poderia ser o primeiro disco que um novo roqueiro ganharia do tio chato que se viu na obrigação de dar um disco de rock pro guri.

Seria lindo demais abrir o pacote e ver o desenho da capa de autoria do artista de Hamburgo, Klaus Voorman. Eu gostaria de ter ganho esse disco de alguém, mesmo que fosse um tio chato. Não iria me importar.

Depois de ter passado alguns meses com o Rubber Soul em casa, lutando para que o cd fosse lido pelo som CCE, foi ótimo descobrir que aquela obra prima era descendente direta do mesmo fluxo de idéias que se uniram para criar “You won’t see me”, “Think for yourself”, “I’m looking through you”. Assim, as mesmas cabecinhas pensantes de antes pariram, um ano depois, esse disco, o Revolver.

Se antes, com o Rubber Soul, o choque foi quase anafilático, agora, com o disco apreendido da casa de um amigo, o momento era bem mais sublime, com direito a suspiros e paixões pela música eternamente. Só fiquei satisfeito depois de aprender a cantar “i’m only sleeping” e tocar “For no one” no violão.

Bom... vamos lá... Taxman é a primeira música de George Harrison que abre um disco dos Beatles. Mas isso não é um detalhe qualquer. Dentro da ditadura que a banda representava, dentro do duo Mac-Lennon, ter uma música abrindo um disco da banda é [ainda mais um disco como o Revolver] uma maravilha, coisa linda de deus.

Só que, definitivamente, esse não é um disco qualquer. Taxman é uma irônica tirada com as taxas de impostos que comiam os lucros dos Beatles [e que terminaram levando a banda para os EUA]. A seguir, Eleanor Rigby, uma das canções sobre solidão e pessoas solitárias mais espetaculares e espetacularmente soturnas que eu já tive o prazer de escutar.

Logo depois, a minha predileta, a que me traz mais bons cheiros de passado que influencia o futuro. “I’m only sleeping”. Por que em alguns momentos a gente está apenas dormindo. E se acorda de mal humor. Então é melhor ficar lá na cama, não é mesmo? Estirado? Ótimo. Pois me deixe, que eu estou apenas dormindo. Uma música que trata de um assunto relativamente banal, mas que é linda. Principalmente pelo solo de guitarra ao contrário. Foda!

A seguir, “Love you to”, mais uma do Harrison, dessa vez com direito a piração indiana, cítara e tabla e translação de texto indu. Curte? Pois aqui está uma música consagrada a isso.

Depois, “Here, There and Everywhere”, com sua poesia claramente inspirada em Beatles, daquele tipo de letra e melodia inconfundíveis. Linda canção, lindo arranjo, lindo tudo. Ai vem “Yellow Submarine”, com vocal de Ringo Star. E pra mim, só vale por isso. Não a acho divertida nem nada. Para mim, é a música dos Beatles que o Ringo canta. Vale?

Depois da viagem de “Yellow Submarine”, voltamos ao rumo anterior de boas músicas pops, com “She Said She Said”, de versos como “when i was a boy everything was right”...

Com 14 canções, o bloco final merece uma resenha só para ele. Good Day Sunshine é uma ode otimista e feliz. And Your Bird Can Sing Atente para Paul e George fazendo a 2ª voz. For No One Canção linda! Doctor Robert, mesmo com leve inspiração pelo mundo das drogas, é uma bela canção. Terceira canção de Harrison no disco, caso raro, I Want To Tell You, e principalmente, com vocal do próprio George!

Got To Get You Into My Life é uma ótima canção de amor. E Tomorrow Never Knows é uma boa canção para se ouvir bebendo. Ou bêbado.

2007-06-26T00:30:00.000-03:00

Depois da queda, o coice?

Na vida, há certas coisas que só se aprende a fazer da segunda vez. Geralmente o sexo é assim, xingar também, cuspir, e muitas outras coisas viscerais que estão intrinsecamente ligadas a instintos, sejam eles primitivos ou não [tirando o fato de que eles são, em sua sufocadora maioria, primitivos].

Assim é também com a música. Lembro do Renato Russo falando num manifesto que ele lançou junto com a galera de Brasília à época de um festival com as bandas de lá. Aborto Elétrico, Plebe Rude, XXX, e outras... bom, o Renato disse que o rock é música da África, 4x4, instintiva. Pois é.

Existe aquela lorota no rock/música no geral, de que o segundo disco é o disco de afirmação, de mostrar que não era só um hypezinho nojento nem nada. Engraçado é ver que o Gram, com o seu ‘Seu minuto Meu Segundo’, provou a mim que eles foram mesmo um hype que deu certo. Saindo de um primeiro disco fraco [de 2004], conhecido como ‘disco do pato’ por conta da capa, o Gram tinha a cara-de-pau de colocar os grandes hits do disco logo na cara do ouvinte [coisa que eu abomino como ouvinte, como músico, como tudo... é estratégia de gravadora e cara-de-pau do artista].

Nesse segundo tiro, lançado agora em setembro de 2006, a coisa já é diferente. O disco, ainda lançado pela Deck Disk, parece mais verdadeiro, mais vivo, mais gentil, mais interessante, na verdade. Embora muita gente tenha ressalvas quanto ao Gram, e eu mesmo as tinha, é incrível como o gosto deles melhorou. Os timbres estão mais interessantes, as letras [embora existam deslizes] estão menos melosas, atingindo um padrão interessante, uma regularidade saudável de boas frases e boas tiradas, os arranjos têm soluções interessantes [minha única ressalva é justamente a música que parece ter dado nome ao disco, a última faixa, que lembra muito electro-rock-pop-punk tão em voga e na moda].

Engraçado notar também que esse segundo disco do Gram parece mais sincero, e assim, feito por instinto, ou com os instintos mais primitivos à flor da pele. Cada música parece ser mais sincera, madura e menos apelativa que no outro disco. Não há gatinhos aqui. Claro que há algumas aloprações, principalmente quanto às letras, como em Lupado. Mas vamos por partes.

O disco abre com ‘O rei do Sol’, que tem um arranjo simples, um baixo muito bem executado e abre um perfil dentro desse disco do Gram: muitos dedilhados de guitarra e violão. Sim, as canções estão mais leves, e o melhor... elas já começam a se distanciar [com passos largos] da sombra do Los Hermanos que todo mundo insiste em jogar em cima de toda banda que quer fazer uma coisa mais diferente.

Daí chegamos a ‘Você tem’. “Você tem/O que eu sempre quis/Você sabe o que quer/Também sabe o que tem/Ou pode ter quem quiser/Você passou e riu/Me faz pensar que sim/Sempre quero alguém/Que jamais olhou pra mim” é a simples maneira de tratar as paixões adolescentes [e a maioria das paixões, sejamos sinceros]. Começa com a identificação de um perfil, um encaixe de preferências, uma suposição apaixonada [claro...] e a desilusão fudida. Sim, por que o que mais acontece é um tipo de desilusão clássica originada unicamente pela fantasia que a paixão nos leva a atingir. E ai a gente se lasca.

‘Antes do fim’ é o tipo de composição que fala sem dizer muito. O conjunto de estrofes jogadas quase que aleatoriamente constituem um caleidoscópio idiossincrático, formatando, assim, várias identificações a cada frase.

A quarta canção do disco, ‘Parte de Mim’, é uma das mais belas, que fala mais, por que é complicado acreditar que uma coisa possa ir do “Fomos tanto/Que sempre tinha gente aqui/Pra ver de perto/O que alguém chamou de amor”, para o “E nos dias/Nas datas pra comemorar/A gente não jurava mais nada/E só bebia pra esquecer/O que era lindo se foi/Agora é normal e chato, um tédio”. Mas no fim das contas a gente sabe que é possível. Não sabe? Sabe sim.

Talvez a resposta para o que se configura em “Parte de Mim” seja “Melhor Assim” [formando a tríade do IM]. O cara que foi esculachado na música passada esculacha a moça nessa. Não quer mais pedir permissão para respirar, não quer ir pra festa dela, nem liga, não está nem aí, sabe que ela escolhe as coisas para anulá-lo de forma quase covarde. É um bom tapa na orelha. “Você engole só o que lhe convém/Pra cuspir sua vida em mim”. E ele não quer isso nem um pouco. E dá-lhe esculacho. Embora ainda role um interessezinho, eclipsado pela indiferença do outro lado.

O fim da tríade abre espaço para músicas um pouco mais experimentais, como ‘Vivo de Novo’, ‘Me trai comigo’ [uma ótima sacada para a letra], ‘Lupado’ [a da letra problemática/escalafobética] até chegar na ‘Em nome do Filho’, bela canção de amor, de um filho reconhecendo o pai. ‘Vale a pena’ tem o baixo mais bonito do disco, e a música é uma amostra de que os ‘hits’ estão pelo disco todo. Por fim, a mudança do diálogo vem para ‘Tem Cor’, com o pai querendo que o filho cresça, e convença. Por fim, a theklaxonsniana ‘Teu Minuto, Meu Segundo’, que mesmo com uma melodia chinfrim, convence pela letra e, principalmente, pelo refrão. “A vida é hoje/E é com ou sem você”. E sempre é.

2007-06-26T00:20:00.000-03:00

O que fizeram com você?

O primeiro artigo que eu escrevi pra ‘Algumas Coisas’ foi sobre a Legião Urbana. Hoje, um bucado de tempo depois, tendo falado de tantos outros assuntos, temos aí batendo nas caras os 10 anos de morte da ‘maior voz do rock nacional’, com dizem alguns. Ou da bicha louca que cantava naquela imitação barata de Smiths.

Opiniões a parte, achei que seria tipo dever cívico [ou de fã que fui], falar de um disco da Legião. Não sabia bem qual, e enquanto dirigia escutava o primeirão, homônimo. Que foi justamente o tema do referido artigo. Aí eu pensei cá comigo... ‘que disco eu devo resenhar então? O último, né?!’.

Então lá vai. Catei o cd de mp3 que tem a discografia da Legião do carro, trouxe pro pc e copiei a pasta do disco ‘Uma Outra Estação’, de 1997. Sim, todo mundo já deve saber, mas nunca é demais falar. Lançado como disco póstumo, ‘Uma Outra Estação’ continha músicas que sobraram do processo de gravação de ‘A Tempestade’.

Ouvir esse disco de novo é uma espécie de martírio e satisfação. Martírio porque na época em que eu o conheci eu achava a coisa mais foda do mundo, mesmo um dos piores discos da Legião. E satisfação por saber que as boas canções que eu ouvia nesse disco continuam sendo as melhores. Assim, Riding Song, La Maison de Dieu, Clarisse, Comédia Romântica, Dado Viciado, Marcianos Invadem A Terra, Mariane, Travessia do Eixão são ótimas canções, seja pela letra, pelo arranjo, pela idéia.

Já existem deslizes muito loucos como Uma Outra Estação, As Flores Do Mal, Schubert Ländler [desnecessária I], A Tempestade, High Noon (Do Not Forsake Me) [desnecessária II], Antes Das Seis e Sagrado Coração, que sem vocal [e isso, nessa época em específico, será bom ou ruim?], fica perdida no disco.

Infelizmente, enquanto se escuta o disco, sente-se um cheiro de $$$ emanando de maneira absurda. O disco cheira a caça-níquel, e talvez o seja mesmo. E mesmo assim ele tem alguma razão de ser.

‘A tempestade’ deixou alguma coisa pela metade em 1996. Era preciso um arremate, algo que fechasse o ciclo, e com a morte de Renato, esse ciclo teria que ser fechado de algum jeito. Que fosse com um disco de sobras de estúdio. O mais chato mesmo é perceber a voz grave de Renato definhando, indo embora, se acabando. Algumas canções tem apenas sussurros do que a voz de Renato já houvera sido.

Assim, como muitos dizem [parece um generalismo bobo, mas é que se lê mesmo em qualquer esquina... já é um bom clichê], o Renato deveria ter parado antes. Não porque a qualidade das produções decaiu. Mas principalmente por que ele não tinha mais condições físicas de fazer um bom álbum. Ainda assim fez um mediano.

As músicas ruins do disco assim são por serem forçadas demais, ou pelo fato de que, em algum lugar, a criatividade da banda já começava a falhar... Arranjos pobres, ou forçados, timbres de teclado horríveis [influência do Carlos Trilha] e a falta da verdadeira voz e interpretação de Renato. Realmente faz falta.

Já as partes boas do disco trazem canções que fogem aos temas mais recorrentes dos últimos discos da banda, que é lavagem de roupa suja da vida amorosa do grupo. Outras, fazem um resgate do que Renato compunha quando bem mais jovem. Muito mais do que inspirador, é interessante como material de pesquisa e fonte de conhecimento. Sobre Legião Urbana, claro.

O que mais se pode dizer desse disco? O trabalho do encarte é ótimo, muito bem feito, com desenhos de Marcelo Bonfá, que veio à Teresina outro dia ai. Dispensável e urgente à sua coleção, ao mesmo tempo. Compre de acordo com o seu humor, baixe se tiver conexão sobrando. Escute e entenda como uma banda que falava de amor passou a fazer baladas amorosas falando de punks. Ou não.

2007-06-19T14:36:00.000-03:00

Radiohead libera trechos de músicas do novo álbum

Está tudo lá, no blog do quinteto inglês.

Nigel Godrich, produtor da banda desde o Ok Computer, postou [no último dia 15] trechos de novas músicas que o grupo está terminando de gravar.

As canções, que chegaram ao YouTube num vídeo caseiro, são "Open pick", "All I need" e "Down is the new up", dentre outras.

Essas e outras composições, como Arpeggi e Nude, já circulam na internet desde o ano passado e devem fazer parte do sétimo disco da banda. Será o primeiro trabalho inédito oficial desde 2003.

Vale lembrar que com Hail to the thief, o contrato do Radiohead com a EMI/Parlaphone foi para as cucuias. A banda já declarou pretender lançar o disco ainda esse ano.

2007-06-19T08:42:00.001-03:00

Abrindo os ouvidos para o Choro

Lá estava eu, na livraria que também vende cds. Os coitados, uns poucos dividindo espaço com um universo de livros, estavam colocados no segundo andar, esquecidos num canto. A poeira, já assentando, caia também em alguns bons discos de jazz, outros nem tão bons de pop, e outros muito bons de rock. Na capa, nada mais que as duas palavras que batizam a banda, 'Tira Poeira', com uma foto em sépia.

Comprei o disco no cego. Arriscando não gostar. Nada tinha lido sobre o mesmo, não sabia em que ano ele havia sido lançado ou que tipo de música ele trazia, mesmo que a foto da capa denunciasse um som leve, acústico, feito com pandeiro e violão, os dois instrumentos que pulam do registro. A cegueira durou até chegar em casa, quando tirei o plástico que envolvia a capa do álbum e coloquei o disquinho para tocar. De cara, veio aquele som estridente do cavaquinho. E eu, bom roqueiro que sou, surpreendentemente não enraiveci. O pé começou a bater junto com o pandeiro, que veio logo depois.

Não que eu seja fechado para as manifestações musicais originárias na minha terra. Mas, longe de ser ufanista, prefiro as guitarras distorcidas ao violão bossado. O bom da surpresa de ter comprado um disco de choro é que, mesmo não sendo fã do estilo, aquelas notas dedilhadas e palhetadas foram me conquistando aos poucos. E decidi abrir os ouvidos para o chorinho do Tira Poeira.

Formado pelos jovens, mas experientes, Caio Márcio (violão), Henry Lentino (bandolim), Samuel Deoliveira (saxofones), Fábio Nin (violão 7) e Sérgio Krakowski (pandeiro), o som do grupo, que passou bons anos tocando nas noites da Lapa, no Rio de Janeiro, é, com o perdão do trocadilho, bem lapidado. As influências mais diretas, mas veladas, não posso identificar, podendo afirmar apenas que foram bem aproveitadas. Nada parece com nada nas suas composições, e não percebi nenhuma referência direta a clássicos do chorinho, o que já denota personalidade e criatividade por parte da banda.

A história do grupo se resume, como acontece com as grandes bandas, a encontros casuais. O bandolinista Henry Lentino saiu de Porto Alegre para o Rio, em busca de parceiros no mundo da música. Lentino começou a terçar cordas com o violão de 7 de Fabio Nin, que terminou por agregar o caçula Caio Márcio, com seu violão. De conversa em conversa pelos botequins do bairro da Lapa, chegaram o pandeirista Sérgio Krakowski e outro "imigrante" no berço do chorinho carioca, o saxofonista catarinense Samuel de Oliveira.

O mais complicado para mim, reles apreciador médio de chorinho e grande apreciador dos versos das canções, foi encarar um álbum inteiro sem letras próprias a serem associadas à melodia das músicas. Mas esse terminou por ser um problema fácil de ser contornado. A cadência das composições, associadas à beleza e jovialidade dos arranjos, tornou as músicas um conjunto tão bonito que a assimilação foi simples. Satisfação garantida.

Para amolecer ainda mais o ouvido, três clássicos do samba foram interpretados pelo Tira Poeira: Folhas Secas, de Nelson Cavaquinho e Guilherme de Brito, cantada por Teresa Cristina; O Mundo é um Moinho, de Cartola, entoada por Pedro Miranda e Três Apitos, de Noel Rosa, na voz de Mariana Bernardes.

Tira Poeira - Tira Poeira

Murmurando
Receita de Samba
Três Apitos
Delicado
Caminhando
Segura Ele
Vê se Gostas
O Mundo é um Moinho
Carioquinha
Peguei a Reta
Folhas Secas
Santa Morena
Cadência

Coluna originalmente publicada na edição do dia 09.08.05 do Caderno Torquato do Jornal O DIA